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FURINI ARTE CONTEMPORANEA / ART ROTTERDAM 2012

2012-02-03T15:04:00.011+01:00

(English below)

Per la sua prima partecipazione ad Art Rotterdam – New Art Section, FURINI ARTE CONTEMPORANEA è lieta di presentare un progetto dell’artista brasiliano Marlon de Azambuja.

L’intervento, parte della serie OPERATION, consiste nel coprire completamente una parete dello spazio espositivo con stickers adesivi nei loro fogli originali e, con un apparentemente minimo intervento nell’ordine di disposizione di alcuni stickers, ottenere il massimo effetto nella partecipazione visiva dello spettatore, trattandosi di un profondo lavoro sulla percezione. Questo disordine intende creare uno spazio scomodo alla vista dell’osservatore, una sensazione che le cose siano fuori posto, in modo da permettere una riflessione su come un semplice gesto possa generare tale confusione visiva. Questo progetto è parte della più ampia produzione di Marlon de Azambuja, fondata sulla ricerca di forme presenti nella realtà ma non direttamente riconoscibili, quindi nella valorizzazione di elementi dati per scontati fino a divenire invisibili. Questo aspetto è così proiettato sul processo mentale relativo a concetti e idee.

OPERATION è un diverso approccio ai temi sviluppati da marlon de Azambuja: il contesto, l’individuo nel suo spazio, la sintesi del complesso, l’analisi delle parti nell’intero e la loro sinergia, il cambio di significato e la percezione con il minimo gesto oltre alla nuova identità che nasce da una precedente, solo per mezzo di un’idea suggerita. La serie Operations è fra i più nuovi approdi, più sottile, ma sempre forte.

Il lavoro di Marlon de Azambuja si realizza usando diversi mezzi come la fotografia, il video, l’installazione, l’intervento, la scultura, il disegno senza limiti, perché considera ogni linguaggio possibile per la comunicazione. E’ a favore di un’arte popolare, fatta di materiali comuni e semplici come nastro adesivo, carta, stampa, foto, inchiostro, per promuovere e diffondere l’idea di nuovo linguaggio devoto alla comunicazione senza usare luoghi comuni, solo mostrando le idee in modi diversi da come ci aspettiamo. Quindi, nuove identità prodotte da nuovi linguaggi per creare l’idea che abbiamo in mente ma che è già dimenticata, o impossibile da esprimere perché nella nostra memoria profonda. Parte da una visione reale per sollecitare una visione mentale, causando un’emozione e generando il senso dell’idea. Questo tipo di processo non finisce dopo il confronto con l’opera d’arte, ma continua a generare forme, oggetti, idee nella mente dello spettatore, così come il nuovo linguaggio continua la sua traduzione in contesti differenti.

Talvolta con grandi interventi (Potencial Escultorico che creano nuove forme nel contesto urbano o in spazi pubblici usando nastro adesivo colorato), altre con oggetti reali (Tate Modern 2010-2011, New Museum 2010, gabbie con la forma di architetture museali per sottolineare la rilevanza del contenitore sul contenuto), o disegnando su immagini dell’arredo urbano per creare nuove figure collegando elementi dello spazio (Metaesquema) dove, con il passare del tempo, le immagini di sfondo sbiadiranno, ma non le nuove presenze ad inchiostro.

Parte della nuova produzione sono i collages su carta Nuovo Ampliamento e i disegni su carta Nuevos Barrios, brillanti consideazioni sull’architettura, i suoi simboli e metodi, e l’espansione edilizia con i suoi effetti sull’aspetto urbano.

For its first participation at Art Rotterdam, FURINI ARTE CONTEMPORANEA is delighted to present a project by Brazilian artist Marlon de Azambuja. The intervention from the Operation series consists in completely covering a wall of the exhibition space with adhesive stickers in their original sleeves and, by an apparently minimum intervention on the ordered placement of some stickers, to obtain the maximum effect on the observer’s visual participation, being about a deep work on the perception. This disorder intends to create an uncomfortable space in the viewer's sight, a sensation that things are out of place, thus allowing the reflection on how one simple gesture can generate such visual chaos. This project is part of the Marlon de Azambuja larger production, founded on the research of forms present in the reality yet not straight recognizable, thus on the exploitation of elements taken for granted so as to become invisible. This aspect is then projected onto the mental process related to concepts and ideas.

Operation is a different approach to the themes developed by Marlon de Azambuja: the context, the individual in its space, the synthesis of the complex, the analysis of the parts on the whole and their synergy, the change of the meaning and the perception with a minimal gesture besides the new identity born from an old one, just by a suggested idea. The Operation series is one of the latest landfall, subtler but strong nonetheless.

The Marlon de Azambuja’s work comes into its own using different media such as photography, video, installation, intervention, sculpture, drawing without any limits, because he feels that every language is able to convey an idea. He is in favour of a popular art, made by common and simple materials such as coloured adhesive tapes, paper, print, photo and ink, to promote and diffuse the idea of a new language devoted to the communication without using commonplaces, just showing the ideas in a different way we expect them. Therefore, new identities made by new languages to shape the idea we have in our mind but already forgotten, or impossible to express because too deeply hidden in our memory.

He starts from the real vision to urge a mental view, causing an emotion and generating the sense of the idea. This kind of process doesn’t stop after the comparison with the artwork but continues to generate forms, objects, ideas in the viewer’s mind, such as the new language keeps its translation in different contexts. Sometimes with big interventions, like Potencial Escultorico, creating new forms in the urban contest or in public spaces using coloured adhesive tape; others with real objects (Tate Modern 2010-2011, New Museum 2010, cages with the form of museum architectures to underline the relevance of the container on the content), or drawing on urban environment pictures to make new figures linking elements of the space (Metaesquema) where, as time is passing by, the images in the background will fade, but not the new ink works.

Part of the new production are the collages on paper Nuovo Ampliamento and the drawings on paper Nuevos Barrios, clever considerations on architecture, its symbols and methods, and the building expansion with its effects on the urban look.

EDWARD THOMASSON // Find A Problem To Solve

2012-01-04T13:56:00.008+01:00

21 Gennaio – 3 Marzo 2012

opening 20 Gennaio ore 18,30

Roma - Via Giulia 8

Edward Thomasson, Find a Problem To Solve, video for projection, 8min 30 sec, 2008, Edition of 3+1 A.P.

(English version below)

Furini Arte Contemporanea è lieta di annunciare la prima mostra personale in Italia dell’artista britannico Edward Thomasson (1985 - Staffordshire, vive e lavora a Londra) che include il video Find A Problem To Solve, 2008, e una serie di disegni dal titolo Voluntary Working Relationships, 2010-2011. Il lavoro di Thomasson si focalizza sul sistema dei rapporti fra gli individui in gruppo, spostando il punto di vista fra l’interno e l’esterno dei personaggi, muovendosi fra le menti e i corpi.

Attraverso un’accurata e critica osservazione del comportamento, Thomasson identifica espressioni del volto e pose specifiche e isola i movimenti degli individui in gruppo, un processo che inizialmente viene esplorato nelle serie di disegni. Queste osservazioni divengono in seguito il fondamento per i suoi video narrativi che, interpretati da attori, sono tutti riferiti a come gli individui partecipano alle attività di gruppo, intese come occasione per affermare a se stessi che c’è qualcosa oltre i limiti del loro stesso corpo.

Anche la musica ha un ruolo centrale nella costruzione dei suoi video. Edward Thomasson scrive i testi per le canzoni che, eseguite dagli stessi attori dei video, diventano parte dell’azione. Filmati in stanze indefinibili che rimandano a sale d’aspetto, centri di terapia o aree ricreative, e set costruiti che somigliano a semplificati spazi interni o esterni, i lavori narrativi di Thomasson ripropongono strategie e meccanismi comuni alle azioni televisive, a video informativi e musical.

Furini Arte Contemporanea is pleased to present the first solo-show in Italy by British artist Edward Thomasson (1985 - Staffordshire, lives and works in London). The show includes the video Find a Problem To Solve, 2008, and a series of drawings entitled Voluntary Working Relationships, 2010-2011. Thomasson’s work focuses on relationships formed between individuals in groups, shifting the point of view between the inside and outside of these individuals, moving between their minds and their collected bodies.
Through a careful and critical observation of behaviour, Thomasson identifies specific facial expressions and poses and isolates movements of individuals within a group, a process that is first explored in the drawing series. These observations later become the foundation of his narrative video works. These videos, which are performed by actors, all look at how individuals engage in group activities as a way of affirming to themselves that there is something behold the limits of their own bodies.
Music also plays a central role in his video’s construction. Edward Thomasson writes the lyrics for the songs that are performed by the actors in the videos and become a part of the action. Filmed in non-descript rooms that refer to community halls, therapy or leisure centres, as well as constructed sets that resemble simplified indoor and outdoor spaces, Thomasson’s narrative works re-enact strategies and mechanisms common to television plays, instructional videos and musicals.

BIO Edward Thomasson studied an MA at the Slade School of Fine Art and a BA at Chelsea College of Art and Design, London. Recent exhibitions include: 2011 One Another’s Company, IMT Gallery, London; Tank.tv, London. 2010 Bloomberg New Contemporaries, The A Foundation, Liverpool, touring to ICA, London; The Life Room, CHELSEA Space, London. Recent screenings: 2011 Movie Night Vol. 4: Global House Screenings, Kunsthalle Gwangju, Korea; Tomorrow's World, Nutbrook Studios, London. 2010 Should I Stay or Should I Go? A question rehearsed by RUN, CHELSEA Space, London. Recent collaborative Performances with Lucy Beech: 2011 Twist, IMT Gallery, London; 7 Year Itch, More Soup and Tart, Barbican Theatre, London; Human Resources, Platform One, Bloomsbury Theatre, London; He is currently on a residency organised by SPACE and South London Gallery which culminates in an exhibition at South London Gallery in March 2012.

MARLON DE AZAMBUJA / Nuevos Barrios / view of the show

2012-01-04T13:51:00.006+01:00

William Cobbing / The Agony of Water /

2011-11-14T18:30:00.005+01:00

Partendo da una sensibilità scultorea, i lavori di William Cobbing (nato a Londra nel 1974, dove vive e lavora) comprendono il video, la fotografia, l'installazione e la performance. I suoi personaggi sono spesso rappresentati come fusi con l'architettura circostante, come estensioni di tubature, o sepolti da strati di argilla o cemento, con cui lottano assurdamente per districarsene. Cobbing fa calchi di membra umane e li installa in modo da farli sembrare intrappolati nell'architettura, presentando il corpo come traccia, come vestigia di qualcosa che è stato. Questi lavori alludono al concetto di entropia e, sottolineando fino a che punto il materiale terreno è irreversibilmente disperso, provocano un offuscamento dei contorni fra il corpo e il paesaggio lasciando sospesa ogni possibile attribuzione di significato.Cobbing ha realizzato una serie di video in cui i personaggi, coperti di argilla bagnata e glutinosa, massaggiano la materia sulle loro teste o sono interamente incassati in essa. In questi lavori i contorni del corpo sono interrotti, suggerendo un'ambiguità abietta fra il corpo e il relativo ambiente circostante. Facendo riferimento alle idee espresse da Sartre sul “vischioso”, questi esseri d’argilla fondono le idee di fisico e psichico, con la materia ridotta ad una condizione ibrida fra liquido e solido. Allo stesso modo, l’azione di massaggiare l'argilla produce sensazioni contrastanti di sensualità e soffocamento.

Starting from a sculptural sensibility artworks by Cobbing (born London 1974, where he lives and works) encompass a diverse range of media, including video, installation and performance. People are often depicted as being fused with the surrounding architecture, as extensions of the plumbing, or buried under layers of clay or concrete, from which they absurdly struggle to extricate themselves. Cobbing makes life casts of human limbs, installing them to look like they are trapped in the architecture, presenting the body as a trace, a vestige of what it had once been. These works allude to the concept of entropy and, underlining the extent to which earthly material is irreversibly dispersed, they give rise to a definitive blurring of the boundaries between the body and the landscape and put any possibility of meaning on hold.
Cobbing has made a series of videos in which people are covered in glutinous wet clay, massaging the material on their heads, or being entirely encased in it. In these works the discrete boundaries of the body are disrupted, suggesting an abject ambiguity between the body and its immediate environment. Referencing Sartre’s ideas of ‘slime’ (le visqueux), these clay beings fuse ideas of the physical and psychic, with the material being caught in a hybrid state between liquid and solid. Similarly, massaging the clay produces opposing sensations of sensuousness and suffocation.

William Cobbing
'The Agony of Water'
2011
Single channel video
03:44 mins
with sound

FAIRS

2011-11-14T18:16:00.003+01:00

Feb 9-12 2012 / Art Rotterdam /

Furini Arte Contemporanea presents Marlon de Azambuja's solo show.

Marlon de Azambuja / Nuevos Barrios

2011-11-14T18:05:00.005+01:00

a cura di Antonio Arévalo

18 novembre 2011 – 14 gennaio 2012
opening 18 novembre 2011 ore 18,30

(English version below)

In Nuevos Barrios di Marlon de Azambuja (1978, Santo Antônio da Patrulha - Brasile, vive e lavora a Madrid) lo spettatore incontra due nuovi gruppi di lavoro che l’artista brasiliano ha prodotto specificatamente per la mostra da Furini Arte Contemporanea. Mantenendo invariato il suo originale linguaggio espressivo, disegni e sculture costituiscono un’articolata meditazione su elementi sociali attraverso elaborazioni visive ed estetiche di concetti condivisi, modificando e alterando dettagli per evidenziarne punti deboli, limiti, vie di fuga e nuove prospettive. Nel complesso la mostra è una riflessione sullo scenario del nostro tempo, oltre ad alludere a questioni sul potere, sull’architettura e sull’uso di certi strumenti per la costruzione dell’identità.
La scultura dal titolo National Question consiste in due bandiere, una dell’Italia e una dell’Unione Europea, intrappolate nella loro posizione da un blocco di cemento. L’incapacità di queste bandiere di distendersi completamente e sventolare e il confronto fra il Paese e la sua Comunità, sollevano questioni sul difficile momento in cui viviamo, il nazionalismo, la crisi e la difficoltà di esercitare la sovranità senza chiudere le porte ai paesi vicini. La seconda parte della mostra è un gruppo di disegni inchiostro su carta in cui l’artista ha usato sagome architettoniche per trasformarle in serie di edifici, ricordandoci le costruzioni dei quartieri, specialmente quelli dei regimi autoritari.

In Nuevos Barrios by Marlon de Azambuja (1978, Santo Antônio da Patrulha - Brazil, lives and works in Madrid) the viewer encounters two new groups of works that the Brazilian artist made especially for this exhibition at Furini Arte Contemporanea. Keeping unvaried his original expressive language, drawings and sculptures set up an articulated meditation on social elements throught visual and aesthetic elaborations of common concepts, modifying and altering details to highlight weack spots, limits, ways of escape and new possibilities. The show as a whole is a reflection on the setting of our time, besides discussing questions surrounding power, architecture, and the use of certain tools for the construction of identity. The sculpture titled National Question consists of two flags, one of Italy and one of the European Union, trapped in their hoisted position by cement blocks. The inability of these flags to be completely lifted and the confrontation between the country and the community, raises questions about the difficult time in which we live, nationalism, crises, and the difficulty of exercising sovereignty without closing the door on neighboring countries.The second part of the exhibition is a group of ink on paper drawings, in which the artist used architectural templates to transform them into a series of buildings, reminding us of the constructions of neighborhoods, especially those in authoritarian regimes.

Bio Fra le mostre personali: 2011 Grand Façade at Max Estrella Gallery in Madrid, Spain; Street Press at Marilia Razuk Gallery in Sao Paulo, Brazil; Construction of the Icon, at the CAAM (Atlantic Center of Modern Art) in Las Palmas de Gran Canaria, Spain; 2010 Levels, at Casal Solleric in Palma de Mallorca, Spain; 2009 Movimento Concreto, at Furini Arte Contemporanea in Rome, Italy; Modern Project, at Luisa Strina Gallery in Sao Paulo, Brazil; Sculptural Potential, at Matadero in Madrid, Spain. Fra le mostre collettive: 2011 11th Cuenca Biennale in Cuenca, Ecuador; 8th Mercosul Biennale in Porto Alegre, Brazil; The Draughtsman’s Contract at Studio Sandra Recio in Geneva, Switzerland; 2010 12th Cairo Biennale; Kierkegaard's Walk at Marilia Razuk Gallery in Sao Paulo, Brazil; Synergies, at the MEIAC & MACUF in Badojoz and A Coruña, Spain, respectively; Un-Inhabitable, at the Spanish Cultural Center in Lima, Peru; 2008 Building, Dwelling, Thinking - Strategies for Contemporary Art & Architecture at the IVAM in Valencia, Spain; 2006 I Bienal del Fuego in Caracas, Venezuela.

link

00186 Roma - Via Giulia 8
tel. +39 06 68307443
orari: merc/ven 13-19; sab 15,30-19,30
info@furiniartecontemporanea.it
furiniartecontemporanea.it

ANDREA BIANCONI | MIND OVER MIND views of the show

2011-11-14T17:52:00.012+01:00

ANDREA BIANCONI | MIND OVER MIND

2011-09-08T10:04:00.004+02:00

FURINI ARTE CONTEMPORANEA

Andrea Bianconi | Mind Over Mind
22 settembre - 5 novembre 2011
Furini Arte Contemporanea - Roma
opening 22 settembre 2011 ore 18,30

sabato 24 settembre ore 17, in occasione di Roma Art 2Nights, verrà presentato Andrea Bianconi. Living (A Charmed Life)" con la presentazione di Luigi Meneghelli

Mind Over Mind, inchiostro su carta, 88 x 64 cm, 2011

(please, scroll down for English version)

In Mind Over Mind l'intimismo del lavoro di Andrea Bianconi (Arzignano - 1974, vive e lavora fra New York e Vicenza), sfugge all'arrovello psichico autoreferenziale per divenire un osservatorio sulle dinamiche dell'introspezione in rapporto all'osservazione dell'altro.

Il nero è l'elemento di raccordo tra i lavori esposti, che comprendono disegni a inchiostro su carta e installazioni in legno e metallo verniciati: esso nasconde ciò che non conosciamo, mentre le inquietudini si aprono toccando un ambiguo senso di appartenenza ed estraneità.

Sia le installazioni che i disegni rompono la loro unità formale: tutto si dirama nello spazio come un segno e si parla di “sculture disegnate” e “disegni scritti”, superando agilmente le differenze fra linguaggi.

Traps for Clouds cade dal soffitto come un groviglio di linee metalliche, tentando di racchiudere ciò che non può essere racchiuso, come in Multiplicity of One, dove gli elementi si sviluppano come cerchi concentrici alludendo a frammentazioni e confini instabili.

Le installazioni sono prima di tutto costruzioni mentali che ci riportano ai contrasti umani, alle certezze in cui ci si rifugia, ai pregiudizi in cui ci si nasconde, ma anche al superamento di sé verso l'altro. I disegni, Hand e Home, innescano una continuità dove la parola richiama l'altra parola e l'immagine si apre all'altra immagine, incatenando sequenze di pensieri sul foglio.

È impossibile stabilire se tutto ciò avvenga nel segno dell'esplosione o dell'implosione, della protezione o della prigionia (come in Face): tutte le possibilità sono aperte in un processo dall'andamento ciclico, in un insieme di itinerari connessi dove i vari soggetti sono immersi come in un corpo unico, come in Hands Over Mind, Trip Over Mind e Air Over Mind.

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Avoiding a self-referential racking of the brain, in Mind Over Mind the intimism of Andrea Bianconi’s work is an observatory of the dynamics of introspection in relation to the observation of the other.

Black is the element linking the works on display, which include drawings in pen and ink on paper and installations in painted wood and metal: it conceals what we do not know, while anxieties open up, touching an ambiguous sense of belonging and extraneousness.

Both the installations and the drawings break down their formal unity. It would be better to speak of ‘drawn sculptures’ and ‘written drawings’, i.e. of the necessity for a nimble passage between languages that overcome their differences.

Traps for Clouds hangs from the ceiling like a tangle of metallic lines, attempting to enclose what cannot be enclosed, placing itself farther along towards an exact opposite that expands constantly, as in Multiplicity of One, where the elements spread out like concentric circles, alluding to fragmentations and unstable boundaries.

The installations are first of all mental constructions that call our attention back to human conflicts, to the certainties in which we take refuge, to the prejudices behind which we hide, but also to the way it is possible to go beyond the self and move towards the other, caught in the process of multiplication. The drawings, Hand and Home, trigger a continuity where one word calls to mind the other word and one image opens up to the other image, chaining sequences of thoughts to the sheet.

It is impossible to establish whether everything takes place in the name of explosion or implosion, of protection or imprisonment (as in Face): all possibilities are open in a process that is cyclic, in a set of connected routes where the various subjects appear to be immersed in a single body, as in Hands Over Mind, Trip Over Mind and Air Over Mind.

BIO Fra le mostre personali: 2011 Living (A Charmed Life), Ambasciata d’Italia a Washington D.C.; The Chinese Umbrella Hat Project (PartII), Piazza San Marco, durante la 54 Biennale di Venezia. 2010 The Chinese Umbrella Hat Project (PartI), performance a Wujiang Rd West NanJing Rd, Shanghai; A Charmed Life, Barbara Davis Gallery, Houston TX; You Always Go Down Alone, Vernon Projekt, Prague 2009 Sapere non Sapere, Casa Gallo – Palazzo Brusarosco Zaccaria, Vicenza 2007 Pony Express – Barbara Davis Gallery, Houston TX 2005 Bodyguard, Furini Arte Contemporanea, Arezzo. Fra le mostre collettive: 2011 Cool Stories For When The Planet Gets Hot III, Swiss Architecture Museum (S AM), Basel, CH; AL-GHAIB, Aesthetics of the Disappearance, Maraya Art Center, Sharjah, Emirati Uniti; The Spring Exhibition, Kunsthal Charlottenborg, Copenhagen. 2010 Uno sguardo senza peso, Palazzo Piazzoni-Parravicini, Vittorio Veneto, TV, Italia; Elevated, Rottet Studio, Los Angeles; Cluster, Barbara Davis Gallery, Houston, TX. 2009 Istant Book – Italian Artists New York, ISCP, Brooklyn, NY; Sound of A charmed Life (performance) Tina B – The Prague Contemporary Art Festival, Prague; Giorni Felici, Casa Testori, Novate Milanese (MI), Italia. 2008 Fresh Baked, Barbara Davis Gallery, Houston, TX.

Andrea Bianconi | Mind Over Mind

22 settembre – 5 novembre 2011

opening: 22 settembre ore 18,30

Furini Arte Contemporanea

Roma - Via Giulia, 8

Orari: da mercoledì a venerdì, ore 13-19; sabato, ore 15-19

info: t. +39 06 68307443, info@furiniartecontemporanea.it

www.furiniartecontemporanea.it

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RomaArt2Nights

23-25 settembre 2011

www.art2nightsroma.org

Furini Arte Contemporanea
Via Giulia 8, 00186 Roma
ph. +39 06 68307443
mail: info@furiniartecontemporanea.it
website: www.furiniartecontemporanea.it

Robert Barta FLY HIGH!, 2011

2011-07-05T19:08:00.003+02:00

Robert Barta, NEVER MISS A FLIGHT, 2011, installation view at Grimmuseum, Berlin

Robert Barta, NEVER MISS A FLIGHT, 2011,

Robert Barta, NEVER MISS A FLIGHT, 2011,

"The project FLY HIGH! is based on a form of making a two dimensional piece on paper without actually making it directly.

The fact that during a travel with my car from point A to point B the sheet of paper which is mounted on the wooden construction is covered slowly by FLIES.

After each trip I will write down the date, time needed, average speed, distance driven and average temperature of the day.

As soon as I arrive, the paper will be disattached from the wood and made ready for the next trip. I am also planing to extend the project worldwide where I will be driving (upon request) a certain distance in Brasil for example or in Canada. The construction will be aluminum made and mounted on the car that I will rent in that country for the sake of making an art piece.

After I arrive at a destination I am so excited to unveal the "present“ so I jump out of my car as it would be Christmas Eve and want to see the result of the driven hours on a highway.

Each paper is Fabriano T.W.Tistico 300g/m and 28 x 38 cm, and it is custom framed into a walnut color frame."

Robert Barta

running until July 17th 2011 TIM ELLIS SONS OF PIONEERS

2011-05-28T09:11:00.006+02:00

ANDREA BIANCONI

2011-04-27T11:43:00.003+02:00

ANDREA BIANCONI, testi di Renato Miracco, David Galloway, Andrea Bianconi, Oliver Orest Tschirky, Luigi Meneghelli / pag. 104 /ed. Charta

TIM ELLIS | Sons of Pioneers a cura di Rita Selvaggio

2011-04-27T11:32:00.004+02:00

(PLEASE, SCROLL DOWN FOR ENGLISH VERSION)

Interrogarsi sulle possibilità inespresse del manufatto, alterarne la destinazione originaria con l’intenzione di ripensarne il valore e la funzione, mettendo in evidenza il processo che porta un oggetto trovato ad appropriarsi di un differente valore culturale.
La pratica di Tim Ellis si basa sulla giustapposizione di materiali e oggetti culturalmente diversi tra loro e ne interpella sia il loro valore formale che la loro finalità originale, forzando lo sguardo ad interrogarsi su questioni relative alle nozioni di funzionalità, autorialità e display. Attraverso relazioni mentali e alterazioni impercettibili, il giovane artista inglese dichiara una forma di impegno relativa alla nozione di artefatto e a quella di artificio, al principio di creatività e di serialità.

Il titolo della mostra si riferisce all’idea dell’essere minacciati dal peso della storia, mentre il percorso espositivo si svolge come se fosse una proposta per l’inizio di una nuova ideologia. Sia la scultura che la pittura - modelli, trofei e testimoni di qualcosa di più grande - focalizzano la loro tensione su quella congiuntura in bilico perenne tra il fatto e l’oggetto storico, tra la sua fabbricazione e la sua diffusione, suggerendo riflessioni sul ruolo dell’artificio all’interno del processo di produzione di senso.

La pittura in quest’occasione usa il medesimo identico emblema, una sorta di monumento iconico o costruzione totemica che varia cromaticamente a seconda delle stagioni e delle ore del giorno e così facendo si oppone all’inevitabile corrosione del tempo. Questi lavori continuano la serie pittorica numerata progressivamente e raccolta sotto il titolo di “United in Different Guises”. Proponendo una doppia funzione, sia di ruolo rappresentativo che comunicativo, all’origine di questo immaginario c’è una volontaria fusione di segnaletica e di design, una strategia visiva che viene poi ricomposta e codificata sotto un’apparenza più genericamente simbolica. Attraverso espedienti tecnici quali la piegatura del supporto, la graffiatura e il progressivo e graduale invecchiamento della superficie e del colore, la pittura stessa si trasforma in un avvicendamento di enunciati funzionali. Ciò che viene concesso allo sguardo è alla fine un oggetto che mette in discussione le nozioni di simbolismo e autenticità permettendo che l’immagine finale vada oltre i confini della pittura stessa.

Wondering about the unexpressed possibilities of the artefact, altering the purpose to which it was originally put with the intention of reassessing its value and function, bringing out the process that leads a found object to take on a different cultural value.
Tim Ellis’s practice is based on the juxtaposition of culturally different materials and objects and probes both their formal value and their original purpose, obliging the viewer to raise questions about notions of functionality, authorship and display. Through mental relations and the imperceptible alteration of forms, the young English artist declares a sort of relative commitment to the concept of artefact and that of artifice, to the principle of creativity and seriality.

The title of the exhibition refers to the idea of being threatened by the weight of history, while it is laid out as if it were a proposal for the beginning of a new ideology. Both sculpture and painting - models, trophies and testimonies to something bigger - focus their tension on that juncture in perennial balance between the fact and the historical object, between its manufacture and its distribution, suggesting reflections on the role of artifice within the process of production of meaning.

On this occasion the paintings use exactly the same emblem, a sort of iconic monument or totemic construction whose colour varies with the season and the time of day, and in this way opposes the inevitable ravages of time. These works continue the series of progressively numbered paintings grouped under the title United in Different Guises. Proposing as they do a dual function, with a role of representation as well as communication, at the root of their imagery lies an intentional fusion of signs and design, a visual strategy that is then recomposed and codified under a more generically symbolic appearance. Through technical devices such as the bending of the support, the scratching and the progressive and gradual aging of the surface and the colour, the painting itself is transformed into a succession of functional propositions. What is offered to the gaze is in the end an object that brings into question the notions of symbolism and authenticity, allowing the final image to go beyond the confines of painting itself.

Biografia – Tim Ellis (Chester, 1981) vive e lavora a Londra. Si è formato presso la Royal Academy Schools (Londra, 2006-09) e presso la Liverpool School of art (Liverpool, 2000-03). Mostre personali: 2011, The Tourist, Spacex, Exeter, Inghilterra; 2010, A Foundation For Exchange, Primopiano, Lugano, Svizzera. Fra le mostre collettive: 2010, Newspeak, British Art Now, Saatchi Gallery, Londra; 2009, New Sensation, The Rochelle School, Londra; 2008, Premiums, The Royal Academy, Londra; 2006, Half cut for Confidence, Indipendence, Liverpool Biennal; 2005, The Jerwood Drawning Prize, The Jerwood Space, Londra.Il suo lavoro è inserito nella collettiva Secret Societies prossimamente presso la Schirn Kunsthalle di Francoforte (23 giugno-25 settembre 2011) e successivamente al CAPC di Bordeaux.

Tim Ellis | Sons of Pioneers
4 maggio – 16 luglio 2011
Opening: 4 maggio, alle ore 18,30
Furini Arte Contemporanea, Via Giulia 8, Roma
Orari: da mercoledì a venerdì, ore 13-19; sabato, ore 15-19
Info: +39 06 68307443, info@furiniartecontemporanea.it
website: www.furiniartecontemporanea.it

William Cobbing at Barbican - More Soup and Tart

2011-03-17T10:17:00.000+01:00

Barbican - More Soup and Tart

FuriniArteContemporanea | Newsletter | FEB 2011

2011-02-25T08:24:00.008+01:00

ANDREA BIANCONI

Kunsthal Charlottenborg - Copenhagen

The Spring Exhibition 2011

March 5 - April 25 2011
preview March 3, 8-11pm

Kunsthal Charlottenborg
Nyhavn 2, 1051 Kobenhavn K
T. +45 33 36 90 50
www.kunsthalcharlottenborg.dk

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ANDREA BIANCONI

MARAYA ART CENTRE - Sharjah, UAE

AL-GHAIB: Aesthetics of the D I S A P P E A R A R A N C E
curated by Serena Gaia Simionati

March 15-June 1, 2011
Double opening: March 14 and March 18, 2011

With a 120 page, trilingual catalogue Arabic, Italian and English
will be published by Silvana Editoriale.

Maraya Art Centre - Al Quasba
Al Taawun Road, Sharjah, United Arab Emirates
http://www.qaq.ae/art-gallery.aspx

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WILLIAM COBBING

Herzliya Museum of Contemporary Art

Body Gestures

February 12 - May 28, 2011

Herzliya Museum of Contemporary art, 4 Ha'banim St., Herzliya 46379

Tuesday, Thursday 16:00-20:00
Monday, Wednesday, Friday, Saturday 10:00-14:00
Sunday - closed
Entrance fee 10 NIS
Guided tours and creative workshops by special appointment:
Sun.-Thurs. 9:00-13:00
Tel.: +972-9-9500762
info@herzliyamuseum.co.il
www.herzliyamuseum.co.il
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Review:
WILLIAM COBBING in ARTFORUM
by Marco Tagliafierro
January 2011 issue
p. 238-9

read the review

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MARLON DE AZAMBUJA

The Draughtsman’s Contract

Sandra Recio - Geneve (Swiss)

opening March 3 2011

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GABRIEL HARTLEY

Running at FuriniArteContemporanea - Roma

Crimping

curated by Rita Selvaggio

February 12 - April 23, 2011

Furini Arte Contemporanea
Roma - Via Giulia 8, T. +39 06 68307443
info@furiniartecontemporanea.it - www.furiniartecontemporanea.it

Opera di Marlon de Azambuja censurata ad Art First 2011

2011-02-18T09:06:00.000+01:00

http://www.exibart.com/notizia.asp?IDNotizia=34375&IDCategoria=204

http://www.globartmag.com/2011/01/29/opera-censurata-arte-fiera-bologna/

2011-02-16T19:43:00.001+01:00

Gabriel Hartley / Crimping / curated by Rita Selvaggio / Feb 12 - Apr 23 2011

William Cobbing | ARTFORUM | Jan 2011 by Marco Tagliafierro

2011-02-11T09:35:00.005+01:00

GABRIEL HARTLEY | CRIMPING (works)

2011-02-10T09:00:00.026+01:00

GABRIEL HARTLEY

RECLINER

2010

Plaster, paint, paper

110 x 49 x 56 cm. (43.3 x 19.3 x 22 in.)

(photo Andy Keith)

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GABRIEL HARTLEY

#12 NASH

2010

Plaster, fibre glass, paper, tennis ball

39 x 38 x 53 cm. (15.4 x 15 x 20.9 in.)

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

# 125 TRIP

2010

Wood veneer, paint, resin

39 x 30 x 47 cm. (15.4 x 11.8 x 18.5 in.)

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

WAKE

2010

Oil and spray paint on canvas

40.5 x 50.5 cm.

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

SWEEP

2010

Oil and spray paint on canvas

40.5 x 50.5 cm.

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

SOUP

2010

Oil and spray paint on canvas

91.5 x 101.5 cm. (36 x 40 in.)

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

RUNE

2010

Spraypaint on canvas

76 x 61 cm.

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

REAM

2010

Oil and spray paint on canvas

41 x 30.5 cm.

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

PLEAT

2010

Oil and spraypaint on canvas

76 x 61 cm.

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

LAPEL

2010

Oil and spray paint on canvas

76 x 61 cm.

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

KEY

2010

Oil and spray paint on canvas

41 x 33 cm.

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

COIL

2010

Oil and spray paint on canvas

60.5 x 50 cm.

(photo Daniel Hewitt)
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GABRIEL HARTLEY

CAGE

2010

Oil and spraypaint on canvas

76 x 61 cm.

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

BRUME

2010

Oil and spray paint on canvas

41 x 33 cm.

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

BRAND

2010

Oil and spray paint on canvas

36 x 26 cm.

(photo Daniel Hewitt)
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GABRIEL HARTLEY

AVENUE

2009

Oil and spraypaint on canvas

26 x 36 cm.

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

UNTITLED, 2010

Oil and spray on canvas

76 x 61 cm.

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

UNTITLED, 2010

Oil and spray on canvas

76 x 61 cm

(photo Daniel Hewitt)
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GABRIEL HARTLEY

KERF, 2010

Oil and spray on canvas

25,5 x 30,5 cm

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GABRIEL HARTLEY

TABLET, 2010

Oil and spray on canvas

35,5 x 46 cm

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GABRIEL HARTLEY

TALUS, 2010

Oil and spray on canvas

42 x 56,5 cm

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GABRIEL HARTLEY

TIRE, 2010

Oil and spray on canvas

42 x 56,5 cm

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GABRIEL HARTLEY

CHIP

2010

Oil and spray on canvas

25,5 x 20,5 cm

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GABRIEL HARTLEY | CRIMPING FEB 12-23 APR 2011 curated by Rita Selvaggio
Furini Arte contemporanea - Roma
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GABRIEL HARTLEY | CRIMPING curated by Rita Selvaggio

2011-01-21T07:52:00.009+01:00

All’origine della scultura c’è un foglio spiegazzato che si muove verso qualcos’altro, fino ad assumere un’altra forma nello spazio. All’origine della pittura c’è invece una materia mossa dalla maestria della mano, un tracciare segni, un moltiplicarsi di strati che rendono visibile il percorso articolato del fare.

Per la sua prima personale in Italia - negli spazi della galleria Furini Arte Contemporanea - Gabriel Hartley (Londra, 1981) propone un percorso che si svolge tra pittura e scultura, mettendo in relazione l’esperienza manuale di un pensiero spontaneo con un vocabolario pittorico che, tra astrazione e figurazione, riporta alla mente artisti come Boccioni, Fautrier, Kirchner o Paul Nash…

Crimping si riferisce all’atto del piegare e suggerisce l’idea di pensieri che si avvolgono su se stessi ma anche un’abilità, un modo di pensare che dialoga con la tradizione e la cultura. I dipinti, quindi, nascono da segni tracciati liberamente che si accorpano tra loro, fino a formare grumi di materia colorata disposti sulla superficie attorno a dei centri di tensione visiva, oppure alludono ad un’espansione oltre il perimetro della tela.

Sia scultura che pittura hanno origine da una concezione aniconica dell’arte. Le figure del mondo e gli oggetti si sono smarriti sottraendosi alla rappresentazione e lasciano nello spazio o sulla superficie pittorica tracce libere dell’indeterminato.

Biografia - Gabriel Hartley (Londra, 1981) si è diplomato al Chelsea College of Art and Design (2005) e alla Royal Academy Schools (2008) a Londra, dove vive e lavora. Mostre personali: Gabriel Hartley, Foxy Production, New York, 2010; Liste 15, Basilea, 2010; Gabriel Hartley, Swallow Street, Londra, 2009. Fra le mostre collettive: Newspeak, Saatchi Gallery, Londra, 2010; Abstract Abstract, Foxy production, New York, 2009; Jerwood Contemporary Painting Prize, Jerwood Space, Londra, 2009; Studio Voltaire Presents, Boltelang, Zurigo, 2009; Royal Academy Schools Summer Show, Royal Academy, Londra, 2008; Bloomberg New Contemporaries, Liverpool, Manchester, Walsall, Londra (2007-2008); Touch, Chelsea Future Space, Londra, 2007.

At the origin of sculpture lies a crumpled sheet of paper that moves towards something else, until it assumes another form in space. At the root of painting, on the other hand, there is a pigment moved by the skill of the hand, a tracing of signs, a multiplication of layers that make visible the complex route of action.

For his first solo exhibition in Italy – in the spaces of the Galleria Furini Arte Contemporanea – Gabriel Hartley (London, 1981) is proposing a journey that takes us between painting and sculpture, connecting the manual experience of a spontaneous thought with a pictorial vocabulary that, between abstraction and figuration, brings to mind artists like Boccioni, Fautrier, Kirchner or Paul Nash...

Crimping refers to the act of folding and suggests the idea of thoughts that wind around themselves, but also an ability, a way of thinking that holds a dialogue with tradition and culture. Thus the paintings are born from freely traced signs that amalgamate, forming clots of coloured material arranged on the surface around centres of visual tension, or alluding to an expansion beyond the edge of the canvas.

Both sculpture and painting arise from a conception of art where the figures of the world and its objects are lost, evading representation, and leave free traces of the indeterminate in space or on the painted surface.

Biography - Gabriel Hartley (London, 1981) lives and works in London. He holds a BA (Hons) in Fine Art from Chelsea College of Art and Design, London (2005), and a Post Graduate Diploma in Fine Art from the Royal Academy Schools, London (2008). Solo exhibition: Gabriel Hartley, Foxy Production, New York, 2010; Liste 15, Basel, 2010; Gabriel Hartley, Swallow Street, London, 2009. Selected group exhibitions: Newspeak, Saatchi Gallery, London, 2010; Abstract Abstract, Foxy production, New York, 2009; Jerwood Contemporary Painting Prize, Jerwood Space, London, 2009; Studio Voltaire Presents, Boltelang, Zurich, 2009; Royal Academy Schools Summer Show, Royal Academy, London, 2008; Bloomberg New Contemporaries, Liverpool, Manchester, Walsall, London (2007-2008); Touch, Chelsea Future Space, London, 2007.

Gabriel Hartley | Crimping

12 febbraio - 23 aprile 2011

opening: 12 febbraio, dalle 12.00 alle 19.00

Furini Arte Contemporanea, Via Giulia 8, Roma

orari: da mercoledì a venerdì, ore: 13.00 - 19.00;

sabato, ore: 15.00 - 19.00

info: +39 06 68307443, info@furiniartecontemporanea.it

website: www.furiniartecontemporanea.it

FuriniArteContemporanea on FLICKR

2011-01-16T11:58:00.002+01:00

http://www.flickr.com/photos/furiniartecontemporanea/

MARCELO CIDADE/pensieri preparatori per Roads Not Taken

2010-12-04T18:02:00.012+01:00

Il primo aspetto di Roads not taken riguarda una dicotomia. Un contrasto che nasce dall’impatto creato in me da una città storica come Roma. Una capitale che vive del proprio passato per mantenere la storia come attrazione turistica (la città museo), connivendo con lo sviluppo urbano di ogni giorno e le sue trasformazioni.

Questa caratteristica di Roma si manifesta in un modo assolutamente distintivo e unico rispetto a San Paolo. Mentre la capitale italiana sembra aver bisogno di rimanere quasi congelata nel tempo, con tutti i suoi continui bisogni di ristruttutazione e i suoi apparati, San Paolo è in costante cambiamento. Secondo me le due città sono rovine del contrasto.

Per questo motivo, acquista un senso continuare a chiedersi dove risieda il moderno e dove il Modernismo in qualità di situazioni temporali e spaziali distinte. Dimensioni che caratterizzano entrambe le due diverse capitali. Il movimento modernista brasiliano si è manifestato più tardi rispetto all’omologo europeo e, senza dubbio, in maniera assolutamente differente rispetto a quello italiano.

Così ho concluso e concentrato il mio progetto basandolo sulla vulnerabilità urbana che ho sentito e registrato a Roma. Mettendo così in relazione i siti in costruzione di San Paolo. Da questo avvicinamento è sorta una domanda spontanea: l’architettura di Roma sono rovine della storia, sedimenti moderni o edifici in uno stato di entropia?

Il mio progetto, concepito appositamente per la galleria Furini, è un tentativo di decostruire la sicurezza, la perfezione e l’agio del cubo bianco (degli spazi espositivi) per mostrare l’instabilità urbana che ho visto camminando per le vie di Roma.

Per la prima sala della galleria ho pensato di costruire due colonne posticce fatte di legno e poi dipinte di bianco. I due elementi architettonici, installati parallelamente, comportano l’idea che uno sia elemento portante mentre l’altro abbia come base una carriola utilizzata per trasportare il cemento. Questa installazione è direttamente connessa a due altri lavori che ho fatto recentemente: l’uno dal titolo “Abuso de Poder” (trappola per topi fatta con marmo bianco di Carrara) e “Modelo de Superfície” (una fotografia in bianco e nero attualmente non esposta in galleria a Roma).

Il quarto lavoro che sto presentando è “Dominio Público”. Il progetto mette simbolicamente in scena l’area urbana di Roma in un solo disegno, composto sul muro come se fosse un tirassegno, molto comune nei bar attorno alla galleria. Tre freccette sono state fissate al muro come se il momento e il gesto del gioco fosse già avvenuto.

Concettualmente, la combinazione di questi lavori rinforza l’idea di Lina Bo Bardi. Infatti, in sintonia con l’architetto romano, vissuta a San Paolo negli anni Cinquanta, il gesto urbano può essere riconosciuto come pieno di invenzioni umane che, con il tempo, diventano traccia di altri luoghi: un ponte, un passaggio e infine una casa. Questo processo di appropriazione è costituito dalle idee. Modi di pensare che, introdotti nel mondo, fanno emergere nozioni, concetti d’ordine.

Il mio intervento si situa nel riconoscimento di un sito in costruzione come luogo di cambiamento costante, di sperimentazione e libertà. Uno spazio che è in continua trasformazione e che subisce i mutamenti, mettendo a confronto tanto gli aspetti della società romana, preservatrice delle proprie rovine, quanto gli stilemi di San Paolo, città che non salvaguarda nulla se non il proprio continuo cambiamento.

Marcelo Cidade

MARCELO CIDADE | ROADS NOT TAKEN dal 4 dicembre 2010 al 5 febbraio 2011 @ Furini Arte Contemporanea a cura di Atto Belloli Ardessi e Ginevra Bria

2010-11-19T18:35:00.016+01:00

Marcelo Cidade, con la  progettazione di Roads not taken, decide di sorvegliare Roma, descrivendone il suo statuto di diversità. Con questa personale, l'artista evita ogni perdita d'esperienza e tocca l'esterno del mondo, passando attraverso il suo primo ambito di intervento: la città. Ne consegue un deciso confronto con la negazione, l'intuizione, e la diversione tra disponibilità e giuste distanze. Negli spazi di Nicola Furini Cidade si riappropria allegoricamente di volumi architettonici e di archeologie a cielo aperto, definendo sui supporti utilizzati un percorso al contrario, una sorta di lettura percettiva che ammette solo l'emergere di un limite non consentito. Il suo senso scultoreo per lo spazio arriva così a grattareinsistentemente l'origine strutturale di qualsiasi fondamenta, trasformando la non partecipazione della natura in un'opportunità per circoscrivere nuovo spazio.
L'artista Brasiliano, alla sua prima personale italiana, da quasi un decennio registra e affina lo stato dell'arte di confine, insistendo sull'utilizzo di pratiche eversive e informali che regnano nei domini e sui confini del regno urbano.
Cidade celebra l'intervento artistico spontaneo contribuendo, al tempo stesso, al continuo e immersivo cambiamento della città; universo che, secondo lui, attiva e contagia ogni forma d'arte contemporanea. L'abbondanza di pratiche anti-autoritarie e l'utilizzo di elementi rilevatori di un mondo esterno, rendono installazioni, interventi e operazioni artistiche delle perfettestrade non prese. Percorribili roads not taken che non si allontanano mai eccessivamente da una certa aura di illegalità e da un'estetica del vandalismo di origini strutturali; percorsi entrambi profondamente ancorati ad un'identità di matrice concretista dalla quale Cidade attinge con autorevolezza.
Cidade, a Roma, lavora su applicazioni, geometrie, codici e dissimulazioni della capitale, lasciando emergere tracce di un cambiamento d'approccio nelle pratiche dell'arte contemporanea. I suoi lavori riflettono decise impressioni poetiche, marchiate nella storia e nella conformazione della città. Nulla all'interno della sua prassi costruttiva è mera decorazione: Cidade è un dissimulatore ribelle, per elezione. Egli sperimenta la sensazione di territori estranei utilizzandoli, per reazione, come un foglio bianco, come una superficie sottesa. Un sotto-testo che descrive una complessa reteconcettuale fatta di effetti, azioni e riproduzioni pronti, all'occorrenza, ad invadere la culla del traffico. I sistemi di sorveglianza, i meccanismi di difesa, le tattiche di controllo e gli ostacoli dei confini, nei lavori di Cidade riportano l'occhio di chi guarda, su quella strada non presa che spesso è traccia critica di una natura aliena dell'arte. Segnalazione liminare di conquista.
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Marcelo Cidade exhibiting Roads not taken means to watch over Rome, describing its urban diversity statute.
Through this solo show, the artist avoids every loss of experience because he rather directly touch the external world, im-mediatly crossing his first intervention field: the city. It follows that becomes necessary a comparison with denial, intuition and digression between the availability of things and the perfect distance from products. Thanks to this project Cidade allegorically takes possession of architectures and open-air volumes, settling a path in reverse, a sort of perceptive reading which only allows a forbidden limit to emerge. His sculptural sense for space comes up to insistently scrape structural origins of every theoretical foundation, transforming the non-presence of Nature in an opportunity to circunscribe new portions of space.
The Brazilian artist, at his first solo show in Italy, has been recording and honing, for almost a decade, the state of the street art, using informal and subversive practices between the realms of Modernism and urban domain. 
Cidade celebrates the artistic spontaneous intervention, while contributing, at the same time, to the continuous and immersive transformation of the city - a universe that, according to Cidade's visions, activates and contaminates every contemporary art form. The abundance of anti-authoritarian rituals and the application of signals, properly created to define an exterior world, make installations, interventions and artistic operations dedicated and realistic roads not taken. Not-chosen, but not forsaken, ways where never drifting away from their specific illegal aura and a structural aesthetic of vandalism. Both of this dimensions are deeply anchored to a Modernist sense for space and to its identità, a legacy which Cidade draws upon powerfully.
In Rome, Cidade will work on geometries, codes and dissimulations within the Italian capital, letting changing tracks emerge as a new approach for the actual contemporary art scenarios. His artworks will reflect poetic impressions, marked into city's history and nature. Nothing inside his constructive performance practice is just representation or simple decoration: Cidade is a foremost rebel dissimulator. He measures the sensation of foreign territories just using them, as a kind of reaction, as a white sheet, as a surface subjected to the whole physical reality. A subtext which describes a complex conceptual network composed by effects, actions and reproductions, all ready -at the first need- to overrun the cradle of traffic. Surveillance devices, control mechanisms, defensive tactics and border obstacles, distributed into the Cidade's artwork, bring the gaze upon a peculiar road not taken which often is a critic trace of a distant nature, abroad from the theater of art.

Arte Fiera Bologna 2011

2010-11-14T09:44:00.005+01:00

Furini Arte Contemporanea

presents

Robert Barta, Marcelo Cidade, William Cobbing, Marlon de Azambuja

ROBERT BARTA|Why ants can't dance|October 8 – November 27, 2010

2010-10-13T15:16:00.011+02:00

8 Ottobre – 27 Novembre 2010

“My stories are drawn thoughts of mine that get expanded and finally blow up like a star, when accepted by the spectator.” (Robert Barta)

Furini Arte Contemporanea inaugura la nuova stagione 2010-2011 con il solo-show di Robert Barta (Praga -1975, vive e lavora a Berlino), un progetto in cui la riflessione sulla forma dirige verso l’analisi di argomenti complessi, attraverso una dimensione narrativa basata principalmente sull’idea e l’invenzione.

Si tratta di un lavoro concettuale in cui la sinergia fra le parti produce risultati diversi da quelli prodotti dalle parti singole. Per Robert Barta l’idea è più importante dell’oggetto in sé, perché questa si insinua e prende forma nella sua mente, fino a produrre effetti in chi la recepisce una volta realizzata.

In mostra da Furini Arte Contemporanea un cactus fa inaspettatamente l’hula hoop con grande naturalezza e una candela sta accesa per ore e giorni, ma il tempo sembra non passare perché questa non si consuma mai, lasciando lo spettatore incredulo e confuso. L’obiettivo è di coinvolgere e sollecitare lo spettatore a farsi domande su ciò che conosciamo e diamo per scontato, sottolineando la differenza fra l’aspettativa e la percezione reale delle cose. Per questo ciò che è apparentemente ovvio e facilmente percettibile si trasforma in qualcosa di irritante, inaspettato e assurdo, producendo dell’osservatore un senso di disorientamento tale da mettere in discussione la certezza einsinuare il dubbio.

Tutta la produzione di Robert Barta ha origine nel disegno. La fase progettuale è un punto di partenza per la realizzazione pratica degli oggetti che, immaginati e perfezionati sono infine resi concreti, talvolta in notevoli dimensioni e facendo uso di meccanismi. Barta stesso si sente architetto delle idee e le sue opere sono frutto di costruzioni mentali, calcoli, prove empiriche, forzature estreme ai limiti del realizzabile, dove il possibile e l’ovvio decadono d’improvviso per lasciare spazio all’assurdo e allo stupefacente.

Robert Barta, Why ants can’t dance

opening 8 ottobre 2010 ore 18,30

8 ottobre – 27 novembre 2010

Furini Arte Contemporanea, Roma - Via Giulia 8

orari: da mercoledì a venerdi 13-19, sabato 15-19

info: +39 06 68307443, info@furiniartecontemporanea.it

website: www.furiniartecontemporanea.it

Bio Robert Barta,1975 Praga (CZ), vive e lavora a Berlino. Formazione: 1998 - 2005 Academy of fine arts Munich, 2002 - 2003 MFA San Francisco Art Institute, (USA)

Principali mostre personali: 2010 Robert Barta - Why Ants can‘t dance,Furini Arte Contemporanea, ROME (I), Reality looks back on me. (curated by Marion Thielebein) Museum Pfalzgalerie KAISERSLAUTERN,2007 Deutsche Bundesbank, German Federal Bank, FRANKFURT – catalogue

Principali mostre collettive: 2010 CECI N‘EST PAS UN CASINO II (curated by Kevin Muhlen and Jo Kox) Museum Villa Merkel, ESSLINGEN, CECI N‘EST PAS UN CASINO (curated by Kevin Muhlen and Jo Kox) Casino LUXEMBOURG, 2009 Rohkunstbau XVI, (curated by Mark Gisbourne), Schloss Marquardt, BERLIN-Marquardt, Romantische Maschinen, (curated by Marc Wellmann) Georg-Kolbe Museum, BERLIN, 2008 Phoenix vs Babel, (curated by Patrice Joly, Colette Barbier) Fondation Ricard, PARIS (F), 2007 Gross domestic product, (curated by Kristof Kintera) City Gallery GHMP, PRAGUE (CZ), Art for fun, (curated by Javier Arlandis) Casal Solleric Center for contemporary art, PALMA de MALLORCA (E) - catalogue, 2006 Galerie Rüdiger Schöttle (with R.Chisholm, J.J.Ziolkowski, D.Ozbolt, M. Lukosaitis,) MUNICH

GB VERSION

"My stories are drawn thoughts of mine that get expanded and finally blow up like a star, when accepted by the spectator.” (Robert Barta)

Furini Arte Contemporanea opens the new art season 2010-2011 with the Robert Barta (Prague 1975, lives and works in Berlin) solo-show, a project where the reflection over the form runs to the analysis of complex arguments, through a narrative dimension based principally on the idea and the invention.

It deals with conceptual work , where the synergy of the parts produces different results from those produced by the single parts. According with Robert Barta the idea is more important than the object, because it creeps into his mind, up to produce effects in those who perceive it once realized.

At Furini Arte Contemporanea’s gallery a cactus plays hula-hoop with much naturalness and a candle stays on hours and days, but time seems to not pass because it never consumes, leaving the overviewer incredulous and confused. The aim is to involve and to incite the observer to wonder about things we feel obvious, underlining the difference between the expectation and the real perception of them. Because that what is apparently obvious and easily perceptible goes to be something irritating, unexpected and absurd, producing in the viewer a sense of disorientation so to question the certainty and to insinuate the doubt.

All the Robert Barta’s production has the origin in the drawing. The planning stage is a point of departure for the practical realization of the objects that, imagined and perfected, are at last made concrete, sometime in very big size and using mechanisms. Barta feels his works the fruit of mental constructions, calculations, empirical tests, extreme forcing on the edge of the realizable, where the possible and the obvious suddenly decay to leave the space to the absurd and stupefying.

Robert Barta
Why Ants Can’t Dance
opening October 8, 6.30 pm
Furini Arte Contemporanea, Roma - Via Giulia 8
Wednesday-Friday 1-7pm, Saturday 3-7pm
info: +39 06 68307443, info@furiniartecontemporanea.it
website: www.furiniartecontemporanea.it

Notes

2010-08-18T13:51:00.002+02:00

‎"My stories are drawn thoughts of mine that get expanded and finally blow up like a star, when accepted by the spectator", Robert Barta

Robert Barta "INKONSTRUKTION V. Art Biesenthal"

2010-07-09T19:53:00.002+02:00

Robert Barta "INKONSTRUKTION V. Art Biesenthal"
from July 10th to August 1st at Biesenthal
Biesenthal (Germany) - Wehrmühlenweg 8

Maurizio Anzeri at AltaRoma AltaModa

2010-07-09T19:49:00.003+02:00

Maurizio Anzeri "Limited / Unlimited. ALTAROMA: The New Italian Landmark" group show AltaRoma AltaModa - Roman fashion week July 10-14, 2010, La Pelanda - Macro Future Rome (Italy)- Piazza Orazio Giustiniani 4

SUMMER TIME

2010-07-09T19:46:00.003+02:00

From July to September FuriniArteContemporanea will be closed on Saturday.

Link

2010-06-06T16:53:00.004+02:00

http://www.exibart.com/notizia.asp?IDNotizia=31846&IDCategoria=1

Marlon de Azambuja on the outside of Volta 6

2010-06-06T15:51:00.009+02:00

The Brazilian artist Marlon de Azambuja, who often uses tape or wrappings, will intervene on hall's exterior and the surrounding area that will literally uncover new forms underneath the everyday reality of the industrial area.

Robert Barta, MOVE IT!

2010-05-14T16:37:00.001+02:00

http://www.robertbarta.de/video/movie_it_shortcut.mov

2010-05-14T14:33:00.007+02:00

VOLTA 6 | BASEL'S CUTTING EDGE ART FAIR OF NEW AND EMERGING ART

DRESPITZHALLE|DREISPITZ AREA|GATE 13|HELSINKI STRASSE 5|MUNCHENSTEIN|BASEL

WEDNESDAY 16TH JUNE - SUNDAY 20TH JUNE 2010

FURINI ARTE CONTEMPORANEA PRESENTS

MAURIZIO ANZERI

ROBERT BARTA

MARLON DE AZAMBUJA

OUTDOOR PROJECT MARLON DE AZAMBUJA

"Uomini-Statua-Oggetto" view

2010-04-25T18:13:00.001+02:00

Conceptinprogress "Sweeping around a Column", 2010

2010-04-25T18:06:00.002+02:00

Premiata Officina Trevana 2010

curated by Maurizio Coccia and Matilde Martinetti

May 8 June 27

Centro per l’Arte Contemporanea Palazzo Lucarini, Trevi.

(drawing on the floor)

Robert Barta in Step in Switch Over (Dusseldorf)

2010-04-25T17:50:00.001+02:00

Robert Barta in "Ceci n‘est pas un Casino"

2010-04-25T17:27:00.001+02:00

Press Release

Ceci n‘est pas un Casino

Pierre Ardouvin, Robert Barta, Patrick Bérubé, Marc Bijl, Hermine Bourgadier, Antoinette J. Citizen, Courtney Coombs, Jacob Dahlgren, Paul Kirps, Walter Langelaar, Annika Larsson, Ian Monk, Laurent Perbos, Letizia Romanini, Stéphane Thidet, Olaf Val 

1 May  – 5 September 2010 / Opening on Friday 30 April 2010 from 7 p.m. to midnight

When referring to Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain, perhaps no phrase has been uttered more often than, “This is not a casino!” After all, the name of the centre can fool almost anyone into mistaking the purpose of the building.
The current exhibition sets the tone by adopting this title, further adding to the confusion by exhibiting works that, in fact, evoke the idea of gaming!  Indeed, each piece in the show appears to be an invitation to play—whether video console, merry-go-round, playing field, or other games. And yet the reality remains unchanged—no gaming goes on here.
The exhibition therefore reproduces the frustration experienced by visitors who come here thinking they will find games of chance. This theme could have easily resulted in yet another show on the relationship between art and playfulness. But what is underscored here is the double twist and frustration associated with gaming. Art and game-playing—which have
often been compared in recent art criticism—are in fact similar practices: both call for (indeed, embody) a free spirit on one hand, and a precise set of rules on the other hand. Both tend to set up binary oppositions that give rise to meanings, sym- bols and related emotions—like a goal that has either been scored or not scored, once and for all, a status that inherently generates intense, wide-ranging reactions from everyone involved (players, referees, spectators, commentators, TV viewers). This relationship between binary status and analogue reaction is specific to games yet is mirrored in the artistic techniques employed in these works.
A participatory element is also present in this show. The beholder becomes a player, spontaneously drawn into the exhibition with all its subversions and frustrations—visitors may even feel they’re being toyed with. Sixteen artists present their own approaches, chosen according to the rules of this non-casino. Several artists produced site-specific works specially for this show.
Taking ambiguity to its logical limit, the 15th anniversary of the Casino Luxembourg’s transformation into an exhibition venue is, and isn’t, the inspiration behind Ceci n‘est pas un Casino. There is nothing retrospective about this show, and the only historical allusion is the thematic reference. However, the retrospective notion is openly expressed in the catalogue,
which, in addition to an introduction by curators Kevin Muhlen and Jo Kox, features essays on the Casino and its various functions down through history by Marc Jeck, Paul Reiles, and Didier Damiani, not to mention a discussion of playfulness and gaming by a psychiatrist, Dr. Paul Rauchs, and a historical analysis of ludic approaches to art by art historian Bettina Steinbrügge. (ISBN 978-2-919893-83-1)

Curators: Kevin Muhlen, Jo Kox

The exhibition is realised with the support of Menuiserie Lex Weisgerber, Contern.
The project by Jacob Dahlgren is supported by Iaspis.
The project by Patrick Bérubé is realised in collaboration with the Délégation générale du Québec à Bruxelles.
The project by Paul Kirps is supported by Menuiserie Hilger, Manternach.

Andrea Bianconi at Barbara Davis Gallery, Houston (TX)

2010-04-16T09:40:00.008+02:00

Andrea Bianconi

A Charmed Life

April 9, 2010 – May 1, 2010

Artist Reception: Friday, April 9, 2010, 6:30 PM – 8:30 PM

Barbara Davis Gallery is pleased to announce the opening exhibition of international artist Andrea Bianconi: A Charmed Life, on Friday, April 9, 2010 from 6:30 PM – 8:30 PM. Fresh from his solo exhibition at Volta New York, Bianconi’s A Charmed Life is an exhibition of new installations, sculptures, and drawings with a performance by the artist at the opening

night reception beginning promptly at 7:30 PM.

The Italian native explores the dichotomy of the public-self and the private-self through new works that draw upon fantasy and folklore. His sculptures, installations, and drawings read as a dream-like journey that blurs the boundary between the conscious and subconscious and time

and space.

In his installation, A Charmed Life, various objects are fastened to hundreds of strings, woolen threads, and wires becoming a waterfall cascading from a single wall-mounted faucet. The delicate objects become divinatory charms that mark the memory of personal experience falling somewhere between materiality and spirituality. It is with this spirituality in mind that the installation becomes the focus of the artist’s performance. Shaman-like, the artist dips his hands into the stream of objects and through a series of sometimes graceful and sometimes forceful movements conducts the flow like an orchestra. Each time an object connects with each other the resulting sound is like the meeting of different realities.

About the artist:

Most recently, Andrea Bianconi had solo exhibitions at Volta New York, at Vernon Projekt in Prague, Casa Gallo, Palazzo Brusarosco Zaccaria in Vicenza, Italy, and at Kiton in New York. Born in Arzigano, Italy, Mr. Bianconi currently lives and works in New York and Milan.

Philip Wiegard | Uomini-statua-oggetto | views

2010-04-11T11:53:00.004+02:00

2010-04-10T16:50:00.009+02:00

http://www.furiniartecontemporanea.it/eng/news/exhibitions-2010/20100401215809.html

Philip Wiegard 'Uomini-statua-oggetto' coming soon at Furini Arte Contemporanea

2010-03-17T17:14:00.015+01:00

Uomini-statua-oggetto

April 10 – June 5, 2010
Opening April 10, 6.30 pm

In ‘Uomini-statua-oggetto’ (Men-statue-object) the German artist Philip Wiegard turns the gallery space at Furini Arte Contemporanea in Rome into an interior, a private and intimate setting in the style of the early twentieth century, where original period drapes and wallpapers, superimposed by painted panels that emulate them, alternate with baroque touches in the form of damask armchairs, and framed photographs lined up on the walls. In this way the artist restores life to lost times through references to classical myth, an exploration of perspective and de Chirico-style metaphysics. Recalling the idea of the old ateliers, Wiegard’s installation draws the viewer into a private environment, where personal taste and desires are revealed and at the same time concealed under the rich, ornamented surfaces of bourgeoise decor.

However, the whole context is subject to a mechanism, in some respects obsessive, whereby Wiegard delights in deconstructing and taking apart ordinary objects like tables, chairs, armchairs, cupboards and entire sets of old furniture in order to give them a new life. This new dimension is neither flat nor three-dimensional, but rather a re-construction of perspective with parts of objects used as lines that restore proportions, depth and size. Wiegard applies to sculpture the optical laws of perspective that are typical of painting, and so empties objects of their volumes, removes their original function and makes them hybrids - part object, part outline - to the extent that the viewer’s sense of perception is confused.

With the same purpose of deceiving the eye and disturbing the mind’s automatic mechanism, which attempts to reconstruct and complete images, Philip Wiegard presents us with a space where what is inside is outside, what seems near is far, and what appears to have depth is actually flat. Thus the people in the photographs on the walls, taken in large format with an antiquated camera, are also outside the image: the composition-statues, the wallpapers and drapes are in this way all part of the same exhibition room.

All this bewitches the eye and was inspired by Wiegard’s recent visit to the home-museum of Giorgio de Chirico in Rome’s Piazza di Spagna, where he photographed rooms that were full of ornament but empty of life and their intended use. Some of the master’s paintings, that we see on the walls of his former apartment were re-enacted in Wiegard’s photography. But by giving us this highly subjective view of de Chirico’s work and by showing the original paintings in the context of the painter’s private home, he succeeds to underline the ambivalent status of art between personal expression and public statement.

Throughout his carreer de Chirico struggled with the representation of the human figure, that was often substituted in his paintings by the famous “manichino”, a hybrid between human, statue and object. Wiegard’s exhibition explores the relations and interchanges between these ideas: the object as representation of personality, the photographic pose as an attempt at immortality and the human body as object of desire.
ITALIAN VERSION: In ‘Uomini-statua-oggetto’ l’artista tedesco Philip Wiegard mette in scena, nello spazio romano di Furini Arte Contemporanea, un interno, un’ambientazione intima e privata stile primi del Novecento, dove drappi di stoffe e carte da parati originali dell’epoca, a cui si sovrappogongono pannelli dipinti che le emulano, si alternano ad ammiccamenti barocchi di poltrone damascate e fotografie incorniciate allineate sulle pareti. L’artista, così, restituisce vita a tempi perduti, fra richiami al mito classico e alle ricerche prospettiche e metafisiche dechirichiane. Richiamando l’idea di antichi àteliers, l’installazione di Wiegard guida lo spettatore attraverso un interno privato, dove il gusto e i desideri personali si svelano e allo stesso tempo si celano sotto la ricca, ornamentale apparenza di un arredamento borghese.

Tutto il contesto creato è però soggetto al meccanismo, per certi aspetti ossessivo, per cui Wiegard si diletta a decostruire e scomporre oggetti comuni come tavoli, sedie, poltrone, armadi e intere composizioni di arredamento per lo più datato, per riportarli ad una nuova vita, una nuova estensione che non è piatta e non è tridimensione, ma appunto ri-costruzione prospettica mediante parti degli oggetti che vengono usate come linee per restituire proporzioni, profondità e misure. Wiegard utilizza in scultura le leggi ottiche della prospettiva tipiche della pittura, così svuota gli oggetti dei loro volumi, li priva della loro funzione originaria e li rende elementi ibridi, fra oggetto e figura, tali da generare il dubbio della percezione di chi li osserva.

Sempre con lo scopo di ingannare la visione, di deviare quel meccanismo automatico della mente umana che tende a ricostruire e completare, Philip Wiegard ci propone uno spazio in cui ciò che è dentro è fuori, ciò che sembra vicino è lontano, ciò che appare profondo in realtà è piatto. Così i soggetti che appaiono nelle fotografie appese alle pareti, scattate con un’antica fotocamera a grande formato, sono anche fuori dall’immagine: le composizioni-statue, le carte da parati e i drappi fanno parte così della stessa sede espositiva.

Si crea quindi un incanto della visione, per il quale Wiegard ha tratto spunto durante la recente visita alla casa-museo di Giorgio de Chirico in piazza di Spagna a Roma, dove ha scattato foto di ambientazioni piene di orpelli, ma vuote di vita e di ogni funzione d’uso. Alcuni fra i maggiori dipinti che si possono vedere in questo appartamento sono riportati alla vita da Wiegard attraverso la fotografia che, concedendoci una veduta estremamente personale del lavoro di de Chirico e mostrandoci i dipinti originali nel contesto dell’appartamento privato dell’artista, riesce a sottolineare lo stato ambivalente di arte fra l’espressione personale e quella pubblica.

Durante la sua carriera de Chirico lottò con la rappresentazione della figura umana, la quale era spesso sostituita nei suoi dipinti dai famosi “manichini”, un ibrido tra uomo, statua e oggetto. La mostra di Wiegard esplora le relazioni e gli interscambi fra queste idee: l’oggetto come rappresentazione della personalità, la posa fotografica come un tentativo d’immortalità e il corpo umano come oggetto di desiderio.

("Trovatore stanco", 2010, silver gelatin print, 20 x 25 cm)

The Art Newspaper TV about Volta NY 2010

2010-03-14T17:54:00.005+01:00

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http://www.theartnewspaper.tv/content.php?vid=934

Andrea Bianconi at Volta NY 2010 performing Is-Land in a video by Benoit Pailley

2010-03-14T17:25:00.003+01:00

video courtesy Benoit Pailley

[http://files.me.com/bpailley/432th4.mov]

Philip Wiegard in Domus, IN ABSENTIA written by Xavier Laboulbenne March issue, p. 78

2010-03-10T21:38:00.008+01:00

L’impressione è quella di trovarsi in un film di Fassbinder, con centinaia di personaggi barbuti, ma tutti diversi l’uno dall’altro che si muovono in un bar chiassoso chiamato Moebel Olfe, nel quartiere berlinese di Kreuzberg, zeppo di fumo, alcol e musica psichedelica. Sopra questa distesa di teste, un gruppo di poltrone (moebel) sembra essere pronto per accogliere corpi raggomitolati. In realtà rimangono inaccessibili. Sembrano sul punto di cadere addosso agli avventori del bar da un momento all’altro, pur essendo di fatto solidamente ancorate a una parete di cemento grezzo. Che si tratti di un’illusione ottica? Di uno stato psicoattivo? Niente di tutto questo: siamo di fronte a una scultura di Philip Wiegard.

Il lavoro di Wiegard si inserisce alla perfezione nel ritmo della scena artistica berlinese, che si può misurare attraverso lunghe pause di solitudine creativa, interrotte da intensi momenti di interazione sociale in spazi collettivi che ospitano eventi sempre produttivi e spesso accompagnati da suoni ed esperimenti psicotropi. Questi ‘reami’ discordanti tra loro eppure strettamente collegati l’uno all’altro mettono in atto uno scarto percettivo lucido e allucinato insieme. Le installazioni scultoree di Philip Wiegard riescono a cristallizzare questi momenti unici che riassumono la Zeitgeist della metropoli tedesca dell’inizio di questo secolo. Come suggeriva Gilles Deleuze, gli artisti creano ‘percetti’ – insiemi di percezioni e sensazioni che sopravvivono a chi li sperimenta – e così facendo conferiscono un’aura di eternità alle esperienze effimere, o perlomeno le inframezzano con una pausa.

Nato in una famiglia di accademici, Philip Wiegard si è formato alla Universität der Künste di Berlino, per poi completare gli studi all’Hunter College di New York. I suoi primi lavori riprendono spesso gli elementi ornamentali della tradizione popolare tedesca, sono intrisi di eredità Bauhaus e funzionalità collettivistica. Bambies, multipli di schiuma poliuretanica di un elemento decorativo a rilievo, non sfigurerebbe sulla trave di uno chalet bavarese, mentre in Kulissen mobili e spazio si fondono dando vita a una collisione architettonica per una serie di fotografie realizzate con una macchina fotografica costruita a mano dallo stesso artista. In Raum 84°, una parete doppia realizzata con cornici di finestre recuperate diventa un campo giochi perfettamente funzionante.

I riferimenti culturali di Wiegard si ampliano con il soggiorno di un anno a Parigi: la sua predilezione per le arti decorative assorbe il Grand Siècle attraverso una serie di distorsioni di oggetti settecenteschi. La sedia, motivo ricorrente nell’opera di Wiegard, è un elemento che gli consente di evocare la morfologia umana ma che serve anche da metafora della sua ssenza. Quindi Sèance, una composizione sospesa di tavoli e sedie imbottite, allude alla ricerca di una spiritualità alternativa alla vigilia di un evento secolare come la Rivoluzione francese, ma forse è anche l’elemento culminante della rivalutazione del materialismo capitalista.

In un’epoca in cui spesso l’arte viene fabbricata da aziende specializzate nella produzione dei ‘concetti’ di un crescente numero di artisti - prassi che porta verso l’omogeneizzazione formale – spicca ancora di più il grande talento artigianale di Philip Wiegard, la sua naturale maestria nel processo di sperimentazione e resa materiale. La sua recente collaborazione con gli stilisti londonesi Meadham Kirchhoff rappresenta sotto questo profilo solo una parziale eccezione, dato che le gigantesche nuvole da fumetto realizzate in gommapiuma dipinta per la presentazione della loro collezione primavera-estate sono state realizzate riproducendo modelli in creta manufatti dallo scultore tedesco.

Affondano le proprie radici nell’appartenenza a Berlino e alla sua condizione di città sempre più cosmopolita le continue citazioni eurocentriche che si trovano nel lavoro di Wiegard. Nelle opere in mostra il prossimo aprile a Roma, alla galleria Furini, si snetono moltissimo le “affinità elettive” di Wiegard con Giorgio De Chirico, non solo con l’artista ma anche con l’uomo e le sue contraddizioni. Affinità che si possono cogliere con una visita all’abitazione di piazza di Spagna dove il maestro surrealista visse fino alla sua morte, avvenuta nel 1978: una sintesi perfetta della sua particolare amalgama di spazio metafisico e decoro borghese.

Al pari del celebre artista greco immigrato in Italia, in questa mostra Philip Wiegard presenta un’arcadia popolata da figure ritratte in pose plastiche, un richiamo ai mondi utopici tanto anelati da Wilhelm von Gloeden, patriota tedesco di dubbia reputazione. La messinscena del barone nordico, ambientata in un mondo ideale precedente alla caduta, rivelava probabilmente tanto sul suo autore e sui suoi meccanismi del desiderio in una società puritana proto-industriale quanto lo faceva la nudità dei suoi modelli siciliani. Per dirla con Henry James: “Senza un contesto, un figura non è niente”. XAVIER LABOULBENNE

Volta NY, Furini Arte Contemporanea starring Andrea Bianconi in 'Is-Land'

2010-03-04T21:01:00.004+01:00

Volta NY, Furini Arte Contemporanea starring Andrea Bianconi in 'Is-Land'

2010-03-04T20:44:00.001+01:00

Nick Goss in "4 New Sensations", 2009

2010-03-01T11:04:00.005+01:00

Nick Goss was a finalist for the 2009 '4 New Sensations Prize' established by Channel 4 and the Saatchi Gallery. This film directed by James Morton-Haworth for Tenement Films and Channel 4.

[http://www.youtube.com/watch?v=5_Vn3gg0UXQ]

philip wiegard run way scenography project for Meadham Kirchhoff, Fall 2010

2010-02-28T18:36:00.016+01:00

photo courtesy Philip Wiegard London, Feb 2010

Maurizio Anzeri for Alexander McQueen, 2000

2010-02-28T17:45:00.002+01:00

Maurizio Anzeri for Alexander McQueen,

Lady Ugolino, 2000

Furini Arte Contemporanea takes part at Volta NY 4th - 7th March 2010

2010-02-26T09:14:00.004+01:00

Andrea Bianconi

Is-Land

Furini Arte Contemporanea

E 7

(performance: every day 1pm and 5pm)

The IS-LAND project by Andrea Bianconi - developed for VOLTA NY - is made up both of an installation bearing the same title and of a performance (A Charmed Life). It points quite clearly to the research path followed by the artist.

His work has developed as an unrelenting analysis of the relationship between uniqueness of the ego and multiple identities. Starting from autobiography, this analysis has moved up to speculative reflections on the human being in its individual and social components. Man is shown as a bundle of conflicting tensions that are mirrored by the overlapping of multifarious elements, materials and symbols - which in Bianconi's works are closely related to fantasy and folklore as well as to literary, artistic and historical reminiscences (Borges, Calvino, up to Luigi Ontani).

The resulting scenario is seemingly lightweight; in fact, it is psychologically complex - a sort of dream-like journey, projecting a tangible uneasiness halfway between conscious and subconscious in which inner conflicts go hand in hand with public representation and the boundaries between space and time are blurred to the point of utter isolation. The human being is accordingly seen as an island (ISLAND), or maybe the human being IS - LAND.

This can be inferred from the drawings and sculptures making up the installation, but also from the performance - where the artist dips his hands into the flow of the various extensions of human identity, corresponding to the many ropes that fall, cascade-like, from the tap on the wall. Divinatory charms are fastened to the ropes, but each of them also marks a memory of personal experiences - halfway between spirituality and materiality, its dualism being a feature of all human beings. These charms, which are only fastened to their ropes, are grouped ultimately to give rise to an objectified representation made up of entities that are both isolated and mutually related. The resulting fabric is inevitably different at each performance, which emphasizes the feeling of an out-of-control interaction and, therefore, of loneliness.

Born 1974

Lives New York

Recent group shows: Cluster, Barbara Davis Gallery, Houston, TX, USA 2009; Istant Book – Italian Artists New York, ISCP, Brooklyn, NY, USA 2009; Tina B – The Prague Contemporary Art Festival. Praga, Repubblica Ceca 2009; Arte Fiera (Furini Arte Contemporanea), Bologna, Italia 2008; L’immagine sottile – opere della collezione della Galleria Comunale d’Arte Contemporanea di Monfalcone a cura di Andrea Bruciati, GC.AC Monfalcone (GO), Italia 2008.

Recent solo shows: Barbara Davis Gallery, Houston, TX 2010; Vernon Projekt, Praga, Repubblica Ceca 2010; sapere non sapere a cura di Oliver Orest Tschirky, Casa Gallo, Palazzo Brusarosco Zaccaria, Vicenza, Italia 2009; Bond, Kiton, New York, NY, USA 2009; Pony Express a cura di Oliver Orest Tschirky, Barbara Davis Gallery, Houston, TX, USA 2007; Vanity, UBS, Lugano, Svizzera 2006; BODYGUARDS a cura di Marina Mojana, Furini Arte Contemporanea, Arezzo, Italia 2005.

Italian version

Reversals views and opening

2010-02-15T14:24:00.009+01:00

http://www.facebook.com/metmuseum?v=box_3#!/album.php?aid=199560&id=139812853437&ref=nf

William Cobbing | Reversals | 6 February – 23 March 2010 | Vernissage 6 February 6.30 p.m.

2010-02-03T17:45:00.016+01:00

On the occasion of his first solo show at Furini Arte Contemporanea, William Cobbing (born in 1974 in London, where he lives) presents his latest series of videos, photographs and sculpture.
The artist recently undertook two artist residencies, one at Turquoise Mountain Foundation in Kabul, Afghanistan, and the other one in Berwick-upon-Tweed, on the Scottish borders. On both occasions Cobbing produced works of art reflecting this immersion in these contrasting situations. Whereas the war in Afghanistan is a daily media occurrence, Berwick-upon-Tweed bears the fading scars of centuries of conflict between England and Scotland. The social, cultural and territorial environment is part of the artist’s thoughts whilst in these places, with Cobbing combining elements of local history with his ongoing art practice in the photographs taken in Afghanistan and in the sculpture and videos shot in Berwick.
The idea of reversal links these works and provides the central focus on the project: entropy and dissipation are recurring themes within the examined environmental contexts. His photographic “Bamiyan Mirror” series reflects the visual impact of the iconoclastic destruction of the Bamiyan Buddhas by the Taliban in 2001, on the territorial context and on a wider and stratified social and individual perception, also critically reviewed through the mass media portrayal of the war torn region. Through the use of a mirror, this work leads the viewer to a dimension of disorientation induced by a perception of “absent presence”. With this sculptural intervention in the landscape, a reference is made to Land Art and in particular the works of Robert Smithson. One also finds a feeling of entropic dispersal and a reminiscence of certain works by Smithson in videos such as “Moon walker 1 & 2”, which were shot by the artist appearing to erase his footprints while walking along the beach in Berwick.
Cobbing also makes reference to the scene in Andrei Tarkovsky’s film “Andrei Rublev” in which a bronze bell is cast for a cathedral during the Tatar invasion of medieval Russia, making a subtle link to the disused bell tower in Berwick which once warned locals of enemy invasion. With the obscured images of Bamiyan, Cobbing comments on the present day distortion and embellishment of images of war in the media, which the French philosopher Jean Baudrillard referrerd to as “War Porn.”
Exhibition text by Rita Selvaggio.

William Cobbing studied at Central Saint Martins College of Art & Design, London and then at De Ateliers in Amsterdam.
He has exhibited his work in different shows among which “A Secret History of Clay”, Tate Liverpool [2004], “Body-Con”, Arts Initiative Tokyo [2004], “A Room with a View”, Gemeente Museum, The Hague [2006], “William Cobbing”, Netwerk Centre for Contemporary Art, Belgium [2007], “Gradiva Project”, Freud Museum, Londra [2007-8], “Six of One, Camden Arts Centre”, London [2008], “Hasselt Triennial”, Belgium [2009]. He won a scholarship of the Arts Council England Helen Chadwick Fellowship in 2005/6 at Ruskin School and at the British School in Rome. In 2009 he obtained his residence at the Turquoise Mountain Foundation of Kabul.

William Cobbing
February 6th - March 23rd 2010
Furini Arte Contemporanea
Rome - Via Giulia 8
Opening times:
From Wednesday to Friday 1.00 p.m. – 7.00 p.m.
Saturday 3.00 p.m. – 7.00 p.m.
info: +39 06 68307443 (gallery); +39 0575 299678 (office)
info@furiniartecontemporanea.it
www.furiniartecontemporanea.it

with the support of The British School at Rome.

Pictures of the Year: The Photographers' Choice (GB)

2010-01-22T14:38:00.009+01:00

Brett Rogers, Director, The Photographers’ Gallery: “Surely one of the most noteworthy discoveries of 2009 was the work of the Italian born (b1969) London-based artist Maurizio Anzeri who showed his beautiful but deeply disturbing stitched portraits at The Photographers’ Gallery at the same time as exhibiting his sculptures and objects at nearby Riflemaker in Soho. Using found photographs produced by high street photographers from the mid 20th century, Anzeri weaves his own newly constructed narratives onto these ‘canvases’ to explore ideas around persona.

Sometimes they look frighteningly surreal and transform an anondyne subject into a dark cipher- at other times the glorious colouring and benign embroidery elevate his subjects well beyond the realms of portraiture. One moment you imagine that the subject was a standard studio portrait but the minute Anzeri gets to work with his needle (yes, he does all the stitching himself), the image is transformed into a new object with its own enigmatic persona. It is no wonder he emerged from sculpture – leaving the Slade in 2005 having studied Sculpture both there and at Camberwell. What direction his work takes next is anyone’s guess – in the meantime, I hear many people are delivering sackfuls of redundant momochrome studio photos to his door to have them transformed!”

http://blogs.telegraph.co.uk/culture/lucydavies/100005959/pictures-of-the-year-the-photographers-choice/

ESCAPE ARTIST, Benoit Pailley looks at Andrea Bianconi for Double magazin (GB)

2010-01-22T11:46:00.013+01:00

Fall 2008, Issue 16, p. 10

Alice Bertay, Stylist

Patricia Regan, Hair/Make up

Marlon Daube, Assistan Stylist

Benoit Pailley presents this collaboration with Italian arist Andrea Bianconi and stylist Alice Bertay. With this assignment for Double, Pailley brought to life Bianconi’s art practice of sculpture, collage and painting. Bianconi invents costume accesories in the manner of his work that reveal his preoccupations (paranoia, fantasia and escapism) while Bertay styles his cast of characters. Like his sculptures, Bianconi, now the subject, is posed in a gallery environment of gray floor and white wall, while Pailley assumes the role of artist and manipulates his form/model into contortions that are surreal, humorous and bizarre.

Maurizio Anzeri, 'Un clandestino sullo schermo del volto/A Clandestine Presence on the Screen of the Face', Viana Conti (IT-GB)

2010-01-19T18:27:00.015+01:00

(scroll for English version)

Il primo piano del cinema tratta innanzitutto il volto come un paesaggio, definendosi così come buco nero e muro bianco, schermo e cinepresa. Ma già nelle altre arti come l’architettura, la pittura, perfino il romanzo, sono i primi piani che animano e inventano ogni correlazione. E tua madre è un paesaggio o un volto? Un volto o un’officina? (Godard). Non esiste un volto che non riavvolga un paesaggio sconosciuto, inesplorato, non esiste un paesaggio che non si animi di un volto amato o sognato, che non elabori un volto a venire o già passato…Il potere materno passa attraverso il volto durante l’allattamento; il potere passionale passa attraverso il volto dell’amato, anche nel palpeggiamento; Il potere politico passa attraverso il volto del capo, gli striscioni, le icone e le fotografie, pure nelle azioni di massa; Il potere del cinema passa attraverso il volto della star e il primo piano, il potere della televisione lo stesso. Il volto qui non agisce come individualità, è l’individuazione che deriva dalla necessità che ci sia un volto…Perfino le maschere assicurano l’appartenenza della testa al corpo, più che non ne rilevino un volto.
Gilles Deleuze_Félix Guattari, Mille Plateaux, Les Éditions de minuit, 1980, Parigi; pagine 212,215, 216
Presentando la prima in Italia della mostra personale Family Day, Maurizio Anzeri provocatoriamente rappresenta l’impresentabile del soggetto, della coppia, del gruppo familiare in un Paese che, con la manifestazione del 12 maggio 2007 a Roma, si è ufficialmente proposto l’obiettivo di rimettere il nucleo della famiglia tradizionale al centro della vita culturale, sociale, sessuale, economico-politica della nazione, richiamando così i simulacri del paternalismo nelle imprese e nella scuola, la moralizzazione nel risparmio, l’igienizzazione nella medicina, per restaurare quella che il sociologo Jacques Donzelot aveva, negli anni Settanta, denominato La Police des Familles. Passando dallo speculativo - il cui linguaggio dialettico sopprime l’alterità, assegna funzioni, attitudini, identità, relativamente allo stereotipo del sesso - allo speculare, ossia all’immaginario, secondo il pensiero di Klossowski, l’artista dà la parola all’indicibile, all’interiorità pulsionale, alla condizione di passaggio dal collettivo al connettivo, dal femminile e maschile al transgender, in una concatenazione di riflessioni sull’identità di se stesso, del suo doppio, dell’altro, dell’infinito dilatarsi dell’io. Come già altri esponenti internazionali dell’arte contemporanea, di entrambi i sessi, tra cui Alighiero e Boetti, Rosemarie Trockel, Francesco Vezzoli, Mona Hatoun, Rainer Ganahl, Ghada Amer, Maurizio Vetrugno, Alvaro Siza, Maria Lai, Ampelio Zappalorto, Maurizio Anzeri si esprime emblematicamente nell’installazione, nella fotografia, nel disegno, ricorrendo al cucito a macchina di matasse di capelli artificiali, e al ricamo, sistemi di segni, convenzionalmente e secondo modelli di assegnazione e di appartenenza eterodiretti, femminili. A questo proposito, tuttavia, è opportuno ricordare che il macramè, di cui fa uso questo artista non a caso ligure, viene importato in Italia nel tredicesimo secolo da marinai, che ne avevano imparato l’esecuzione dagli arabi e si diffonde in seguito soprattutto in Liguria, dove gli asciugamani vengono chiamati con questo nome. Un carattere della natura e del territorio d’origine dell’autore, ritorna nell’uso ricorrente dell’uncinetto, il cui punto base è ancor oggi quello ad anello, che riprende motivi decorativi a spiga, ventaglio, rosetta, carciofo, limone, margherita, grappolo, tramandati di generazione in generazione, rinvianti alla cultura mediterranea. In questa mostra l’artista interviene con intrecci di pulsioni, emozioni, ricordi personali su fotografie impersonali, ripescate nei mercatini delle pulci, nei bauli della nonna, negli scatoloni dimenticati in soffitta, nelle raccolte di immagini cimiteriali, con il cucito, il ricamo, il lavoro all’uncinetto, attività tradizionalmente femminili, non cessando di svelare identità velandone i molteplici volti, costruendovi sopra storie di fili colorati. Artista ligure, residente dall’adolescenza e dagli anni della formazione artistica a Londra, Maurizio Anzeri è diventato un ideatore di scenari espositivi bidimensionali e tridimensionali i cui protagonisti sono soggetti beckettianamente eclissati. Inarrivabile, lévistraussiano, tessitore di parentele, Anzeri ricostruisce figure d’affezione a partire da volti sconosciuti, da fantasmi dell’immaginario e della mente. Riportando in vita un’umanità sepolta dall’oblio, questo autore intesse un ponte di memorie tra la presenza e l’assenza, tra l’identità e l’alterità, persegue la centralità di un soggetto perennemente in fuga, inseguito da una macchina di cattura che lo coglie ora in progress ora in regress, in solitudine o in seno alla tribù, ora sui territori dell’homo faber ora su quelli remoti dell’anthropos. Disegnando una mappa geo-psico-fisica di un paesaggio del volto, l’artista dà convegno a una processione di soggetti richiamati dalla polvere dell’oblìo, da carte di identità perdute, per produrre un rispecchiamento, un gioco di riconoscimenti e smarrimenti, ricercando un’appartenenza indefinibile, perché sospinta in una continua condizione di transito.
Mentre nel patchwork, tessuto di gruppo dei nomadi, il centro non esiste, crescendo di ritaglio in ritaglio durante gli spostamenti, nel ricamo, lavorato nell’intimità domestica, come nel crochet, pur aperto in tutte le direzioni, per quanto complessi siano, si mantiene un motivo centrale.
La valenza metaforica del filo rosso, come segno di continuità spazio-temporale, diventa, nella sua opera, un ordito multicolore, che destruttura e ristruttura, ricucendole manualmente con ago, filo, uncinetto, identità cangianti e mutanti. Scrittore visionario di romanzi senza parole, ricostruttore, attraverso un concettuale ed emozionale gioco di sguardi, di familiarità e origini perdute nell’anonimato, Anzeri attiva un teatro della lontananza in cui, il singolo, la coppia, il gruppo familiare, in posa davanti al fotografo o nell’istantanea scattata nei momenti di vacanze e di svago, dialogano con lo spettatore in sala, si rianimano davanti al visitatore della mostra. Con questo artista i primi piani del volto, del busto, della figura intera, prendono le distanze dai megamanifesti urbani, dallo schermo cinematografico, dal monitor televisivo, dal display del telefonino, per ritornare alla foto in bianco e nero del Primo Novecento, all’album dei ricordi, alla parata di famiglia, che riunisce il parentado per festeggiare, tra fiori e cappellini, nuove amicizie, nuove coppie. Sequenze di volti di uomini in giacca e cravatta, di marinai e soldati in divisa, rivisitati, nel ricamo, da orbite a farfalla, baffi, barbe, ombre e luci che ne esaltano il fascino, si confrontano, in mostra, a sequenze di volti di donne, che si mostrano o si nascondono sotto fitti reticoli tonali di cotone da ricamo, cercando di scrutare, non viste, un possibile interlocutore. Di intensa connotazione antropologica, l’installazione su piedistalli metallici delle figure di famiglia, del padre e la madre: emblematici ed enigmatici agglomerati di capelli, dal volto materico, fisiognomicamente imploso.
Non cessando di pescare trame, di delineare reti più intensive che estensive, di affetti più che di effetti, Anzeri lavora sulla pretesa oggettività della fotografia, sul ritrarsi del volto nella ridefinizione del ritratto, per praticare la mise en abyme dell’identità, del rapporto relazionale, per far riaffiorare il clandestino che abita il soggetto.
Come il pittore del Seicento raffigura le Vanitas, simbolo della caducità, nelle sue Nature morte, così l’artista ligure, ricamando, ammanta di glamour, papillon, maschere seducenti, trasparenti o occlusive, raffinate o primitivamente tribali, corone, aureole, diademi, fiori, l’imprescindibile presenza del teschio, conferendo colore e calore al volto gelido e scolorito della morte.
Oscillando disinvoltamente e ironicamente dal delirio del carnevale al lutto del funerale, ai rituali della mitologia contemporanea, Maurizio Anzeri lavora a un’ininterrotta scrittura del labirinto sulle sabbie mobili dell’identità.

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“A cinema close-up treats the face first of all as a landscape, thus defining it as a black hole and a white wall, a screen and camera. But in other arts too, such as architecture, painting, even the novel, close-ups are what enliven and create every correlation. ‘So is your mother a landscape or a face? A face or a factory?’ (Godard). No face exists that does not incorporate an unknown, unexplored landscape; no landscape exists that is not enlivened by the face of someone dreamt of or loved, that does not produce a face from the future or the past... Maternal power is transmitted through the mother’s face during breast feeding; the power of passion is transmitted through the loved one’s face, even when caressing; political power is transmitted through the leader’s face, banners, icons and photographs – even through mass action; the power of cinema is transmitted through the face of the star and close-ups, and the same is true of the power of television. The function of the image here is not its individuality but the identification that arises from the need for a face... Even masks assure us that the head belongs to the body more than they replace the face.”
Gilles Deleuze and Félix Guattari, Mille Plateaux, Les Éditions de minuit, 1980, Paris; pages 212, 215, 216
Presenting the opening in Italy of his exhibition Family Day, Maurizio Anzeri provocatively depicts the unpresentable aspects of the individual, the couple and the family group in a country that, with the demonstration in Rome on 12th May 2007, officially proposed its aim of putting the traditional family nucleus back at the centre of the cultural, social, sexual and economico-political life of the nation, thus invoking the spectres of paternalism in firms and schools, of moralization in saving, and of sanitization in medicine, in order to restore what the sociologist Jacques Donzelot in the Seventies called the Police des Familles.
By moving from the speculative – whose dialectic language suppresses alterity and assigns functions, attitudes and identities in relation to gender stereotypes – to the specular, i.e., to the imaginary, Klossowski claims the artist gives voice to the inexpressible, to the inner drive, to the state of transition from the collective to the connective, from male and female to transgender, in a sequence of reflections on his own identity, his double, the ‘other’ and the infinite expansion of the ‘self’.
Like other male and female international exponents of contemporary art, such as Alighiero and Boetti, Rosemarie Trockel, Francesco Vezzoli, Mona Hatoun, Rainer Ganahl, Ghada Amer, Maurizio Vetrugno, Alvaro Siza, Maria Lai and Ampelio Zappalorto, Maurizio Anzeri expresses himself symbolically through installations, photography, and drawing, he also machine sews hanks of false hair and uses embroidery – sign systems that according to convention and assigned and other-directed models, are considered feminine. However, it should be remembered that the macramé used by this artist, who happens to be from Liguria, was brought to Italy in the thirteenth century by sailors who had learned it from the Arabs, and that the art spread particularly in Liguria, where macramé is a word used for towels.
A characteristic of the nature and place of origin of the artist reappears in the recurrent use of crochet, whose basic stitch is still the ring, incorporating decorative motifs such as the ear of corn, fan, rosette, artichoke, lemon, daisy and cluster, handed down from one generation to the next and a reference to Mediterranean culture.
For this exhibition, the artist has used sewing, embroidery and crochet work, traditionally female activities, to work a web of impulses, emotions and personal memories onto impersonal photos picked up in flea markets, out of grandmother’s trunks, from forgotten boxes in the attic or from collections of cemetery imagery, never ceasing to reveal identities by veiling the numerous faces, constructing over them stories in coloured threads.
A Ligurian artist and resident of London since adolescence and his years of artistic training, Maurizio Anzeri has become the creator and exhibitor of two and three-dimensional scenarios in which the main figures are individuals eclipsed in Beckett style. An unparalleled Lévi-Strauss-like weaver of relationships, Anzeri reconstructs figures of affection beginning from unknown faces, from ghosts of the mind and imagination. Bringing back to life a humanity buried in oblivion, this artist weaves a bridge of memories between presence and absence, between identity and alterity, searching for the centrality of an individual constantly in flight, pursued by a catch-machine that seizes it sometimes in progress sometimes in regress, in solitude or in the heart of the tribe, sometimes in the lands of Man the Maker, sometimes in those remote lands of humanity. Creating a geo-psycho-physical map of the landscape of the face, the artist assembles a procession of individuals called up from the dust of oblivion and from lost identity cards to produce a reflection, a game of identifications and losses, seeking an indefinable belonging, because driven in a continuous state of transit.
In patchwork, the group fabric of nomads, the centre does not exist, the work grows patch by patch in the course of continuous movement – whereas in embroidery, worked in the intimacy of the home, and also in crochet, despite being open in all directions a central motif is maintained no matter how complex the design.
The metaphorical significance of the main thread, a sign of the space-time continuity, becomes in Anzeri’s work a multi-coloured warp thread, which de-structures and restructures, manually restitching changing and mutating identities with needle, thread and crochet hook. A writer of wordless visionary novels and a reconstructor: through a conceptual and emotional game of glances, of familiarity and origins lost in anonymity, Anzeri sets in motion a theatre of remoteness in which the individual, the couple or the family group, posing in front of the photographer or snapped during holidays or leisure time, talk to the audience in the hall and return to life in front of the visitor to the exhibition.
In this artist’s work, close-ups of the face, torso or whole body distance themselves from giant urban posters, the movie screen, the television monitor or phone display to return to the black and white photo of the early 1900s, to the photo album, to the parade of family members, which among the flowers and hats brings the extended family together to celebrate new friendships and new couples. Sequences of faces of men in suits and ties, sailors and soldiers in uniform, reworked in embroidery, from eye sockets to bowties, moustaches, beards, or light and shadow that enhance their charm, are contrasted in the exhibition with sequences of women’s faces that show themselves or hide beneath networks of thick tonal webs of embroidery thread, trying, unseen, to scrutinize a likely interlocutor. The installation of family members on metal pedestals has intense anthropological connotations: the father and mother, symbolic and enigmatic clusters of hair with material faces, their features imploded.
Never ceasing to pick up threads and point out networks that are more intensive than extensive, more affection than effect, Anzeri works on the alleged objectivity of the photograph, on the representation of the face in a redefinition of the portrait, in order to carry out the mise en abyme (infinite duplication) of identity and relationships, to bring to the surface the clandestine presence that dwells in the individual.
Just as seventeenth century painters depicted the vanitas, the symbol of earthly transience, so the Ligurian artist uses his embroidery to cover in glamour and papillon, in seductive masks that are transparent or dense, refined or primitively tribal, in crowns, halos, diadems and flowers, the inevitable presence of the skull, conferring colour and warmth to the gelid and faded face of death.
Oscillating casually and ironically between the delirium of carnival, funereal mourning and the rituals of contemporary mythology, Maurizio Anzeri works at an uninterrupted writing of the labyrinth on the quicksands of identity.

William Cobbing | Reversals | 6 Feb - 23 Mar 2010 at Furini Arte Contemporanea

2010-01-15T19:34:00.001+01:00

Andrea Bianconi | interview | Teknemedia (IT)

2010-01-15T19:31:00.000+01:00

http://www.teknemedia.net/magazine_detail.html?mId=7512

Andrea Bianconi | interview | Espoarte (IT)

2010-01-15T10:38:00.001+01:00

http://www.espoarte.net/newsletter/14/mercoledi14_2.html

Gian Domenico Sozzi, 'Brevi note su spose, angeli, dolore, assenza' di Filippo Betto (IT)

2010-01-10T19:24:00.004+01:00

“Se la brina afferra la tua tenda / renderai grazie che la notte è consumata”

(E.Pound, “Cantos” 102).

Non so perché, pensando a Gian Domenico Sozzi e alle poche parole che volevo scrivere per lui, due versi di Pound hanno preso a vorticarmi precipitosamente nella zucca. Tant’è. Forse un tentativo di sfuggire l’impresa, nell’imbarazzo di inventarmi ora “critico” di una materia artistica dalla quale non mantengo il distacco necessario per poter “dire” completamente (“...ciò può venir solo mostrato, e non: detto, poiché qualunque cosa noi possiamo dire necessariamente avrà ancora la stessa struttura”, L. Wittgenstein).

Guardo a Gian Domenico Sozzi, davvero, come a una specie di angelo. Non credo siano questi il caso e la sede di informare su come la nostra frequentazione sia nata e cresciuta, e sotto quali ombre si sia nutrita e ristorata. Ma due nomi, forse, per dovere di onestà li devo fare, e quei nomi sono quelli di Luciano e Pier. Due nomi che hanno deciso i nostri percorsi come fasci di luce abbagliante impressionano la pellicola fotografica, definitivamente. Ma, si sa, la vita è ben strana alle volte, e anche la luce più intensa e brillante può dissolversi, interrompersi, svanire. Non resta allora che abituarsi all’oscurità o cercare il modo di mantenere virtualmente acceso il ricordo, la memoria di quei cosmici frammenti gioiosi, trattenerne almeno l’eco, la traccia del loro passaggio, impastare la realtà che continua ad ospitarci con l’alito di quella memoria. Gian Domenico Sozzi è - l’ho detto - un angelo, e la sua spada di fuoco è la sua arte, con quella spada può affrontare anche le minacce più temibili. Le fotografie raccolte in questo catalogo sono il segno tangibile della sua vittoria contro un nemico molto crudele, e quel nemico è l’Assenza. Chi conosce il lavoro che Gian Domenico Sozzi ha svolto negli anni troverà qui elementi di continuità e di spiazzante rottura. Continuità per il permanere di uno sguardo lieve, leggero, ingenuo quasi, nella scelta dei soggetti della rappresentazione; rottura prima di tutto per la tecnica adottata, quella della fotografia anziché del colore steso a mano, e ancora rottura nella acquisizione di una valenza solenne, cerimoniale, icastica e definitiva come si addice al più sacro e dolce dei riti, quello del matrimonio. Le fasi di quell’evento sono qui raccontate silenziosamente, accompagnate dall’obiettivo con un’attenzione che fa stupire noi testimoni per la sua commovente naturalezza. Ma è chiaro che si tratta di una naturalezza non solo primaria, originale come il famoso peccato, bensì conquistata con quella che immaginiamo essere stata un’elaborazione sofferta e necessaria, accettata infine come una croce leggera. Una naturalezza insomma che è frutto del congiungersi di innata sensibilità e paziente sottomissione agli eventi, fino alla conquista finale che la celebrazione enfatizza e le immagini documentano.

Spero, nel suggerire questa ipotesi di lettura delle fotografie, di non venire frainteso come interprete di una visione “trascendentale” o ideologicamente ortodossa rispetto ai dettami canonici, ad esempio, cattolici. Qui io non vedo tracce di teoremi secondo cui la transitorietà del dolore può essere superata dalla speranza di un futuro esterno e felice. Per il cristianesimo, infatti, che vive la terra come male e la morte come liberazione per il regno eterno, il dolore è solo di questo mondo e può essere dominato dalla fede del regno atteso. Due terre, dunque, una da sopportare, l’altra da fruire. A differenziarle è proprio la presenza e l’espulsione del dolore che quindi diventa il grande snodo dell’articolazione dei due mondi: uno denigrato per la presenza ineliminabile del dolore, l’altro atteso per la sua espulsione.

Piuttosto, mi piace pensare che nella serenità che queste immagini testimoniano si compia una specie di ideale olimpico. Se è vero che il dolore parla solo nei termini della cultura che lo interpreta, mi consola credere che Gian Domenico Sozzi adotti una lettura, magari involontaria, vicina per esempio a quella della Grecia antica (ma so che la Grecia è stata una patria di elezione sua e di Luciano) che, non sedotta da speranze ultraterrene, ha avuto il coraggio di guardare in faccia il dolore, affrontandolo.

Secondo questa regola, la natura segue il suo ciclo facendo nascere e morire tutte le cose, uomo compreso. La risposta da offrire non è la ribellione a questo destino ma l’adesione alla terra godendo del qui e dell’ora, valorizzando infine il presente e amandolo con tutto il suo dolore, nella convinzione che vita e dolore sono inscindibili e nulla può essere davvero vissuto al di fuori di questa inscindibilità. La visione tragica del mondo consente così di amare quel che resta della vita anche perché la soffre, di appassionarsi e quindi di gridare, di abbracciarla infine per la sua bellezza che non è disgiunta dal dolore. E perciò non enfatizza la possibilità di una vita senza dolore, così come non insinua l’idea che il dolore possa essere separato dalla vita.

Insomma, “l’angelo” Sozzi mi sembra qui offrire un segno compiuto del possibile convivere con l’Assenza, e insieme superarla: di questo mi ha parlato la sposa sola. La brina ha afferrato la sua tenda (il suo velo) e lui, Gian Domenico, ha ringraziato che la notte è consumata. E la brina non può più, oramai, paralizzare il suo gesto.

Filippo Betto

Furini Arte Contemporanea takes part at Volta NY 4th - 7th March 2010

2010-01-10T15:06:00.004+01:00

Previews: Thursday, March 4th, 2010
Guest of Honor: 11 a.m. - 12 p.m. (accessible by invitation from VOLTA or with The Armory Show VIP card)
VIP: 12 p.m. - 2 p.m.
Public Hours Daily: Thursday 2 p.m. - 8 p.m., Friday - Sunday, March 4th-7th, 2010, 11 a.m. - 7 p.m.
Location: 7 West 34th Street betw. 5th Ave. and 6th Ave.

Andrea Bianconi, 'Felice integrazione di razionalità ed emozioni' di Oliver Orest Tschirky (IT)

2010-01-09T12:57:00.016+01:00

Felice integrazione di razionalità ed emozioni

Vicenza 7/11/09

Con una sofisticata installazione il giovane emergente artista internazionale Andrea Bianconi celebra lo spazio che Carlo Scarpa ha dedicato alla Biblioteca Internazionale “la Vigna” di Vicenza.

Andrea Bianconi è stato invitato dalla Biblioteca Internazionale “La Vigna” e dalla Fondazione Vignato per l’Arte per realizzare una installazione nell’antica Casa Gallo nell’edificio della biblioteca. L’appartamento e il museo privato furono ristrutturati dal geniale e famoso architetto Carlo Scarpa negli anni Sessanta per il suo amico e avvocato Ettore Gallo.

Oggi, l’artista italiano Andrea Bianconi, che vive negli Stati Uniti da diversi anni, presenta una mostra concettuale all’interno di questo museo storico occupando le stanze, affollate di oggetti personali, disposte attorno al famoso e luminoso atrio centrale della casa.

Come dice Andrea Bianconi: ‘una libreria è un posto di conoscenza ma dimostra anche quanto non conosciamo. Perciò ha un significato esistenziale’.

Infatti questa opera vuole essere un omaggio all’esistenza e alle emozioni più profonde. Con le sue sculture iper-colorate e in stile barocco, i collage, i disegni e le foto, Andrea Bianconi crea una installazione specifica per questo sito espositivo. Sembra di essere in un viaggio a tutto tondo nel suo mondo fatto di riflessioni ed esperienze sui libri e le informazioni, la libertà della mente, e sua moglie Sonia, la persona più importante della sua vita: pile di libri rendono evidente la topografia della conoscenza, un buco nero abbassa le cognizioni, un tavolo parla dell’amore e un video ci fa ridere e ballare all’infinito.

Per dare adeguato sviluppo al concetto dell’evento, Andrea Bianconi ha invitato il curatore internazionale e critico d’arte Oliver Orest Tschirky. Insieme hanno dato vita ad un sistema per dare un'interpretazione artistica dei difficili temi della conoscenza, della consapevolezza e dell'adorazione, integrandoli assieme. E alla fine, poiché la conoscenza è razionalità e il sentimento è emozione, Bianconi compie il gesto impossibile di riunirli in un gesto di felicità.

Oliver Orest Tschirky

Forthcoming at Furini Arte Contemporanea

2010-01-09T12:32:00.005+01:00

William Cobbing, Reversals
6 Feb-23 March 2010

Philip Wiegard, Falten, 2007 @ Furini Arte Contemporanea (GB)

2010-01-05T10:56:00.004+01:00

'Falten' di Rita Selvaggio

In Philip Wiegard artistic practice, there are no static elements nor values.

Rather, the process of visualization of the artwork hovers between the act of vision and that of memory, between comprehension and knowledge, forever in balance between the idea of an object and that of a thing, halfway between the notion of grammar and that of criterion.

Pushing, crushing, contorting, folding, pressing, mutilating, reassembling, these are the gestures that sustain the work of the German artist, a practice which is at the same time subtle and brutal. With great dexterity and ability, he destabilises the relation between form and function and subsequently places it literally in perspective by mixing the scales of the real.

The reliefs and installations by Wiegard are often realised with mundane and ordinary materials of commonplace memory. The very titles Bicycle Basket, Yellow Chair, Spaghetti Junction, and Spaghetti with Cheesetrace with irreverent precision the contours of an absurdly familiar landscape and by doing this, they narrate fragments of ordinary lives.

There’s something absurdly real in the images of Philip Wiegard. The artist gathers his materials from construction sites or he simply finds them in buildings undergoing renovation, while, most recently, he started collecting them from flea markets. He then alters these objects dramatically giving them a new life.

Wiegard uses the dada strategy, free from any modernist ideology, to explore purely formal issues using such objects collected from real life. This is how old cinema seats, abandoned bar stools, discarded shop counters and old floorboards, find themselves having to comply to the process of being dismantled and disassembled, mutilated and deprivedof their “limbs” in order to be reassembled once again losing, at the same time, their original three-dimensional quality. This newly acquired optical illusion is effectively negated with each movement of the gaze. Therefore, it is not possible to relate what you see with a process of improvisation.

A good example of this is Séance where a group of chairs of Napoleonic memory are placed round a table draped with precious damask.

This set mimics the act of mise en scène, and at the same time, that of an epilogue. The chairs appear like mute actors that, with their silence, push the gaze beyond the limits of interpretation in order to focus impatiently on the visual effect of the work.

The title of the show, “Falten”, is a German word that carries a double meaning. As a verb, it indicates, literally, the act of “folding” and suggests that constant movement between exterior and interior implicit in this gesture, whereas, as a noun, it stands for a drape or the loose folds of a cloth. Both these metaphorical elements, the act and the thing in itself, underline the intricate itinerary of the show. The concept of a “fold” so dominant and fundamental during the Baroque era, reverberates beyond its historical parameters and, just like Deleuze said in “Le pli: Leibniz et le baroque”,it can equally be applied to the contemporary in its most recent form as Michaux’s “La vie dans le plis”, Boulez’s “Fold After Fold”, and Simon Hantaï’s very own artistic practice of folding, can testify. The fold is a “process” that influences in different degrees and with varying speeds and vectors everything that becomes expressive matter.

With a good dose of irony and humour, Wiegard applies to sculpture the optical rules of pictorial perspective within a scale of 1:1. His objects, deprived of their original volume, are removed at the same time from their function and their materiality and are permanently suspended between the state of being an object and that of becoming an image. As a matter of fact, they seem to vanish in the process of transition from a bi-dimensional space to a three-dimensional one and back again, and in this perpetual movement they forget, with confident and unflappable lightness, their mundane function. The only thing left for them is a disillusioned gaze, which remains constantly suspended between the observation of an image in perspective, and that of deformed pieces of furniture.

William Cobbing seen by Alex Mar (GB)

2010-01-04T12:53:00.000+01:00

Walking into William Cobbing's exhibition is like stepping into an active narrative momentarily at rest - like backstage at a theatre or on a film set. Photographs that incorporate found spaces, models and sculptural prosthetics are echoed in a group of three-dimensional works, charging the space with a sense of 'something happened here'.
There is a narrative link strongly reminiscent of the novels of J. G. Ballard - with a less technology-specific paranoia. Like Ballard, Cobbing believes our constructed environment and tools define us as much as we define them. But Cobbing takes a step in another direction, giving our environment and our machines a life separate from us: as if the functional spaces we have carved out for ourselves do not wish to be left empty. In the dead moments of the everyday they insinuate themselves.
On entering the gallery the viewer encountered a catalogue of prosthetic 'limbs': extending the gallery's water pipes down to the floor, joining two large figures like fantastical Siamese twins and linking a covered car with a tremendous tumorous shape of equal size. Sculptural prosthetics were also present in the photographs, connecting crashed cars from axle to engine or brake pedal to grill, joining a seated woman to an apartment wall, or linking two people in the front seat of a car. Cobbing's 'limbs' are limp, banal and elegant; their colours recall sensible cars, corporate offices, generic domestic spaces and dull flesh.
In one of the show's strongest images - from the 'Parting' series (all works 2002) - a woman, visible only from throat to knee, is seated in an Eames-style chair in a vague, cream-coloured domestic interior. Dressed in sensibly fashionable clothes in muted green and grey, she lifts her blouse ever so slightly to further reveal a slender, pale tubular form, which seamlessly connects her abdomen to the wall. The nature of the exchange is uncertain; the woman seems both at rest and carefully posed. It is an ambiguous but loaded image, slightly erotic and slightly sinister - and just a little bit Madonna and Child. The woman's limb is many things: at once a suggestive passageway, a lyrical formal gesture, a sci-fi mutation and a ghost story. The image is presented with a coolness that lends all the elements - the architecture, the prosthetic, the model and her costume - with equal weight. It is this coolness which echoes Ballard's seminal novel Crash (1973), in which the aftermaths of car collisions are re-imagined without the preceding violence, as if the woman driver had been born in this strangely still position, the curve of the steering wheel pressed deep into her thigh. Cobbing's work represents the blank, deprived spaces of modern life as sites of unnatural communion.
The show's centre stage was shared by two pieces that represent Cobbing's aesthetic spectrum: Chang and Eng and Drag. Chang and Eng is a formally striking, humourous and fresh take on figurative sculpture: a double-figure (named after the first Siamese twins) with inhumanly organic, connected upper bodies, and lower bodies dressed in matching grey trousers and polished belts and shoes. The skin of the joined torsos is of an exquisitely smooth and contoured painted plaster, with an almost Pop polish. Drag is also a striking double form: a car draped in a grey vinyl cover with a monstrous dark shape plugging a slender limb into its axle. But whereas Chang and Eng has a refined finish, Drag is one of the ugliest pieces I have seen in a while, its crude attachment clearly made of mounds of spray foam and its car cover alternately tight and puckered. Drag is a raw counterbalance to the clean execution of much of the rest of the show, highlighting the uneasy details of the other pieces, such as the horror-show effect of the hard flash on the models' skin, or the dirty edges of the car lot in which the 'Untitled (Crash)' series was shot.
The stylistic gap between these two pieces leaves open the question of which direction the work will now take. It is risky to be as explicit as Cobbing can be, treading a fine line between the enigmatic and the coolly illustrative, and the results are sometimes grotesque and often remarkable. One wonders whether things will get prettier or more horrible from here.

Benoit Pailley 'Swimming Blue' (GB)

2010-01-04T12:02:00.000+01:00

A common sight in our cityscape are the ubiquitous sheathes of tarp that protect the urban skeletons of new buildings — fragile and unformed.
In “Swimming Blue”, a series of 15 images, Pailley captures an allusive moment when the turbulent wind unhinges the tarp and suddenly this element that is meant to protect, is beholden to the mercurial choreography of mother nature.
This combative dance is set against a peaceful sky and we are caught between a constraining physical force and our ability to set ourselves free into a pool of blue — one that promises us that we can escape into our infinite dreams. These images are a poetic metaphor of how fragile life is and that those structures and ideas that are in place to protect us can be fleeting.

Born in 1978, Benoit Pailley lives and works in New York and Paris. He is photographer specializing in still life and installation photography.
Pailley erases the boundaries between art and fashion, between physical space and in print. Objects becomes “works of art” in environments that recreate gallery spaces. When conceptually appropriate, he builds installations that frame the ‘work’ in unique and stunning ways. His ability to manipulate the visual language and deftly confuse and cojoin the high and the low is both refreshing and engaging. In his stories, he infuses politics, poetry and humor.
His first solo exhibition, Passport, was presented at the Flux Foundation in Geneva in March 2008. He is a regular contributor to Sleek and Double magazines and won German’s Lead Award(Silver) in 2006 for best photographer in Still Life/Architecture category.

Studio visit: Andrea Bianconi di Amalia Piccinini (IT)

2010-01-04T10:40:00.010+01:00

Oggi ho lo studio visit con l’artista italiano Andrea Bianconi, trasferitosi a New York da un anno e mezzo. Arrivata al suo indirizzo di Williamsburg a Brooklyn, mi accorgo che il suo studio è in realtà la sua abitazione, o meglio l’abitazione di qualcun altro.

Mi spiega infatti: “Il mio studio è una parte importante del lavoro, cerco di cambiare spesso studio, questo per affrontare e convivere con l’inaspettato. Cerco sempre lo spazio in base alle esigenze di un’idea, ma voglio sempre la casa degli altri. Chiedo ai proprietari di lasciarmela con tutte le loro cose, con i libri, con i loro ricordi, con le loro chiavi…Quella di ade

sso è una casa col giardino. Non ho mai avuto un giardino, forse a causa del mio rapporto conflittuale con la natura, non mi piace la natura. La prima cosa che

ho fatto è stata riempire il giardino di sedie. Ora lo sto affrontando…

Mi piace mischiare i miei libri con i loro libri, le mie chiavi con le loro, i miei ricordi con i loro ricordi. Vivo di situazioni che gli altri hanno creato, fotografo e analizzo tutti gli oggetti, tutto di tutto”.
Durante questa spiegazione, Bianconi mi mostra il giardino e le numerose chiavi appese al muro, poi ci sediamo sul divano e continuiamo il nostro studio visit circondati da oggetti misteriosi: cappelli, modellini, pupazzi e libri dei padroni di casa. Alle pareti è appesa una serie di disegni in bianco e nero che hanno per tema le corde annodate.
Amalia Piccinini: Come mai la corda e il nodo?
Andrea Bianconi: Le corde annodate sono lavori legati all’esistenza, sono corpi in una situazione di costruzione e decostruzione. Ho trovato l’immagine della corda nel manuale di sopravvivenza dell’esercito americano. Mi interessa molto la sua forma intesa come mistero del corpo, in una rappresentazione concentrica di vita e morte. Ho disegnato usando più penne dello stesso tipo, ma con quantità diversa d’inchiostro. In alcune di esse l’inchiostro si stava scaricando, quasi come se le penne stessero morendo.
Lentamente nasce un lungo discorso sull’esistenza. Oltre ai disegni, Bianconi mi mostra alcune foto tratte da una sua recente performance, rimango particolarmente colpita da quella con la gabbia in testa.Con una pacatezza disarmante, mi spiega che ogni giorno, ogni momento, i suoi pensieri sono troppi, non li contiene. Allora ha pensato di tenerli imprigionati dentro una gabbia per non farli uscire.
AB: Al centro del mio lavoro c’è l’individuo, io personalmente ho voglia di scappare da me stesso, ora sono a New York, ma forse vorrei scappare in un altro posto, e poi in un altro posto ancora...
Oppure quando sono solo, scappo verso la gente, ma quando sono in mezzo alla gente non vorrei più essere lì.
A un certo punto pronuncia una frase molto interessante: “io mi paralizzo”.
Mi viene in mente Kafka, lui invece menziona Joyce.
AB: Nell’Ulisse di Joyce viene eliminata ogni barriera fra la percezione reale delle cose e la rielaborazione mentale. Mi interessa la paralisi morale e di conseguenza la fuga dopo che abbiamo compreso la nostra condizione. Dunque isolamento e illusione perché la fuga è destinata a fallire sempre. Non si può fuggire dalla realtà.
Sono affascinato da coloro che decidono di raggiungere la cima dell’Everest. Gli alpinisti fuggono per andare sulla vetta più alta del mondo, rischiano, fanno fatica, in alcuni casi perdono la vita.
Che senso ha raggiungere una realtà apparente?

Alla fine devono scendere e tornare indietro.La Fantasy Ridge è la via dell’Everest così chiamata dagli alpinisti perché impossibile da praticare fisicamente. È un’idea, si percorre solo con l’immaginazione.
AP: Davanti al mare come ti poni?
AB: Mi fa paura, per affrontarlo ci devono essere le barche, come per il giardino ci devono essere le sedie.
AP: Se non ci sono le barche non entri in acqua?
AB: No, non entro.

AP: Stai lavorando con la galleria Barbara Davis di Houston. Che idea ti sei fatto delle gallerie di New York?

AB: New York è una galleria, è uno stato d’animo. Le gallerie nella galleria sono contenuti di un contenitore e il contenitore di contenuti.
AP: Ma sull’Everest ci saliresti?
AB: No.
AP: Grazie per avermi invitata e complimenti per il tuo lavoro. In bocca al lupo per la prossima mostra a Praga.
AB: Crepi. Ora mi incammino ed esco in giardino.
Mentre cammino verso la metropolitana ho il dubbio che invece, con il manuale di sopravvivenza, forse Bianconi salirebbe sulla cima dell’Everest.

Bianconi o... Bond? di Cristina Dal Ben e Mariangela Negroni, 26.06.2008 (IT)

2010-01-04T10:35:00.000+01:00

Grande successo a New York della mostra “Bond” di Andrea Bianconi. Che con le sue “Spying Machines” indaga il desiderio umano di tenere gli altri sotto controllo. Una metafora del Grande Fratello

Che Andrea Bianconi fosse geniale ed estroso l'avevamo già capito quando alla festa per il lancio di Velvet quando il 9 novembre 2006 aveva partecipato con un incredibile elefante ricoperto di velluto bianco e decorato con decine di specchietti. Insomma noi sapevamo che il talento di Andrea era un valore sicuro e infatti lui non ha perso tempo nel fare il grande salto.
La sua prima personale presentata nella galleria di tendenza che si trova all'interno della boutique Kiton a New York è stata un successo. Il titolo della mostra "Bond", è una citazione di James Bond. Ma bond significa anche legame cioè, in questo caso, il collegamento di cose diverse tra di loro. Andrea utilizza per le sue opere oggetti fabbricati industrialmente come giochini di plastica, fibra di vetro, tessuto e ceramica, che copre con migliaia di elementi decorativi. Le sculture hanno un impatto molto forte, sono divertenti, kitsch ma comunque eleganti e preziose.
Questo iperdecorativismo viene sempre completato da un gioco che si ripete in tutte le sculture, le "Spying Machines". Ovvero degli spioncini che permettono allo spettatore di attraversare il corpo dell'opera con lo sguardo, interagendo così con l'opera stessa. Il meccanismo, apparentemente un po' complesso è la risposta a un'ossessione dell'artista: quella sullo spettatore e il suo sguardo, o per meglio dire alla sua paura dell'invasione della privacy e della propria sfera personale.
Il critico d'arte Oliver Tschrky, ha definito il "terzo occhio" di Bianconi una metafora della tecnologia che controlla le masse e del bisogno individuale e sociale di mantenere ogni cosa sotto controllo. Insomma un'allegoria del Grande Fratello.
Dopo il successo newyorchese è prevista per novembre 2008 una nuova personale dell'artista alla Barbara Davis Gallery a Houston in Texas. Che ovviamente non mancheremo di spiare...

'Abacaba, la nuova formula creativa dei conceptinprogress' di Micol Veroli, 2009 (IT)

2010-01-04T10:20:00.000+01:00

Furini Arte contemporanea, galleria neonata a Roma ma che nel giro di una sola mostra sembra già avere le idee ben chiare per entrare nel giro degli spazi espositivi che contano. In occasione della sua seconda mostra presenta dal 25 novembre al 23 gennaio 2010 la mostra ABACABA del duo argentino conceptinprogress, curata da Antonio Arèvalo.

Gli artisti sviluppano un progetto sperimentale di trasposizione visiva di una composizione musicale realizzata in collaborazione con Damián Turovezky e ottenuta attraverso la sovrapposizione e moltiplicazione di baci, secondo la struttura del cosiddetto ABACABA. Tale misteriosa costruzione verbale che richiama alla mente formule magiche, indica quel ritmo geometrico che ripetendo uno schema metrico preciso sviluppa un andamento circolare la cui venatura alchemica, unita alla scientificità della struttura, segna il processo alla base del progetto concepito per Furini Arte Contemporanea.La variazione musicale del Rondò è elemento sostanziale di un progetto che si sviluppa su diverse linee formali rimandando ad una giustapposizione di concetti che – sulla traccia dell’atto amoroso – propone un’irriverente incastro d’allegorie: una elaborazione processuale come flusso associativo, anch’esso sviluppato secondo la struttura dell’ABACABA.

Disegni, fotografie, sculture, oggetti manipolati, costituiscono il corpus di un costante work in progress all’insegna della sperimentazione anche formale, propria della ricerca del collettivo.

Conceptinprogress è un collettivo artistico formato da Amparo Ferrari (Buenos Aires 1977, vive a Venezia) e Sebastian Zabronski (Buenos Aires 1974, vive a Venezia). Tra le mostre più recenti sono degne di nota: conceptinprogress solo show, Furini Arte Contemporanea – MiArt, Milano 2009; Correspondences 2.2. a cura di Harpa Projects, 26 CC, Roma 2009; Don’t desappear a cura di Adriana Forconi, Clara Lia Cristal e Guadalupe Chirotarrab, Expotrastiendas, Buenos Aires 2008; V Biennale Internazionale SIART-Bolivia 2007 a cura di Ramiro Garavito, Museo Nazionale Etnografico e Folclore, La Paz 2007.

Nel 2007 conceptinprogress è riuscita ad ottenere la borsa di studio per la residenza alla prestigiosa Fondazione Bevilacqua La Masa a Venezia.

Marlon De Azambuja 'Movimento Concreto' di Melania Rossi, 12.11.2009 (IT)

2010-01-04T10:16:00.000+01:00

Dopo essere stata alla mostra di Marlon De Azambuja a cura di Antonio Arévalo e aver parlato a lungo con l'artista, cammino per la strada guardando per terra, cercando di cogliere geometrie possibili, unendo con linee immaginarie l’angolo di un marciapiede con la circonferenza di un tombino, e poi da qui fino al perimetro di un altro, stavolta quadrato. Cerco di capire se questi elementi urbani che solitamente sfuggono alla mia attenzione non abbiano il diritto invece di entrare a far parte della mia visione estetica del mondo. Inciampo. Furini Arte Contemporanea apre il nuovo spazio a Roma e ospita i lavori di questo artista brasiliano (nato a Santo Antonio da Patrulha, nel 1978), che gioca e prende spunto dal Movimento Concreto, importante tendenza culturale della fine degli anni ’50 in Brasile. L’ambiente e l’architettura sono argomenti centrali, protagonisti fisici e psicologici di un discorso ampio e complesso sull’arte, sul suo contenuto e la sua cifra estetica e vengono sottolineati dall’artista puntando la luce sugli elementi convenzionalmente ritenuti marginali, secondari. Ecco dunque un nuovo ordine. Possibile, esistente. Su una parete della galleria sono esposte le fotografie della serie “Metaesquema”, scattate a Roma. Marlon De Azambuja ha fotografato il “pavimento” della capitale e ritoccando le stampe con la china ha tracciato una mappa della città, costruendo ipotenuse da un tombino all’altro. Sulla parete di fronte l’artista esegue la medesima operazione con il nastro adesivo, mettendo in comunicazione la presa elettrica in basso a destra, con una mascherina (presumo per coprire cavi elettrici) in alto a sinistra. Ad emergere in tutta la loro dignità sono due “nei” sul muro bianco, che normalmente faremmo di tutto per nascondere.
Il profilo di São Paolo è invece l’oggetto di due video che l’artista ha girato camminando per le strade della città. Oscillando la telecamera dall’alto al basso, egli ha creato uno skyline in movimento in cui gli alti palazzi sembrano dei falli e simulano la penetrazione, anzi, come specifica l’artista stesso, la masturbazione. I temi e gli effetti del concretismo brasiliano si legano quindi ad un atteggiamento erotico, libero e teso a scardinare i punti di vista convenzionali. Torno così ad inciampare sui sampietrini romani cercando forme da inscrivere in una mappa immaginaria, se volessi potrei continuare all’infinito, scoprendo una varietà molteplice di schemi. Fino a casa.

Intervista a Fratelli calgaro, di Viviana Siviero (IT)

2010-01-01T22:00:00.000+01:00

Immaginate di possedere un poco dell’anima di mondi affini ma differenti, quali l’Arte, la Moda, il Cinema, la Pubblicità e la Vita Reale e di combinarli in un’unica soluzione, palesata sul terreno patinato della fotografia: il risultato è un mix di contaminazioni molto contemporanee, perfette per rappresentare con il giusto linguaggio, una visione, purtroppo realistica, della società attuale, comprensiva anche di un certo grado di profezia sul futuro prossimo venturo…

Gli scatti della Fratelli Calgaro denunciano la preparazione di un set, per la messa in scena di un universo maleducato e continuamente al limite, che riesce però a tenere –sempre e comunque- il coltello dalla parte del manico. L’ironia di cui sono impregnate le immagini, fa da argine a quanto altrimenti finirebbe per scadere nel volgare o nello sfacciato: si può dire che esse si salvino giusto “all’ultimo sguardo”…

Viviana Siviero: Fratelli Calgaro è il nome di un sodalizio di cui sei rappresentante e in cui ti avvali della collaborazione di diversi soggetti –costumisti ed altro- per la realizzazione dei vari progetti…devo rivolgermi “a Te” oppure “a Voi”…?

Giuseppe Calgaro: Il nostro sodalizio si costituisce come epicentro di forze e di sinergie volte attorno alla costruzione del set. La Fratelli si pone nel Nord Est come polo magnetico di attrazione per trovarobe, stylist, attori e personalità varie provenienti dal mondo della moda.
La rappresentazione fotografica della Fratelli vuole ricostruire nello studio la decadenza di una certa provincia italiana mischiando il kitsch e situazioni retrò con un certo disagio generazionale.
Quindi “la Fratelli - parafrasando un nota campagna pubblicitaria - siamo noi”.

V.S.: Bocche spalancate su fisionomie tese nei personaggi che agiscono, vittime serene o sorridenti, costrizioni, liquidi “cinematografici” femmine inginocchiate ai piedi di uomini, intente a suonare un flauto, in paesaggi decorati dal museale volto-manifesto di Moira Orfei. Le vostre immagini creano una sorta di liquido amniotico in cui noi “ignari feti” viviamo beatamente un equilibrio fra finzione e realtà…

G.C.: La Fratelli è sempre rimasta affascinata dal recupero di oggetti utilizzati in contesti diversi da quelli per i quali erano stati creati. La nostra estetica privilegia il minore, mischiandolo o contrapponendolo ad elementi griffati..
Questo è il contrasto che mettiamo in scena: vogliamo nobilitare “la casa del geometra” per riappropriarci degli angoli morti delle nostre case, i non luoghi che sono la "taverna" o il "sottotetto". Al cervo la Fratelli preferisce il capriolo. Al centro del nostro lavoro scegliamo di porre un “Caino” che rompa le regole di un set attentamente ricostruito ed illuminato, in modo da bilanciarsi con il contenuto torbido delle immagini.

V.S.: E’ possibile scorgere nella tua poetica alcuni tratti di grandi fotografi: la grande padronanza tecnica, il surrealismo erotico, l’ironia e la vocazione provocatoria di Guy Bourdin (1928-1991) e l’analisi sociale del più emergente Gregory Crewdson, americano che costruisce set onirici fatti per mostrare il lato più inquietante di normali periferie urbane tristemente note.

G..C.: Di Crewdson ci interessa la preparazione cinematografica del set, le sue situazioni di attesa, di congelamento. Il lavoro di Bourdin, oggi finalmente riscoperto, è stato per noi assolutamente profetico.
Egli, in modo rivoluzionario, portò il mondo della strada dentro i servizi di Moda. Fino a lui la moda generalmente, era stata fotografata in eleganti atelier, fatta da un immaginario di donne composte e raffinate. La donna di Bourdin invece, è eccessiva: troppo trucco, troppo colore, troppe acconciature rosso fuoco. La sua è una donna volutamente ai limiti della volgarità, consapevole del suo eccesso; immagine che, in quegli anni, si contrappone a quella di Newton, e ad una borghesia decadente, che si preoccupa per lo più del ritardo della domestica.

V.S.: Prendendo a prestito l’imprescindibile Benjamin, visto la molteplicità limitata delle tue messe in scena, ti chiedo qual è la tua posizione nei confronti della riproducibilità tecnica della nostra epoca, aspetto sempre più complicato da valutare a causa dell’avvento di digitale e virtuale e al proliferare di esperienze…

G..C.: " L'epoca d'arte nell'epoca della sua riproducibilità tecnica" è stato uno dei punti di approfondimento della mia tesi in estetica, discussa presso l'Universita di Filosofia di Venezia. Walter Benjamin parla della fotografia come "la dinamite del centesimo di secondo" che brucia e distrugge l'aura dell'opera d'arte nella sua comunicazione espositiva. Essa con la sua possibilità riproduttiva, apre la strada alla comunicazione di massa, portando ad un superamento del concetto "aristocratico" di arte. Oggi la comunicazione mediatica, privilegia la televisione: ma in questa inattualità contemporanea, la fotografia liberata, trova un nuovo sguardo auratico, finora inespresso.
Con l'avvento del digitale si perde così la magia del rito dell'immagine: le nostre foto bussano sul visore della macchina, ma la gratuità dello scatto ci porta a centinaia di foto distratte, che mai stamperemo. Da questa urgenza di tempi, la pellicola e tutta la fotografia chimica / analogica ne escono nobilitate.

V.S. :Ogni scatto dei Fratelli Calgaro viene realizzato in 5+1 esemplari nel formato grande e 5+1 in quello piccolo. Perché fra tante possibilità, ad averti incontrato è stata proprio la fotografia?

G.C.: Per noi lo scatto è il momento finale di una lunga ideazione e costruzione. Tutti i nostri lavori sono stampe chimiche da negativo fotografico.Dopo vari lavori preparatori vogliamo incidere la nostra immagine nella pellicola come una sorta di Sindone moderna. (Infatti possiamo dire che la Sindone è il più antico negativo esistente!).
La Fratelli privilegia una produzione accurata dove non tutte le immagini scattate trovano uno sbocco espositivo. Questo ci obbliga a scegliere con cura la partecipazione a mostre o ad eventi.
Il ritocco digitale non ci interessa: se qualcosa non va, lo scatto è eliminato o si ricostruisce il set.

V.S.: Un parallelo immediato - già evidenziato da Maurizio Sciaccaluga- è quello visivamente allusivo con le malefatte così stranamente musicate da Kubrick di Alex e dei suoi Drughi, nel celebre Clockwork Orange (da Burgees, 1962) ; la serie di scatti intitolata “Anima Nera” (2004) riflette sul concetto di satanismo alla maniera del grande Abel Ferrara…

F.C.: Amiamo il "b movie", privilegiamo il vecchio cinema, girato in "tecnicolor", piuttosto di quello girato in "panavision". Ci interessano quei colori saturi o “starati” tipici di una certa produzione indipendente. Nei nostri lavori si possono trovare parecchi riferimenti, estetici e non, relativi al cinema: il particolare "rosso" utilizzato da Dario Argento per il sangue, come la violenza inattesa e fumettistica dei film di Tarantino. Un rapporto inevitabile, viste le nostre tematiche, ma sempre rivolto a quelle videocassette polverose, che le videoteche hanno ormai dimenticato nel retrobottega.

Fratelli Calgaro è il nome del sodalizio rappresentato dal fotografo professionista Giuseppe Calgaro nato a Thiene (Vicenza) nel 1963. Vive e lavora a Sandrigo, Dueville e Milano.

2010-01-01T21:57:00.000+01:00

www.furiniartecontemporanea.it

2010-01-01T21:40:00.000+01:00

Andrea Bianconi , SAPERE NON SAPERE
pressrelease

2010-01-01T21:36:00.002+01:00

Running @ Furini Arte Contemporanea until 23 Jan 2010
Conceptinprogress 'ABACABA'

2010-01-01T21:36:00.001+01:00

Furini Arte Contemporanea takes part @ Volta New York, March 4th-7th 2010

2010-01-01T21:34:00.000+01:00

coming soon --> WILLIAM COBBING in REVERSALS | 6 Feb - 23 Mar 2010

2009-12-30T10:40:00.001+01:00

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2009-12-30T09:24:00.001+01:00

FuriniArteContemporanea | the blog: news, interviews, photos, critics and more...

FURINI ARTE CONTEMPORANEA / ART ROTTERDAM 2012

EDWARD THOMASSON // Find A Problem To Solve

MARLON DE AZAMBUJA / Nuevos Barrios / view of the show

William Cobbing / The Agony of Water /

FAIRS

Marlon de Azambuja / Nuevos Barrios

ANDREA BIANCONI | MIND OVER MIND views of the show

ANDREA BIANCONI | MIND OVER MIND

Robert Barta FLY HIGH!, 2011

running until July 17th 2011 TIM ELLIS *SONS OF PIONEERS*

ANDREA BIANCONI

TIM ELLIS | Sons of Pioneers a cura di Rita Selvaggio

William Cobbing at Barbican - More Soup and Tart

FuriniArteContemporanea | Newsletter | FEB 2011

Opera di Marlon de Azambuja censurata ad Art First 2011

William Cobbing | ARTFORUM | Jan 2011 by Marco Tagliafierro

GABRIEL HARTLEY | CRIMPING (works)

GABRIEL HARTLEY | CRIMPING curated by Rita Selvaggio

FuriniArteContemporanea on FLICKR

MARCELO CIDADE/pensieri preparatori per Roads Not Taken

MARCELO CIDADE | ROADS NOT TAKEN dal 4 dicembre 2010 al 5 febbraio 2011 @ Furini Arte Contemporanea a cura di Atto Belloli Ardessi e Ginevra Bria

Arte Fiera Bologna 2011

ROBERT BARTA|Why ants can't dance|October 8 – November 27, 2010

8 Ottobre – 27 Novembre 2010

Notes

‎"My stories are drawn thoughts of mine that get expanded and finally blow up like a star, when accepted by the spectator", Robert Barta

Robert Barta "INKONSTRUKTION V. Art Biesenthal"

Maurizio Anzeri at AltaRoma AltaModa

SUMMER TIME

Link

Marlon de Azambuja on the outside of Volta 6

Robert Barta, MOVE IT!

VOLTA 6 | BASEL'S CUTTING EDGE ART FAIR OF NEW AND EMERGING ART

DRESPITZHALLE|DREISPITZ AREA|GATE 13|HELSINKI STRASSE 5|MUNCHENSTEIN|BASEL

WEDNESDAY 16TH JUNE - SUNDAY 20TH JUNE 2010

"Uomini-Statua-Oggetto" view

Conceptinprogress "Sweeping around a Column", 2010

Robert Barta in Step in Switch Over (Dusseldorf)

Robert Barta in "Ceci n‘est pas un Casino"

Andrea Bianconi at Barbara Davis Gallery, Houston (TX)

Philip Wiegard | Uomini-statua-oggetto | views

Philip Wiegard 'Uomini-statua-oggetto' coming soon at Furini Arte Contemporanea

The Art Newspaper TV about Volta NY 2010

Andrea Bianconi at Volta NY 2010 performing Is-Land in a video by Benoit Pailley

Philip Wiegard in Domus, IN ABSENTIA written by Xavier Laboulbenne March issue, p. 78

Volta NY, Furini Arte Contemporanea starring Andrea Bianconi in 'Is-Land'

Volta NY, Furini Arte Contemporanea starring Andrea Bianconi in 'Is-Land'

Nick Goss in "4 New Sensations", 2009

philip wiegard run way scenography project for Meadham Kirchhoff, Fall 2010

Maurizio Anzeri for Alexander McQueen, 2000

Furini Arte Contemporanea takes part at Volta NY 4th - 7th March 2010

Reversals views and opening

William Cobbing | Reversals | 6 February – 23 March 2010 | Vernissage 6 February 6.30 p.m.

Pictures of the Year: The Photographers' Choice (GB)

ESCAPE ARTIST, Benoit Pailley looks at Andrea Bianconi for Double magazin (GB)

Maurizio Anzeri, 'Un clandestino sullo schermo del volto/A Clandestine Presence on the Screen of the Face', Viana Conti (IT-GB)

William Cobbing | Reversals | 6 Feb - 23 Mar 2010 at Furini Arte Contemporanea

Andrea Bianconi | interview | Teknemedia (IT)

Andrea Bianconi | interview | Espoarte (IT)

Gian Domenico Sozzi, 'Brevi note su spose, angeli, dolore, assenza' di Filippo Betto (IT)

Furini Arte Contemporanea takes part at Volta NY 4th - 7th March 2010

Andrea Bianconi, 'Felice integrazione di razionalità ed emozioni' di Oliver Orest Tschirky (IT)

Forthcoming at Furini Arte Contemporanea

Philip Wiegard, Falten, 2007 @ Furini Arte Contemporanea (GB)

William Cobbing seen by Alex Mar (GB)

Benoit Pailley 'Swimming Blue' (GB)

Studio visit: Andrea Bianconi di Amalia Piccinini (IT)

Bianconi o... Bond? di Cristina Dal Ben e Mariangela Negroni, 26.06.2008 (IT)

'Abacaba, la nuova formula creativa dei conceptinprogress' di Micol Veroli, 2009 (IT)

Marlon De Azambuja 'Movimento Concreto' di Melania Rossi, 12.11.2009 (IT)

Intervista a Fratelli calgaro, di Viviana Siviero (IT)

running until July 17th 2011 TIM ELLIS SONS OF PIONEERS