William Cobbing | Reversals | 6 Feb - 23 Mar 2010 at Furini Arte Contemporanea

Andrea Bianconi | interview | Teknemedia (IT)

http://www.teknemedia.net/magazine_detail.html?mId=7512

Andrea Bianconi | interview | Espoarte (IT)

http://www.espoarte.net/newsletter/14/mercoledi14_2.html

Gian Domenico Sozzi, 'Brevi note su spose, angeli, dolore, assenza' di Filippo Betto (IT)

“Se la brina afferra la tua tenda / renderai grazie che la notte è consumata”

(E.Pound, “Cantos” 102).

Non so perché, pensando a Gian Domenico Sozzi e alle poche parole che volevo scrivere per lui, due versi di Pound hanno preso a vorticarmi precipitosamente nella zucca. Tant’è. Forse un tentativo di sfuggire l’impresa, nell’imbarazzo di inventarmi ora “critico” di una materia artistica dalla quale non mantengo il distacco necessario per poter “dire” completamente (“...ciò può venir solo mostrato, e non: detto, poiché qualunque cosa noi possiamo dire necessariamente avrà ancora la stessa struttura”, L. Wittgenstein).

Guardo a Gian Domenico Sozzi, davvero, come a una specie di angelo. Non credo siano questi il caso e la sede di informare su come la nostra frequentazione sia nata e cresciuta, e sotto quali ombre si sia nutrita e ristorata. Ma due nomi, forse, per dovere di onestà li devo fare, e quei nomi sono quelli di Luciano e Pier. Due nomi che hanno deciso i nostri percorsi come fasci di luce abbagliante impressionano la pellicola fotografica, definitivamente. Ma, si sa, la vita è ben strana alle volte, e anche la luce più intensa e brillante può dissolversi, interrompersi, svanire. Non resta allora che abituarsi all’oscurità o cercare il modo di mantenere virtualmente acceso il ricordo, la memoria di quei cosmici frammenti gioiosi, trattenerne almeno l’eco, la traccia del loro passaggio, impastare la realtà che continua ad ospitarci con l’alito di quella memoria. Gian Domenico Sozzi è - l’ho detto - un angelo, e la sua spada di fuoco è la sua arte, con quella spada può affrontare anche le minacce più temibili. Le fotografie raccolte in questo catalogo sono il segno tangibile della sua vittoria contro un nemico molto crudele, e quel nemico è l’Assenza. Chi conosce il lavoro che Gian Domenico Sozzi ha svolto negli anni troverà qui elementi di continuità e di spiazzante rottura. Continuità per il permanere di uno sguardo lieve, leggero, ingenuo quasi, nella scelta dei soggetti della rappresentazione; rottura prima di tutto per la tecnica adottata, quella della fotografia anziché del colore steso a mano, e ancora rottura nella acquisizione di una valenza solenne, cerimoniale, icastica e definitiva come si addice al più sacro e dolce dei riti, quello del matrimonio. Le fasi di quell’evento sono qui raccontate silenziosamente, accompagnate dall’obiettivo con un’attenzione che fa stupire noi testimoni per la sua commovente naturalezza. Ma è chiaro che si tratta di una naturalezza non solo primaria, originale come il famoso peccato, bensì conquistata con quella che immaginiamo essere stata un’elaborazione sofferta e necessaria, accettata infine come una croce leggera. Una naturalezza insomma che è frutto del congiungersi di innata sensibilità e paziente sottomissione agli eventi, fino alla conquista finale che la celebrazione enfatizza e le immagini documentano.

Spero, nel suggerire questa ipotesi di lettura delle fotografie, di non venire frainteso come interprete di una visione “trascendentale” o ideologicamente ortodossa rispetto ai dettami canonici, ad esempio, cattolici. Qui io non vedo tracce di teoremi secondo cui la transitorietà del dolore può essere superata dalla speranza di un futuro esterno e felice. Per il cristianesimo, infatti, che vive la terra come male e la morte come liberazione per il regno eterno, il dolore è solo di questo mondo e può essere dominato dalla fede del regno atteso. Due terre, dunque, una da sopportare, l’altra da fruire. A differenziarle è proprio la presenza e l’espulsione del dolore che quindi diventa il grande snodo dell’articolazione dei due mondi: uno denigrato per la presenza ineliminabile del dolore, l’altro atteso per la sua espulsione.

Piuttosto, mi piace pensare che nella serenità che queste immagini testimoniano si compia una specie di ideale olimpico. Se è vero che il dolore parla solo nei termini della cultura che lo interpreta, mi consola credere che Gian Domenico Sozzi adotti una lettura, magari involontaria, vicina per esempio a quella della Grecia antica (ma so che la Grecia è stata una patria di elezione sua e di Luciano) che, non sedotta da speranze ultraterrene, ha avuto il coraggio di guardare in faccia il dolore, affrontandolo.

Secondo questa regola, la natura segue il suo ciclo facendo nascere e morire tutte le cose, uomo compreso. La risposta da offrire non è la ribellione a questo destino ma l’adesione alla terra godendo del qui e dell’ora, valorizzando infine il presente e amandolo con tutto il suo dolore, nella convinzione che vita e dolore sono inscindibili e nulla può essere davvero vissuto al di fuori di questa inscindibilità. La visione tragica del mondo consente così di amare quel che resta della vita anche perché la soffre, di appassionarsi e quindi di gridare, di abbracciarla infine per la sua bellezza che non è disgiunta dal dolore. E perciò non enfatizza la possibilità di una vita senza dolore, così come non insinua l’idea che il dolore possa essere separato dalla vita.

Insomma, “l’angelo” Sozzi mi sembra qui offrire un segno compiuto del possibile convivere con l’Assenza, e insieme superarla: di questo mi ha parlato la sposa sola. La brina ha afferrato la sua tenda (il suo velo) e lui, Gian Domenico, ha ringraziato che la notte è consumata. E la brina non può più, oramai, paralizzare il suo gesto.

Filippo Betto

Furini Arte Contemporanea takes part at Volta NY 4th - 7th March 2010

Previews: Thursday, March 4th, 2010
Guest of Honor: 11 a.m. - 12 p.m. (accessible by invitation from VOLTA or with The Armory Show VIP card)
VIP: 12 p.m. - 2 p.m.
Public Hours Daily: Thursday 2 p.m. - 8 p.m., Friday - Sunday, March 4th-7th, 2010, 11 a.m. - 7 p.m.
Location: 7 West 34th Street betw. 5th Ave. and 6th Ave.

Andrea Bianconi, 'Felice integrazione di razionalità ed emozioni' di Oliver Orest Tschirky (IT)

Felice integrazione di razionalità ed emozioni

Vicenza 7/11/09

Con una sofisticata installazione il giovane emergente artista internazionale Andrea Bianconi celebra lo spazio che Carlo Scarpa ha dedicato alla Biblioteca Internazionale “la Vigna” di Vicenza.

Andrea Bianconi è stato invitato dalla Biblioteca Internazionale “La Vigna” e dalla Fondazione Vignato per l’Arte per realizzare una installazione nell’antica Casa Gallo nell’edificio della biblioteca. L’appartamento e il museo privato furono ristrutturati dal geniale e famoso architetto Carlo Scarpa negli anni Sessanta per il suo amico e avvocato Ettore Gallo.

Oggi, l’artista italiano Andrea Bianconi, che vive negli Stati Uniti da diversi anni, presenta una mostra concettuale all’interno di questo museo storico occupando le stanze, affollate di oggetti personali, disposte attorno al famoso e luminoso atrio centrale della casa.

Come dice Andrea Bianconi: ‘una libreria è un posto di conoscenza ma dimostra anche quanto non conosciamo. Perciò ha un significato esistenziale’.

Infatti questa opera vuole essere un omaggio all’esistenza e alle emozioni più profonde. Con le sue sculture iper-colorate e in stile barocco, i collage, i disegni e le foto, Andrea Bianconi crea una installazione specifica per questo sito espositivo. Sembra di essere in un viaggio a tutto tondo nel suo mondo fatto di riflessioni ed esperienze sui libri e le informazioni, la libertà della mente, e sua moglie Sonia, la persona più importante della sua vita: pile di libri rendono evidente la topografia della conoscenza, un buco nero abbassa le cognizioni, un tavolo parla dell’amore e un video ci fa ridere e ballare all’infinito.

Per dare adeguato sviluppo al concetto dell’evento, Andrea Bianconi ha invitato il curatore internazionale e critico d’arte Oliver Orest Tschirky. Insieme hanno dato vita ad un sistema per dare un'interpretazione artistica dei difficili temi della conoscenza, della consapevolezza e dell'adorazione, integrandoli assieme. E alla fine, poiché la conoscenza è razionalità e il sentimento è emozione, Bianconi compie il gesto impossibile di riunirli in un gesto di felicità.

Oliver Orest Tschirky

Forthcoming at Furini Arte Contemporanea

William Cobbing, Reversals
6 Feb-23 March 2010

Philip Wiegard, Falten, 2007 @ Furini Arte Contemporanea (GB)

'Falten' di Rita Selvaggio

In Philip Wiegard artistic practice, there are no static elements nor values.

Rather, the process of visualization of the artwork hovers between the act of vision and that of memory, between comprehension and knowledge, forever in balance between the idea of an object and that of a thing, halfway between the notion of grammar and that of criterion.

Pushing, crushing, contorting, folding, pressing, mutilating, reassembling, these are the gestures that sustain the work of the German artist, a practice which is at the same time subtle and brutal. With great dexterity and ability, he destabilises the relation between form and function and subsequently places it literally in perspective by mixing the scales of the real.

The reliefs and installations by Wiegard are often realised with mundane and ordinary materials of commonplace memory. The very titles Bicycle Basket, Yellow Chair, Spaghetti Junction, and Spaghetti with Cheesetrace with irreverent precision the contours of an absurdly familiar landscape and by doing this, they narrate fragments of ordinary lives.

There’s something absurdly real in the images of Philip Wiegard. The artist gathers his materials from construction sites or he simply finds them in buildings undergoing renovation, while, most recently, he started collecting them from flea markets. He then alters these objects dramatically giving them a new life.

Wiegard uses the dada strategy, free from any modernist ideology, to explore purely formal issues using such objects collected from real life. This is how old cinema seats, abandoned bar stools, discarded shop counters and old floorboards, find themselves having to comply to the process of being dismantled and disassembled, mutilated and deprivedof their “limbs” in order to be reassembled once again losing, at the same time, their original three-dimensional quality. This newly acquired optical illusion is effectively negated with each movement of the gaze. Therefore, it is not possible to relate what you see with a process of improvisation.

A good example of this is Séance where a group of chairs of Napoleonic memory are placed round a table draped with precious damask.

This set mimics the act of mise en scène, and at the same time, that of an epilogue. The chairs appear like mute actors that, with their silence, push the gaze beyond the limits of interpretation in order to focus impatiently on the visual effect of the work.

The title of the show, “Falten”, is a German word that carries a double meaning. As a verb, it indicates, literally, the act of “folding” and suggests that constant movement between exterior and interior implicit in this gesture, whereas, as a noun, it stands for a drape or the loose folds of a cloth. Both these metaphorical elements, the act and the thing in itself, underline the intricate itinerary of the show. The concept of a “fold” so dominant and fundamental during the Baroque era, reverberates beyond its historical parameters and, just like Deleuze said in “Le pli: Leibniz et le baroque”,it can equally be applied to the contemporary in its most recent form as Michaux’s “La vie dans le plis”, Boulez’s “Fold After Fold”, and Simon Hantaï’s very own artistic practice of folding, can testify. The fold is a “process” that influences in different degrees and with varying speeds and vectors everything that becomes expressive matter.

With a good dose of irony and humour, Wiegard applies to sculpture the optical rules of pictorial perspective within a scale of 1:1. His objects, deprived of their original volume, are removed at the same time from their function and their materiality and are permanently suspended between the state of being an object and that of becoming an image. As a matter of fact, they seem to vanish in the process of transition from a bi-dimensional space to a three-dimensional one and back again, and in this perpetual movement they forget, with confident and unflappable lightness, their mundane function. The only thing left for them is a disillusioned gaze, which remains constantly suspended between the observation of an image in perspective, and that of deformed pieces of furniture.

William Cobbing seen by Alex Mar (GB)

Walking into William Cobbing's exhibition is like stepping into an active narrative momentarily at rest - like backstage at a theatre or on a film set. Photographs that incorporate found spaces, models and sculptural prosthetics are echoed in a group of three-dimensional works, charging the space with a sense of 'something happened here'.
There is a narrative link strongly reminiscent of the novels of J. G. Ballard - with a less technology-specific paranoia. Like Ballard, Cobbing believes our constructed environment and tools define us as much as we define them. But Cobbing takes a step in another direction, giving our environment and our machines a life separate from us: as if the functional spaces we have carved out for ourselves do not wish to be left empty. In the dead moments of the everyday they insinuate themselves.
On entering the gallery the viewer encountered a catalogue of prosthetic 'limbs': extending the gallery's water pipes down to the floor, joining two large figures like fantastical Siamese twins and linking a covered car with a tremendous tumorous shape of equal size. Sculptural prosthetics were also present in the photographs, connecting crashed cars from axle to engine or brake pedal to grill, joining a seated woman to an apartment wall, or linking two people in the front seat of a car. Cobbing's 'limbs' are limp, banal and elegant; their colours recall sensible cars, corporate offices, generic domestic spaces and dull flesh.
In one of the show's strongest images - from the 'Parting' series (all works 2002) - a woman, visible only from throat to knee, is seated in an Eames-style chair in a vague, cream-coloured domestic interior. Dressed in sensibly fashionable clothes in muted green and grey, she lifts her blouse ever so slightly to further reveal a slender, pale tubular form, which seamlessly connects her abdomen to the wall. The nature of the exchange is uncertain; the woman seems both at rest and carefully posed. It is an ambiguous but loaded image, slightly erotic and slightly sinister - and just a little bit Madonna and Child. The woman's limb is many things: at once a suggestive passageway, a lyrical formal gesture, a sci-fi mutation and a ghost story. The image is presented with a coolness that lends all the elements - the architecture, the prosthetic, the model and her costume - with equal weight. It is this coolness which echoes Ballard's seminal novel Crash (1973), in which the aftermaths of car collisions are re-imagined without the preceding violence, as if the woman driver had been born in this strangely still position, the curve of the steering wheel pressed deep into her thigh. Cobbing's work represents the blank, deprived spaces of modern life as sites of unnatural communion.
The show's centre stage was shared by two pieces that represent Cobbing's aesthetic spectrum: Chang and Eng and Drag. Chang and Eng is a formally striking, humourous and fresh take on figurative sculpture: a double-figure (named after the first Siamese twins) with inhumanly organic, connected upper bodies, and lower bodies dressed in matching grey trousers and polished belts and shoes. The skin of the joined torsos is of an exquisitely smooth and contoured painted plaster, with an almost Pop polish. Drag is also a striking double form: a car draped in a grey vinyl cover with a monstrous dark shape plugging a slender limb into its axle. But whereas Chang and Eng has a refined finish, Drag is one of the ugliest pieces I have seen in a while, its crude attachment clearly made of mounds of spray foam and its car cover alternately tight and puckered. Drag is a raw counterbalance to the clean execution of much of the rest of the show, highlighting the uneasy details of the other pieces, such as the horror-show effect of the hard flash on the models' skin, or the dirty edges of the car lot in which the 'Untitled (Crash)' series was shot.
The stylistic gap between these two pieces leaves open the question of which direction the work will now take. It is risky to be as explicit as Cobbing can be, treading a fine line between the enigmatic and the coolly illustrative, and the results are sometimes grotesque and often remarkable. One wonders whether things will get prettier or more horrible from here.

Frieze Issue 71
Galerie Fons Welters - Amsterdam
©Copyright Frieze 2006

Benoit Pailley 'Swimming Blue' (GB)

A common sight in our cityscape are the ubiquitous sheathes of tarp that protect the urban skeletons of new buildings — fragile and unformed.
In “Swimming Blue”, a series of 15 images, Pailley captures an allusive moment when the turbulent wind unhinges the tarp and suddenly this element that is meant to protect, is beholden to the mercurial choreography of mother nature.
This combative dance is set against a peaceful sky and we are caught between a constraining physical force and our ability to set ourselves free into a pool of blue — one that promises us that we can escape into our infinite dreams. These images are a poetic metaphor of how fragile life is and that those structures and ideas that are in place to protect us can be fleeting.

Born in 1978, Benoit Pailley lives and works in New York and Paris. He is photographer specializing in still life and installation photography.
Pailley erases the boundaries between art and fashion, between physical space and in print. Objects becomes “works of art” in environments that recreate gallery spaces. When conceptually appropriate, he builds installations that frame the ‘work’ in unique and stunning ways. His ability to manipulate the visual language and deftly confuse and cojoin the high and the low is both refreshing and engaging. In his stories, he infuses politics, poetry and humor.
His first solo exhibition, Passport, was presented at the Flux Foundation in Geneva in March 2008. He is a regular contributor to Sleek and Double magazines and won German’s Lead Award(Silver) in 2006 for best photographer in Still Life/Architecture category.