14 nov 2011

William Cobbing / The Agony of Water /

Partendo da una sensibilità scultorea, i lavori di William Cobbing (nato a Londra nel 1974, dove vive e lavora) comprendono il video, la fotografia, l'installazione e la performance. I suoi personaggi sono spesso rappresentati come fusi con l'architettura circostante, come estensioni di tubature, o sepolti da strati di argilla o cemento, con cui lottano assurdamente per districarsene. Cobbing fa calchi di membra umane e li installa in modo da farli sembrare intrappolati nell'architettura, presentando il corpo come traccia, come vestigia di qualcosa che è stato. Questi lavori alludono al concetto di entropia e, sottolineando fino a che punto il materiale terreno è irreversibilmente disperso, provocano un offuscamento dei contorni fra il corpo e il paesaggio lasciando sospesa ogni possibile attribuzione di significato.Cobbing ha realizzato una serie di video in cui i personaggi, coperti di argilla bagnata e glutinosa, massaggiano la materia sulle loro teste o sono interamente incassati in essa. In questi lavori i contorni del corpo sono interrotti, suggerendo un'ambiguità abietta fra il corpo e il relativo ambiente circostante. Facendo riferimento alle idee espresse da Sartre sul “vischioso”, questi esseri d’argilla fondono le idee di fisico e psichico, con la materia ridotta ad una condizione ibrida fra liquido e solido. Allo stesso modo, l’azione di massaggiare l'argilla produce sensazioni contrastanti di sensualità e soffocamento.

Starting from a sculptural sensibility artworks by Cobbing (born London 1974, where he lives and works) encompass a diverse range of media, including video, installation and performance. People are often depicted as being fused with the surrounding architecture, as extensions of the plumbing, or buried under layers of clay or concrete, from which they absurdly struggle to extricate themselves. Cobbing makes life casts of human limbs, installing them to look like they are trapped in the architecture, presenting the body as a trace, a vestige of what it had once been. These works allude to the concept of entropy and, underlining the extent to which earthly material is irreversibly dispersed, they give rise to a definitive blurring of the boundaries between the body and the landscape and put any possibility of meaning on hold.
Cobbing has made a series of videos in which people are covered in glutinous wet clay, massaging the material on their heads, or being entirely encased in it. In these works the discrete boundaries of the body are disrupted, suggesting an abject ambiguity between the body and its immediate environment. Referencing Sartre’s ideas of ‘slime’ (le visqueux), these clay beings fuse ideas of the physical and psychic, with the material being caught in a hybrid state between liquid and solid. Similarly, massaging the clay produces opposing sensations of sensuousness and suffocation.

William Cobbing
'The Agony of Water'
2011
Single channel video
03:44 mins
with sound

FAIRS

Feb 9-12 2012 / Art Rotterdam /

Furini Arte Contemporanea presents Marlon de Azambuja's solo show.

Marlon de Azambuja / Nuevos Barrios

a cura di Antonio Arévalo

18 novembre 2011 – 14 gennaio 2012
opening 18 novembre 2011 ore 18,30


(English version below)


In Nuevos Barrios di Marlon de Azambuja (1978, Santo Antônio da Patrulha - Brasile, vive e lavora a Madrid) lo spettatore incontra due nuovi gruppi di lavoro che l’artista brasiliano ha prodotto specificatamente per la mostra da Furini Arte Contemporanea. Mantenendo invariato il suo originale linguaggio espressivo, disegni e sculture costituiscono un’articolata meditazione su elementi sociali attraverso elaborazioni visive ed estetiche di concetti condivisi, modificando e alterando dettagli per evidenziarne punti deboli, limiti, vie di fuga e nuove prospettive. Nel complesso la mostra è una riflessione sullo scenario del nostro tempo, oltre ad alludere a questioni sul potere, sull’architettura e sull’uso di certi strumenti per la costruzione dell’identità.
La scultura dal titolo National Question consiste in due bandiere, una dell’Italia e una dell’Unione Europea, intrappolate nella loro posizione da un blocco di cemento. L’incapacità di queste bandiere di distendersi completamente e sventolare e il confronto fra il Paese e la sua Comunità, sollevano questioni sul difficile momento in cui viviamo, il nazionalismo, la crisi e la difficoltà di esercitare la sovranità senza chiudere le porte ai paesi vicini. La seconda parte della mostra è un gruppo di disegni inchiostro su carta in cui l’artista ha usato sagome architettoniche per trasformarle in serie di edifici, ricordandoci le costruzioni dei quartieri, specialmente quelli dei regimi autoritari.

In Nuevos Barrios by Marlon de Azambuja (1978, Santo Antônio da Patrulha - Brazil, lives and works in Madrid) the viewer encounters two new groups of works that the Brazilian artist made especially for this exhibition at Furini Arte Contemporanea. Keeping unvaried his original expressive language, drawings and sculptures set up an articulated meditation on social elements throught visual and aesthetic elaborations of common concepts, modifying and altering details to highlight weack spots, limits, ways of escape and new possibilities. The show as a whole is a reflection on the setting of our time, besides discussing questions surrounding power, architecture, and the use of certain tools for the construction of identity. The sculpture titled National Question consists of two flags, one of Italy and one of the European Union, trapped in their hoisted position by cement blocks. The inability of these flags to be completely lifted and the confrontation between the country and the community, raises questions about the difficult time in which we live, nationalism, crises, and the difficulty of exercising sovereignty without closing the door on neighboring countries.The second part of the exhibition is a group of ink on paper drawings, in which the artist used architectural templates to transform them into a series of buildings, reminding us of the constructions of neighborhoods, especially those in authoritarian regimes.


Bio Fra le mostre personali: 2011 Grand Façade at Max Estrella Gallery in Madrid, Spain; Street Press at Marilia Razuk Gallery in Sao Paulo, Brazil; Construction of the Icon, at the CAAM (Atlantic Center of Modern Art) in Las Palmas de Gran Canaria, Spain; 2010 Levels, at Casal Solleric in Palma de Mallorca, Spain; 2009 Movimento Concreto, at Furini Arte Contemporanea in Rome, Italy; Modern Project, at Luisa Strina Gallery in Sao Paulo, Brazil; Sculptural Potential, at Matadero in Madrid, Spain. Fra le mostre collettive: 2011 11th Cuenca Biennale in Cuenca, Ecuador; 8th Mercosul Biennale in Porto Alegre, Brazil; The Draughtsman’s Contract at Studio Sandra Recio in Geneva, Switzerland; 2010 12th Cairo Biennale; Kierkegaard's Walk at Marilia Razuk Gallery in Sao Paulo, Brazil; Synergies, at the MEIAC & MACUF in Badojoz and A Coruña, Spain, respectively; Un-Inhabitable, at the Spanish Cultural Center in Lima, Peru; 2008 Building, Dwelling, Thinking - Strategies for Contemporary Art & Architecture at the IVAM in Valencia, Spain; 2006 I Bienal del Fuego in Caracas, Venezuela.

link

00186 Roma - Via Giulia 8
tel. +39 06 68307443
orari: merc/ven 13-19; sab 15,30-19,30
info@furiniartecontemporanea.it
furiniartecontemporanea.it

ANDREA BIANCONI | MIND OVER MIND views of the show







8 set 2011

ANDREA BIANCONI | MIND OVER MIND

FURINI ARTE CONTEMPORANEA

Andrea Bianconi | Mind Over Mind
22 settembre - 5 novembre 2011
Furini Arte Contemporanea - Roma
opening 22 settembre 2011 ore 18,30

sabato 24 settembre ore 17, in occasione di Roma Art 2Nights, verrà presentato Andrea Bianconi. Living (A Charmed Life)" con la presentazione di Luigi Meneghelli


Mind Over Mind, inchiostro su carta, 88 x 64 cm, 2011


(please, scroll down for English version)

In Mind Over Mind l'intimismo del lavoro di Andrea Bianconi (Arzignano - 1974, vive e lavora fra New York e Vicenza), sfugge all'arrovello psichico autoreferenziale per divenire un osservatorio sulle dinamiche dell'introspezione in rapporto all'osservazione dell'altro.

Il nero è l'elemento di raccordo tra i lavori esposti, che comprendono disegni a inchiostro su carta e installazioni in legno e metallo verniciati: esso nasconde ciò che non conosciamo, mentre le inquietudini si aprono toccando un ambiguo senso di appartenenza ed estraneità.

Sia le installazioni che i disegni rompono la loro unità formale: tutto si dirama nello spazio come un segno e si parla di “sculture disegnate” e “disegni scritti”, superando agilmente le differenze fra linguaggi.

Traps for Clouds cade dal soffitto come un groviglio di linee metalliche, tentando di racchiudere ciò che non può essere racchiuso, come in Multiplicity of One, dove gli elementi si sviluppano come cerchi concentrici alludendo a frammentazioni e confini instabili.

Le installazioni sono prima di tutto costruzioni mentali che ci riportano ai contrasti umani, alle certezze in cui ci si rifugia, ai pregiudizi in cui ci si nasconde, ma anche al superamento di sé verso l'altro. I disegni, Hand e Home, innescano una continuità dove la parola richiama l'altra parola e l'immagine si apre all'altra immagine, incatenando sequenze di pensieri sul foglio.

È impossibile stabilire se tutto ciò avvenga nel segno dell'esplosione o dell'implosione, della protezione o della prigionia (come in Face): tutte le possibilità sono aperte in un processo dall'andamento ciclico, in un insieme di itinerari connessi dove i vari soggetti sono immersi come in un corpo unico, come in Hands Over Mind, Trip Over Mind e Air Over Mind.

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Avoiding a self-referential racking of the brain, in Mind Over Mind the intimism of Andrea Bianconi’s work is an observatory of the dynamics of introspection in relation to the observation of the other.

Black is the element linking the works on display, which include drawings in pen and ink on paper and installations in painted wood and metal: it conceals what we do not know, while anxieties open up, touching an ambiguous sense of belonging and extraneousness.


Both the installations and the drawings break down their formal unity. It would be better to speak of ‘drawn sculptures’ and ‘written drawings’, i.e. of the necessity for a nimble passage between languages that overcome their differences.

Traps for Clouds hangs from the ceiling like a tangle of metallic lines, attempting to enclose what cannot be enclosed, placing itself farther along towards an exact opposite that expands constantly, as in Multiplicity of One, where the elements spread out like concentric circles, alluding to fragmentations and unstable boundaries.

The installations are first of all mental constructions that call our attention back to human conflicts, to the certainties in which we take refuge, to the prejudices behind which we hide, but also to the way it is possible to go beyond the self and move towards the other, caught in the process of multiplication. The drawings, Hand and Home, trigger a continuity where one word calls to mind the other word and one image opens up to the other image, chaining sequences of thoughts to the sheet.

It is impossible to establish whether everything takes place in the name of explosion or implosion, of protection or imprisonment (as in Face): all possibilities are open in a process that is cyclic, in a set of connected routes where the various subjects appear to be immersed in a single body, as in Hands Over Mind, Trip Over Mind and Air Over Mind.



BIO Fra le mostre personali: 2011 Living (A Charmed Life), Ambasciata d’Italia a Washington D.C.; The Chinese Umbrella Hat Project (PartII), Piazza San Marco, durante la 54 Biennale di Venezia. 2010 The Chinese Umbrella Hat Project (PartI), performance a Wujiang Rd West NanJing Rd, Shanghai; A Charmed Life, Barbara Davis Gallery, Houston TX; You Always Go Down Alone, Vernon Projekt, Prague 2009 Sapere non Sapere, Casa Gallo – Palazzo Brusarosco Zaccaria, Vicenza 2007 Pony Express – Barbara Davis Gallery, Houston TX 2005 Bodyguard, Furini Arte Contemporanea, Arezzo. Fra le mostre collettive: 2011 Cool Stories For When The Planet Gets Hot III, Swiss Architecture Museum (S AM), Basel, CH; AL-GHAIB, Aesthetics of the Disappearance, Maraya Art Center, Sharjah, Emirati Uniti; The Spring Exhibition, Kunsthal Charlottenborg, Copenhagen. 2010 Uno sguardo senza peso, Palazzo Piazzoni-Parravicini, Vittorio Veneto, TV, Italia; Elevated, Rottet Studio, Los Angeles; Cluster, Barbara Davis Gallery, Houston, TX. 2009 Istant Book – Italian Artists New York, ISCP, Brooklyn, NY; Sound of A charmed Life (performance) Tina B – The Prague Contemporary Art Festival, Prague; Giorni Felici, Casa Testori, Novate Milanese (MI), Italia. 2008 Fresh Baked, Barbara Davis Gallery, Houston, TX.




Andrea Bianconi | Mind Over Mind

22 settembre – 5 novembre 2011

opening: 22 settembre ore 18,30

Furini Arte Contemporanea

Roma - Via Giulia, 8

Orari: da mercoledì a venerdì, ore 13-19; sabato, ore 15-19

info: t. +39 06 68307443, info@furiniartecontemporanea.it

www.furiniartecontemporanea.it



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RomaArt2Nights

23-25 settembre 2011

www.art2nightsroma.org









Furini Arte Contemporanea
Via Giulia 8, 00186 Roma
ph. +39 06 68307443
mail: info@furiniartecontemporanea.it
website: www.furiniartecontemporanea.it

5 lug 2011

Robert Barta FLY HIGH!, 2011


Robert Barta, NEVER MISS A FLIGHT, 2011, installation view at Grimmuseum, Berlin


Robert Barta, NEVER MISS A FLIGHT, 2011,

Robert Barta, NEVER MISS A FLIGHT, 2011,

"The project FLY HIGH! is based on a form of making a two dimensional piece on paper without actually making it directly.

The fact that during a travel with my car from point A to point B the sheet of paper which is mounted on the wooden construction is covered slowly by FLIES.

After each trip I will write down the date, time needed, average speed, distance driven and average temperature of the day.

As soon as I arrive, the paper will be disattached from the wood and made ready for the next trip. I am also planing to extend the project worldwide where I will be driving (upon request) a certain distance in Brasil for example or in Canada. The construction will be aluminum made and mounted on the car that I will rent in that country for the sake of making an art piece.

After I arrive at a destination I am so excited to unveal the "present“ so I jump out of my car as it would be Christmas Eve and want to see the result of the driven hours on a highway.

Each paper is Fabriano T.W.Tistico 300g/m and 28 x 38 cm, and it is custom framed into a walnut color frame."

Robert Barta

27 apr 2011

ANDREA BIANCONI

ANDREA BIANCONI, testi di Renato Miracco, David Galloway, Andrea Bianconi, Oliver Orest Tschirky, Luigi Meneghelli / pag. 104 /ed. Charta

TIM ELLIS | Sons of Pioneers a cura di Rita Selvaggio

(PLEASE, SCROLL DOWN FOR ENGLISH VERSION)

Interrogarsi sulle possibilità inespresse del manufatto, alterarne la destinazione originaria con l’intenzione di ripensarne il valore e la funzione, mettendo in evidenza il processo che porta un oggetto trovato ad appropriarsi di un differente valore culturale.
La pratica di Tim Ellis si basa sulla giustapposizione di materiali e oggetti culturalmente diversi tra loro e ne interpella sia il loro valore formale che la loro finalità originale, forzando lo sguardo ad interrogarsi su questioni relative alle nozioni di funzionalità, autorialità e display. Attraverso relazioni mentali e alterazioni impercettibili, il giovane artista inglese dichiara una forma di impegno relativa alla nozione di artefatto e a quella di artificio, al principio di creatività e di serialità.

Il titolo della mostra si riferisce all’idea dell’essere minacciati dal peso della storia, mentre il percorso espositivo si svolge come se fosse una proposta per l’inizio di una nuova ideologia. Sia la scultura che la pittura - modelli, trofei e testimoni di qualcosa di più grande - focalizzano la loro tensione su quella congiuntura in bilico perenne tra il fatto e l’oggetto storico, tra la sua fabbricazione e la sua diffusione, suggerendo riflessioni sul ruolo dell’artificio all’interno del processo di produzione di senso.

La pittura in quest’occasione usa il medesimo identico emblema, una sorta di monumento iconico o costruzione totemica che varia cromaticamente a seconda delle stagioni e delle ore del giorno e così facendo si oppone all’inevitabile corrosione del tempo. Questi lavori continuano la serie pittorica numerata progressivamente e raccolta sotto il titolo di “United in Different Guises”. Proponendo una doppia funzione, sia di ruolo rappresentativo che comunicativo, all’origine di questo immaginario c’è una volontaria fusione di segnaletica e di design, una strategia visiva che viene poi ricomposta e codificata sotto un’apparenza più genericamente simbolica. Attraverso espedienti tecnici quali la piegatura del supporto, la graffiatura e il progressivo e graduale invecchiamento della superficie e del colore, la pittura stessa si trasforma in un avvicendamento di enunciati funzionali. Ciò che viene concesso allo sguardo è alla fine un oggetto che mette in discussione le nozioni di simbolismo e autenticità permettendo che l’immagine finale vada oltre i confini della pittura stessa.

Wondering about the unexpressed possibilities of the artefact, altering the purpose to which it was originally put with the intention of reassessing its value and function, bringing out the process that leads a found object to take on a different cultural value.
Tim Ellis’s practice is based on the juxtaposition of culturally different materials and objects and probes both their formal value and their original purpose, obliging the viewer to raise questions about notions of functionality, authorship and display. Through mental relations and the imperceptible alteration of forms, the young English artist declares a sort of relative commitment to the concept of artefact and that of artifice, to the principle of creativity and seriality.

The title of the exhibition refers to the idea of being threatened by the weight of history, while it is laid out as if it were a proposal for the beginning of a new ideology. Both sculpture and painting - models, trophies and testimonies to something bigger - focus their tension on that juncture in perennial balance between the fact and the historical object, between its manufacture and its distribution, suggesting reflections on the role of artifice within the process of production of meaning.

On this occasion the paintings use exactly the same emblem, a sort of iconic monument or totemic construction whose colour varies with the season and the time of day, and in this way opposes the inevitable ravages of time. These works continue the series of progressively numbered paintings grouped under the title United in Different Guises. Proposing as they do a dual function, with a role of representation as well as communication, at the root of their imagery lies an intentional fusion of signs and design, a visual strategy that is then recomposed and codified under a more generically symbolic appearance. Through technical devices such as the bending of the support, the scratching and the progressive and gradual aging of the surface and the colour, the painting itself is transformed into a succession of functional propositions. What is offered to the gaze is in the end an object that brings into question the notions of symbolism and authenticity, allowing the final image to go beyond the confines of painting itself.

Biografia – Tim Ellis (Chester, 1981) vive e lavora a Londra. Si è formato presso la Royal Academy Schools (Londra, 2006-09) e presso la Liverpool School of art (Liverpool, 2000-03). Mostre personali: 2011, The Tourist, Spacex, Exeter, Inghilterra; 2010, A Foundation For Exchange, Primopiano, Lugano, Svizzera. Fra le mostre collettive: 2010, Newspeak, British Art Now, Saatchi Gallery, Londra; 2009, New Sensation, The Rochelle School, Londra; 2008, Premiums, The Royal Academy, Londra; 2006, Half cut for Confidence, Indipendence, Liverpool Biennal; 2005, The Jerwood Drawning Prize, The Jerwood Space, Londra.Il suo lavoro è inserito nella collettiva Secret Societies prossimamente presso la Schirn Kunsthalle di Francoforte (23 giugno-25 settembre 2011) e successivamente al CAPC di Bordeaux.


Tim Ellis | Sons of Pioneers
4 maggio – 16 luglio 2011
Opening: 4 maggio, alle ore 18,30
Furini Arte Contemporanea, Via Giulia 8, Roma
Orari: da mercoledì a venerdì, ore 13-19; sabato, ore 15-19
Info: +39 06 68307443, info@furiniartecontemporanea.it
website: www.furiniartecontemporanea.it

25 feb 2011

FuriniArteContemporanea | Newsletter | FEB 2011

ANDREA BIANCONI

Kunsthal Charlottenborg - Copenhagen

The Spring Exhibition 2011

March 5 - April 25 2011
preview March 3, 8-11pm

Kunsthal Charlottenborg
Nyhavn 2, 1051 Kobenhavn K
T. +45 33 36 90 50
www.kunsthalcharlottenborg.dk





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ANDREA BIANCONI

MARAYA ART CENTRE - Sharjah, UAE

AL-GHAIB: Aesthetics of the D I S A P P E A R A R A N C E
curated by Serena Gaia Simionati

March 15-June 1, 2011
Double opening: March 14 and March 18, 2011

With a 120 page, trilingual catalogue Arabic, Italian and English
will be published by Silvana Editoriale.

Maraya Art Centre - Al Quasba
Al Taawun Road, Sharjah, United Arab Emirates
http://www.qaq.ae/art-gallery.aspx


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WILLIAM COBBING

Herzliya Museum of Contemporary Art

Body Gestures

February 12 - May 28, 2011

Herzliya Museum of Contemporary art, 4 Ha'banim St., Herzliya 46379

Tuesday, Thursday 16:00-20:00
Monday, Wednesday, Friday, Saturday 10:00-14:00
Sunday - closed
Entrance fee 10 NIS
Guided tours and creative workshops by special appointment:
Sun.-Thurs. 9:00-13:00
Tel.: +972-9-9500762
info@herzliyamuseum.co.il
www.herzliyamuseum.co.il
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Review:
WILLIAM COBBING in ARTFORUM
by Marco Tagliafierro
January 2011 issue
p. 238-9

read the review








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MARLON DE AZAMBUJA

The Draughtsman’s Contract

Sandra Recio - Geneve (Swiss)

opening March 3 2011










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GABRIEL HARTLEY

Running at FuriniArteContemporanea - Roma

Crimping

curated by Rita Selvaggio

February 12 - April 23, 2011



Furini Arte Contemporanea
Roma - Via Giulia 8, T. +39 06 68307443
info@furiniartecontemporanea.it - www.furiniartecontemporanea.it

16 feb 2011


Gabriel Hartley / Crimping / curated by Rita Selvaggio / Feb 12 - Apr 23 2011

10 feb 2011

GABRIEL HARTLEY | CRIMPING (works)

GABRIEL HARTLEY

RECLINER

2010

Plaster, paint, paper

110 x 49 x 56 cm. (43.3 x 19.3 x 22 in.)

(photo Andy Keith)

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GABRIEL HARTLEY

#12 NASH

2010

Plaster, fibre glass, paper, tennis ball

39 x 38 x 53 cm. (15.4 x 15 x 20.9 in.)

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

# 125 TRIP

2010

Wood veneer, paint, resin

39 x 30 x 47 cm. (15.4 x 11.8 x 18.5 in.)

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

WAKE

2010

Oil and spray paint on canvas

40.5 x 50.5 cm.

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

SWEEP

2010

Oil and spray paint on canvas

40.5 x 50.5 cm.

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

SOUP

2010

Oil and spray paint on canvas

91.5 x 101.5 cm. (36 x 40 in.)

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

RUNE

2010

Spraypaint on canvas

76 x 61 cm.

(photo Daniel Hewitt)


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GABRIEL HARTLEY

REAM

2010

Oil and spray paint on canvas

41 x 30.5 cm.

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

PLEAT

2010

Oil and spraypaint on canvas

76 x 61 cm.

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

LAPEL

2010

Oil and spray paint on canvas

76 x 61 cm.

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

KEY

2010

Oil and spray paint on canvas

41 x 33 cm.

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

COIL

2010

Oil and spray paint on canvas

60.5 x 50 cm.

(photo Daniel Hewitt)
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GABRIEL HARTLEY

CAGE

2010

Oil and spraypaint on canvas

76 x 61 cm.

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

BRUME

2010

Oil and spray paint on canvas

41 x 33 cm.

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

BRAND

2010

Oil and spray paint on canvas

36 x 26 cm.

(photo Daniel Hewitt)
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GABRIEL HARTLEY

AVENUE

2009

Oil and spraypaint on canvas

26 x 36 cm.

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

UNTITLED, 2010

Oil and spray on canvas

76 x 61 cm.

(photo Daniel Hewitt)

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GABRIEL HARTLEY

UNTITLED, 2010

Oil and spray on canvas

76 x 61 cm

(photo Daniel Hewitt)
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GABRIEL HARTLEY

KERF, 2010

Oil and spray on canvas

25,5 x 30,5 cm


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GABRIEL HARTLEY

TABLET, 2010

Oil and spray on canvas

35,5 x 46 cm


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GABRIEL HARTLEY

TALUS, 2010

Oil and spray on canvas

42 x 56,5 cm


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GABRIEL HARTLEY

TIRE, 2010

Oil and spray on canvas

42 x 56,5 cm










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GABRIEL HARTLEY

CHIP

2010

Oil and spray on canvas

25,5 x 20,5 cm










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GABRIEL HARTLEY | CRIMPING FEB 12-23 APR 2011 curated by Rita Selvaggio
Furini Arte contemporanea - Roma
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