Edward Thomasson, Find A Problem To Solve, 2008, video for projection, 8:30 mins

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FURINI ARTE CONTEMPORANEA / ART ROTTERDAM 2012

(English below)

Per la sua prima partecipazione ad Art Rotterdam – New Art Section, FURINI ARTE CONTEMPORANEA è lieta di presentare un progetto dell’artista brasiliano Marlon de Azambuja.

L’intervento, parte della serie OPERATION, consiste nel coprire completamente una parete dello spazio espositivo con stickers adesivi nei loro fogli originali e, con un apparentemente minimo intervento nell’ordine di disposizione di alcuni stickers, ottenere il massimo effetto nella partecipazione visiva dello spettatore, trattandosi di un profondo lavoro sulla percezione. Questo disordine intende creare uno spazio scomodo alla vista dell’osservatore, una sensazione che le cose siano fuori posto, in modo da permettere una riflessione su come un semplice gesto possa generare tale confusione visiva. Questo progetto è parte della più ampia produzione di Marlon de Azambuja, fondata sulla ricerca di forme presenti nella realtà ma non direttamente riconoscibili, quindi nella valorizzazione di elementi dati per scontati fino a divenire invisibili. Questo aspetto è così proiettato sul processo mentale relativo a concetti e idee.

OPERATION è un diverso approccio ai temi sviluppati da marlon de Azambuja: il contesto, l’individuo nel suo spazio, la sintesi del complesso, l’analisi delle parti nell’intero e la loro sinergia, il cambio di significato e la percezione con il minimo gesto oltre alla nuova identità che nasce da una precedente, solo per mezzo di un’idea suggerita. La serie Operations è fra i più nuovi approdi, più sottile, ma sempre forte.

Il lavoro di Marlon de Azambuja si realizza usando diversi mezzi come la fotografia, il video, l’installazione, l’intervento, la scultura, il disegno senza limiti, perché considera ogni linguaggio possibile per la comunicazione. E’ a favore di un’arte popolare, fatta di materiali comuni e semplici come nastro adesivo, carta, stampa, foto, inchiostro, per promuovere e diffondere l’idea di nuovo linguaggio devoto alla comunicazione senza usare luoghi comuni, solo mostrando le idee in modi diversi da come ci aspettiamo. Quindi, nuove identità prodotte da nuovi linguaggi per creare l’idea che abbiamo in mente ma che è già dimenticata, o impossibile da esprimere perché nella nostra memoria profonda. Parte da una visione reale per sollecitare una visione mentale, causando un’emozione e generando il senso dell’idea. Questo tipo di processo non finisce dopo il confronto con l’opera d’arte, ma continua a generare forme, oggetti, idee nella mente dello spettatore, così come il nuovo linguaggio continua la sua traduzione in contesti differenti.

Talvolta con grandi interventi (Potencial Escultorico che creano nuove forme nel contesto urbano o in spazi pubblici usando nastro adesivo colorato), altre con oggetti reali (Tate Modern 2010-2011, New Museum 2010, gabbie con la forma di architetture museali per sottolineare la rilevanza del contenitore sul contenuto), o disegnando su immagini dell’arredo urbano per creare nuove figure collegando elementi dello spazio (Metaesquema) dove, con il passare del tempo, le immagini di sfondo sbiadiranno, ma non le nuove presenze ad inchiostro.

Parte della nuova produzione sono i collages su carta Nuovo Ampliamento e i disegni su carta Nuevos Barrios, brillanti consideazioni sull’architettura, i suoi simboli e metodi, e l’espansione edilizia con i suoi effetti sull’aspetto urbano.

For its first participation at Art Rotterdam, FURINI ARTE CONTEMPORANEA is delighted to present a project by Brazilian artist Marlon de Azambuja. The intervention from the Operation series consists in completely covering a wall of the exhibition space with adhesive stickers in their original sleeves and, by an apparently minimum intervention on the ordered placement of some stickers, to obtain the maximum effect on the observer’s visual participation, being about a deep work on the perception. This disorder intends to create an uncomfortable space in the viewer's sight, a sensation that things are out of place, thus allowing the reflection on how one simple gesture can generate such visual chaos. This project is part of the Marlon de Azambuja larger production, founded on the research of forms present in the reality yet not straight recognizable, thus on the exploitation of elements taken for granted so as to become invisible. This aspect is then projected onto the mental process related to concepts and ideas. Operation is a different approach to the themes developed by Marlon de Azambuja: the context, the individual in its space, the synthesis of the complex, the analysis of the parts on the whole and their synergy, the change of the meaning and the perception with a minimal gesture besides the new identity born from an old one, just by a suggested idea. The Operation series is one of the latest landfall, subtler but strong nonetheless. The Marlon de Azambuja’s work comes into its own using different media such as photography, video, installation, intervention, sculpture, drawing without any limits, because he feels that every language is able to convey an idea. He is in favour of a popular art, made by common and simple materials such as coloured adhesive tapes, paper, print, photo and ink, to promote and diffuse the idea of a new language devoted to the communication without using commonplaces, just showing the ideas in a different way we expect them. Therefore, new identities made by new languages to shape the idea we have in our mind but already forgotten, or impossible to express because too deeply hidden in our memory. He starts from the real vision to urge a mental view, causing an emotion and generating the sense of the idea. This kind of process doesn’t stop after the comparison with the artwork but continues to generate forms, objects, ideas in the viewer’s mind, such as the new language keeps its translation in different contexts. Sometimes with big interventions, like Potencial Escultorico, creating new forms in the urban contest or in public spaces using coloured adhesive tape; others with real objects (Tate Modern 2010-2011, New Museum 2010, cages with the form of museum architectures to underline the relevance of the container on the content), or drawing on urban environment pictures to make new figures linking elements of the space (Metaesquema) where, as time is passing by, the images in the background will fade, but not the new ink works. Part of the new production are the collages on paper Nuovo Ampliamento and the drawings on paper Nuevos Barrios, clever considerations on architecture, its symbols and methods, and the building expansion with its effects on the urban look.

EDWARD THOMASSON // Find A Problem To Solve

21 Gennaio – 3 Marzo 2012

opening 20 Gennaio ore 18,30

Roma - Via Giulia 8

Edward Thomasson, Find a Problem To Solve, video for projection, 8min 30 sec, 2008, Edition of 3+1 A.P.

(English version below)

Furini Arte Contemporanea è lieta di annunciare la prima mostra personale in Italia dell’artista britannico Edward Thomasson (1985 - Staffordshire, vive e lavora a Londra) che include il video Find A Problem To Solve, 2008, e una serie di disegni dal titolo Voluntary Working Relationships, 2010-2011. Il lavoro di Thomasson si focalizza sul sistema dei rapporti fra gli individui in gruppo, spostando il punto di vista fra l’interno e l’esterno dei personaggi, muovendosi fra le menti e i corpi.

Attraverso un’accurata e critica osservazione del comportamento, Thomasson identifica espressioni del volto e pose specifiche e isola i movimenti degli individui in gruppo, un processo che inizialmente viene esplorato nelle serie di disegni. Queste osservazioni divengono in seguito il fondamento per i suoi video narrativi che, interpretati da attori, sono tutti riferiti a come gli individui partecipano alle attività di gruppo, intese come occasione per affermare a se stessi che c’è qualcosa oltre i limiti del loro stesso corpo.

Anche la musica ha un ruolo centrale nella costruzione dei suoi video. Edward Thomasson scrive i testi per le canzoni che, eseguite dagli stessi attori dei video, diventano parte dell’azione. Filmati in stanze indefinibili che rimandano a sale d’aspetto, centri di terapia o aree ricreative, e set costruiti che somigliano a semplificati spazi interni o esterni, i lavori narrativi di Thomasson ripropongono strategie e meccanismi comuni alle azioni televisive, a video informativi e musical.


Furini Arte Contemporanea is pleased to present the first solo-show in Italy by British artist Edward Thomasson (1985 - Staffordshire, lives and works in London). The show includes the video Find a Problem To Solve, 2008, and a series of drawings entitled Voluntary Working Relationships, 2010-2011. Thomasson’s work focuses on relationships formed between individuals in groups, shifting the point of view between the inside and outside of these individuals, moving between their minds and their collected bodies.
Through a careful and critical observation of behaviour, Thomasson identifies specific facial expressions and poses and isolates movements of individuals within a group, a process that is first explored in the drawing series. These observations later become the foundation of his narrative video works. These videos, which are performed by actors, all look at how individuals engage in group activities as a way of affirming to themselves that there is something behold the limits of their own bodies.
Music also plays a central role in his video’s construction. Edward Thomasson writes the lyrics for the songs that are performed by the actors in the videos and become a part of the action. Filmed in non-descript rooms that refer to community halls, therapy or leisure centres, as well as constructed sets that resemble simplified indoor and outdoor spaces, Thomasson’s narrative works re-enact strategies and mechanisms common to television plays, instructional videos and musicals.

BIO Edward Thomasson studied an MA at the Slade School of Fine Art and a BA at Chelsea College of Art and Design, London. Recent exhibitions include: 2011 One Another’s Company, IMT Gallery, London; Tank.tv, London. 2010 Bloomberg New Contemporaries, The A Foundation, Liverpool, touring to ICA, London; The Life Room, CHELSEA Space, London. Recent screenings: 2011 Movie Night Vol. 4: Global House Screenings, Kunsthalle Gwangju, Korea; Tomorrow's World, Nutbrook Studios, London. 2010 Should I Stay or Should I Go? A question rehearsed by RUN, CHELSEA Space, London. Recent collaborative Performances with Lucy Beech: 2011 Twist, IMT Gallery, London; 7 Year Itch, More Soup and Tart, Barbican Theatre, London; Human Resources, Platform One, Bloomsbury Theatre, London; He is currently on a residency organised by SPACE and South London Gallery which culminates in an exhibition at South London Gallery in March 2012.

MARLON DE AZAMBUJA / Nuevos Barrios / view of the show

William Cobbing / The Agony of Water /

Partendo da una sensibilità scultorea, i lavori di William Cobbing (nato a Londra nel 1974, dove vive e lavora) comprendono il video, la fotografia, l'installazione e la performance. I suoi personaggi sono spesso rappresentati come fusi con l'architettura circostante, come estensioni di tubature, o sepolti da strati di argilla o cemento, con cui lottano assurdamente per districarsene. Cobbing fa calchi di membra umane e li installa in modo da farli sembrare intrappolati nell'architettura, presentando il corpo come traccia, come vestigia di qualcosa che è stato. Questi lavori alludono al concetto di entropia e, sottolineando fino a che punto il materiale terreno è irreversibilmente disperso, provocano un offuscamento dei contorni fra il corpo e il paesaggio lasciando sospesa ogni possibile attribuzione di significato.Cobbing ha realizzato una serie di video in cui i personaggi, coperti di argilla bagnata e glutinosa, massaggiano la materia sulle loro teste o sono interamente incassati in essa. In questi lavori i contorni del corpo sono interrotti, suggerendo un'ambiguità abietta fra il corpo e il relativo ambiente circostante. Facendo riferimento alle idee espresse da Sartre sul “vischioso”, questi esseri d’argilla fondono le idee di fisico e psichico, con la materia ridotta ad una condizione ibrida fra liquido e solido. Allo stesso modo, l’azione di massaggiare l'argilla produce sensazioni contrastanti di sensualità e soffocamento.

Starting from a sculptural sensibility artworks by Cobbing (born London 1974, where he lives and works) encompass a diverse range of media, including video, installation and performance. People are often depicted as being fused with the surrounding architecture, as extensions of the plumbing, or buried under layers of clay or concrete, from which they absurdly struggle to extricate themselves. Cobbing makes life casts of human limbs, installing them to look like they are trapped in the architecture, presenting the body as a trace, a vestige of what it had once been. These works allude to the concept of entropy and, underlining the extent to which earthly material is irreversibly dispersed, they give rise to a definitive blurring of the boundaries between the body and the landscape and put any possibility of meaning on hold.
Cobbing has made a series of videos in which people are covered in glutinous wet clay, massaging the material on their heads, or being entirely encased in it. In these works the discrete boundaries of the body are disrupted, suggesting an abject ambiguity between the body and its immediate environment. Referencing Sartre’s ideas of ‘slime’ (le visqueux), these clay beings fuse ideas of the physical and psychic, with the material being caught in a hybrid state between liquid and solid. Similarly, massaging the clay produces opposing sensations of sensuousness and suffocation.

William Cobbing
'The Agony of Water'
2011
Single channel video
03:44 mins
with sound

FAIRS

Feb 9-12 2012 / Art Rotterdam /

Furini Arte Contemporanea presents Marlon de Azambuja's solo show.

Marlon de Azambuja / Nuevos Barrios

a cura di Antonio Arévalo

18 novembre 2011 – 14 gennaio 2012
opening 18 novembre 2011 ore 18,30


(English version below)


In Nuevos Barrios di Marlon de Azambuja (1978, Santo Antônio da Patrulha - Brasile, vive e lavora a Madrid) lo spettatore incontra due nuovi gruppi di lavoro che l’artista brasiliano ha prodotto specificatamente per la mostra da Furini Arte Contemporanea. Mantenendo invariato il suo originale linguaggio espressivo, disegni e sculture costituiscono un’articolata meditazione su elementi sociali attraverso elaborazioni visive ed estetiche di concetti condivisi, modificando e alterando dettagli per evidenziarne punti deboli, limiti, vie di fuga e nuove prospettive. Nel complesso la mostra è una riflessione sullo scenario del nostro tempo, oltre ad alludere a questioni sul potere, sull’architettura e sull’uso di certi strumenti per la costruzione dell’identità.
La scultura dal titolo National Question consiste in due bandiere, una dell’Italia e una dell’Unione Europea, intrappolate nella loro posizione da un blocco di cemento. L’incapacità di queste bandiere di distendersi completamente e sventolare e il confronto fra il Paese e la sua Comunità, sollevano questioni sul difficile momento in cui viviamo, il nazionalismo, la crisi e la difficoltà di esercitare la sovranità senza chiudere le porte ai paesi vicini. La seconda parte della mostra è un gruppo di disegni inchiostro su carta in cui l’artista ha usato sagome architettoniche per trasformarle in serie di edifici, ricordandoci le costruzioni dei quartieri, specialmente quelli dei regimi autoritari.

In Nuevos Barrios by Marlon de Azambuja (1978, Santo Antônio da Patrulha - Brazil, lives and works in Madrid) the viewer encounters two new groups of works that the Brazilian artist made especially for this exhibition at Furini Arte Contemporanea. Keeping unvaried his original expressive language, drawings and sculptures set up an articulated meditation on social elements throught visual and aesthetic elaborations of common concepts, modifying and altering details to highlight weack spots, limits, ways of escape and new possibilities. The show as a whole is a reflection on the setting of our time, besides discussing questions surrounding power, architecture, and the use of certain tools for the construction of identity. The sculpture titled National Question consists of two flags, one of Italy and one of the European Union, trapped in their hoisted position by cement blocks. The inability of these flags to be completely lifted and the confrontation between the country and the community, raises questions about the difficult time in which we live, nationalism, crises, and the difficulty of exercising sovereignty without closing the door on neighboring countries.The second part of the exhibition is a group of ink on paper drawings, in which the artist used architectural templates to transform them into a series of buildings, reminding us of the constructions of neighborhoods, especially those in authoritarian regimes.


Bio Fra le mostre personali: 2011 Grand Façade at Max Estrella Gallery in Madrid, Spain; Street Press at Marilia Razuk Gallery in Sao Paulo, Brazil; Construction of the Icon, at the CAAM (Atlantic Center of Modern Art) in Las Palmas de Gran Canaria, Spain; 2010 Levels, at Casal Solleric in Palma de Mallorca, Spain; 2009 Movimento Concreto, at Furini Arte Contemporanea in Rome, Italy; Modern Project, at Luisa Strina Gallery in Sao Paulo, Brazil; Sculptural Potential, at Matadero in Madrid, Spain. Fra le mostre collettive: 2011 11th Cuenca Biennale in Cuenca, Ecuador; 8th Mercosul Biennale in Porto Alegre, Brazil; The Draughtsman’s Contract at Studio Sandra Recio in Geneva, Switzerland; 2010 12th Cairo Biennale; Kierkegaard's Walk at Marilia Razuk Gallery in Sao Paulo, Brazil; Synergies, at the MEIAC & MACUF in Badojoz and A Coruña, Spain, respectively; Un-Inhabitable, at the Spanish Cultural Center in Lima, Peru; 2008 Building, Dwelling, Thinking - Strategies for Contemporary Art & Architecture at the IVAM in Valencia, Spain; 2006 I Bienal del Fuego in Caracas, Venezuela.

link

00186 Roma - Via Giulia 8
tel. +39 06 68307443
orari: merc/ven 13-19; sab 15,30-19,30
info@furiniartecontemporanea.it
furiniartecontemporanea.it

ANDREA BIANCONI | MIND OVER MIND views of the show

ANDREA BIANCONI | MIND OVER MIND

FURINI ARTE CONTEMPORANEA

Andrea Bianconi | Mind Over Mind
22 settembre - 5 novembre 2011
Furini Arte Contemporanea - Roma
opening 22 settembre 2011 ore 18,30

sabato 24 settembre ore 17, in occasione di Roma Art 2Nights, verrà presentato Andrea Bianconi. Living (A Charmed Life)" con la presentazione di Luigi Meneghelli


Mind Over Mind, inchiostro su carta, 88 x 64 cm, 2011


(please, scroll down for English version)

In Mind Over Mind l'intimismo del lavoro di Andrea Bianconi (Arzignano - 1974, vive e lavora fra New York e Vicenza), sfugge all'arrovello psichico autoreferenziale per divenire un osservatorio sulle dinamiche dell'introspezione in rapporto all'osservazione dell'altro.

Il nero è l'elemento di raccordo tra i lavori esposti, che comprendono disegni a inchiostro su carta e installazioni in legno e metallo verniciati: esso nasconde ciò che non conosciamo, mentre le inquietudini si aprono toccando un ambiguo senso di appartenenza ed estraneità.

Sia le installazioni che i disegni rompono la loro unità formale: tutto si dirama nello spazio come un segno e si parla di “sculture disegnate” e “disegni scritti”, superando agilmente le differenze fra linguaggi.

Traps for Clouds cade dal soffitto come un groviglio di linee metalliche, tentando di racchiudere ciò che non può essere racchiuso, come in Multiplicity of One, dove gli elementi si sviluppano come cerchi concentrici alludendo a frammentazioni e confini instabili.

Le installazioni sono prima di tutto costruzioni mentali che ci riportano ai contrasti umani, alle certezze in cui ci si rifugia, ai pregiudizi in cui ci si nasconde, ma anche al superamento di sé verso l'altro. I disegni, Hand e Home, innescano una continuità dove la parola richiama l'altra parola e l'immagine si apre all'altra immagine, incatenando sequenze di pensieri sul foglio.

È impossibile stabilire se tutto ciò avvenga nel segno dell'esplosione o dell'implosione, della protezione o della prigionia (come in Face): tutte le possibilità sono aperte in un processo dall'andamento ciclico, in un insieme di itinerari connessi dove i vari soggetti sono immersi come in un corpo unico, come in Hands Over Mind, Trip Over Mind e Air Over Mind.

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Avoiding a self-referential racking of the brain, in Mind Over Mind the intimism of Andrea Bianconi’s work is an observatory of the dynamics of introspection in relation to the observation of the other.

Black is the element linking the works on display, which include drawings in pen and ink on paper and installations in painted wood and metal: it conceals what we do not know, while anxieties open up, touching an ambiguous sense of belonging and extraneousness.


Both the installations and the drawings break down their formal unity. It would be better to speak of ‘drawn sculptures’ and ‘written drawings’, i.e. of the necessity for a nimble passage between languages that overcome their differences.

Traps for Clouds hangs from the ceiling like a tangle of metallic lines, attempting to enclose what cannot be enclosed, placing itself farther along towards an exact opposite that expands constantly, as in Multiplicity of One, where the elements spread out like concentric circles, alluding to fragmentations and unstable boundaries.

The installations are first of all mental constructions that call our attention back to human conflicts, to the certainties in which we take refuge, to the prejudices behind which we hide, but also to the way it is possible to go beyond the self and move towards the other, caught in the process of multiplication. The drawings, Hand and Home, trigger a continuity where one word calls to mind the other word and one image opens up to the other image, chaining sequences of thoughts to the sheet.

It is impossible to establish whether everything takes place in the name of explosion or implosion, of protection or imprisonment (as in Face): all possibilities are open in a process that is cyclic, in a set of connected routes where the various subjects appear to be immersed in a single body, as in Hands Over Mind, Trip Over Mind and Air Over Mind.



BIO Fra le mostre personali: 2011 Living (A Charmed Life), Ambasciata d’Italia a Washington D.C.; The Chinese Umbrella Hat Project (PartII), Piazza San Marco, durante la 54 Biennale di Venezia. 2010 The Chinese Umbrella Hat Project (PartI), performance a Wujiang Rd West NanJing Rd, Shanghai; A Charmed Life, Barbara Davis Gallery, Houston TX; You Always Go Down Alone, Vernon Projekt, Prague 2009 Sapere non Sapere, Casa Gallo – Palazzo Brusarosco Zaccaria, Vicenza 2007 Pony Express – Barbara Davis Gallery, Houston TX 2005 Bodyguard, Furini Arte Contemporanea, Arezzo. Fra le mostre collettive: 2011 Cool Stories For When The Planet Gets Hot III, Swiss Architecture Museum (S AM), Basel, CH; AL-GHAIB, Aesthetics of the Disappearance, Maraya Art Center, Sharjah, Emirati Uniti; The Spring Exhibition, Kunsthal Charlottenborg, Copenhagen. 2010 Uno sguardo senza peso, Palazzo Piazzoni-Parravicini, Vittorio Veneto, TV, Italia; Elevated, Rottet Studio, Los Angeles; Cluster, Barbara Davis Gallery, Houston, TX. 2009 Istant Book – Italian Artists New York, ISCP, Brooklyn, NY; Sound of A charmed Life (performance) Tina B – The Prague Contemporary Art Festival, Prague; Giorni Felici, Casa Testori, Novate Milanese (MI), Italia. 2008 Fresh Baked, Barbara Davis Gallery, Houston, TX.




Andrea Bianconi | Mind Over Mind

22 settembre – 5 novembre 2011

opening: 22 settembre ore 18,30

Furini Arte Contemporanea

Roma - Via Giulia, 8

Orari: da mercoledì a venerdì, ore 13-19; sabato, ore 15-19

info: t. +39 06 68307443, info@furiniartecontemporanea.it

www.furiniartecontemporanea.it



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RomaArt2Nights

23-25 settembre 2011

www.art2nightsroma.org









Furini Arte Contemporanea
Via Giulia 8, 00186 Roma
ph. +39 06 68307443
mail: info@furiniartecontemporanea.it
website: www.furiniartecontemporanea.it

Robert Barta FLY HIGH!, 2011

Robert Barta, NEVER MISS A FLIGHT, 2011, installation view at Grimmuseum, Berlin


Robert Barta, NEVER MISS A FLIGHT, 2011,

Robert Barta, NEVER MISS A FLIGHT, 2011,

"The project FLY HIGH! is based on a form of making a two dimensional piece on paper without actually making it directly.

The fact that during a travel with my car from point A to point B the sheet of paper which is mounted on the wooden construction is covered slowly by FLIES.

After each trip I will write down the date, time needed, average speed, distance driven and average temperature of the day.

As soon as I arrive, the paper will be disattached from the wood and made ready for the next trip. I am also planing to extend the project worldwide where I will be driving (upon request) a certain distance in Brasil for example or in Canada. The construction will be aluminum made and mounted on the car that I will rent in that country for the sake of making an art piece.

After I arrive at a destination I am so excited to unveal the "present“ so I jump out of my car as it would be Christmas Eve and want to see the result of the driven hours on a highway.

Each paper is Fabriano T.W.Tistico 300g/m and 28 x 38 cm, and it is custom framed into a walnut color frame."

Robert Barta