Gabriel Hartley / Crimping / curated by Rita Selvaggio / Feb 12 - Apr 23 2011
10 feb 2011
GABRIEL HARTLEY | CRIMPING (works)
GABRIEL HARTLEYRECLINER
2010
Plaster, paint, paper
110 x 49 x 56 cm. (43.3 x 19.3 x 22 in.)
(photo Andy Keith)
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GABRIEL HARTLEY#12 NASH
2010
Plaster, fibre glass, paper, tennis ball
39 x 38 x 53 cm. (15.4 x 15 x 20.9 in.)
(photo Daniel Hewitt)
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GABRIEL HARTLEY# 125 TRIP
2010
Wood veneer, paint, resin
39 x 30 x 47 cm. (15.4 x 11.8 x 18.5 in.)
(photo Daniel Hewitt)
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GABRIEL HARTLEYWAKE
2010
Oil and spray paint on canvas
40.5 x 50.5 cm.
(photo Daniel Hewitt)
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GABRIEL HARTLEYSWEEP
2010
Oil and spray paint on canvas
40.5 x 50.5 cm.
(photo Daniel Hewitt)
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GABRIEL HARTLEYSOUP
2010
Oil and spray paint on canvas
91.5 x 101.5 cm. (36 x 40 in.)
(photo Daniel Hewitt)
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GABRIEL HARTLEYRUNE
2010
Spraypaint on canvas
76 x 61 cm.
(photo Daniel Hewitt)
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GABRIEL HARTLEYREAM
2010
Oil and spray paint on canvas
41 x 30.5 cm.
(photo Daniel Hewitt)
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GABRIEL HARTLEYPLEAT
2010
Oil and spraypaint on canvas
76 x 61 cm.
(photo Daniel Hewitt)
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GABRIEL HARTLEYLAPEL
2010
Oil and spray paint on canvas
76 x 61 cm.
(photo Daniel Hewitt)
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GABRIEL HARTLEYKEY
2010
Oil and spray paint on canvas
41 x 33 cm.
(photo Daniel Hewitt)
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GABRIEL HARTLEYCOIL
2010
Oil and spray paint on canvas
60.5 x 50 cm.
(photo Daniel Hewitt)
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GABRIEL HARTLEYCAGE
2010
Oil and spraypaint on canvas
76 x 61 cm.
(photo Daniel Hewitt)
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GABRIEL HARTLEYBRUME
2010
Oil and spray paint on canvas
41 x 33 cm.
(photo Daniel Hewitt)
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GABRIEL HARTLEYBRAND
2010
Oil and spray paint on canvas
36 x 26 cm.
(photo Daniel Hewitt)
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GABRIEL HARTLEYAVENUE
2009
Oil and spraypaint on canvas
26 x 36 cm.
(photo Daniel Hewitt)
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GABRIEL HARTLEYUNTITLED, 2010
Oil and spray on canvas
76 x 61 cm.
(photo Daniel Hewitt)
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GABRIEL HARTLEYUNTITLED, 2010
Oil and spray on canvas
76 x 61 cm
(photo Daniel Hewitt)
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GABRIEL HARTLEYKERF, 2010
Oil and spray on canvas
25,5 x 30,5 cm
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GABRIEL HARTLEYTABLET, 2010
Oil and spray on canvas
35,5 x 46 cm
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GABRIEL HARTLEYTALUS, 2010
Oil and spray on canvas
42 x 56,5 cm
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GABRIEL HARTLEYTIRE, 2010
Oil and spray on canvas
42 x 56,5 cm
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GABRIEL HARTLEYCHIP
2010
Oil and spray on canvas
25,5 x 20,5 cm
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GABRIEL HARTLEY | CRIMPING FEB 12-23 APR 2011 curated by Rita Selvaggio
Furini Arte contemporanea - Roma
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21 gen 2011
GABRIEL HARTLEY | CRIMPING curated by Rita Selvaggio
All’origine della scultura c’è un foglio spiegazzato che si muove verso qualcos’altro, fino ad assumere un’altra forma nello spazio. All’origine della pittura c’è invece una materia mossa dalla maestria della mano, un tracciare segni, un moltiplicarsi di strati che rendono visibile il percorso articolato del fare.
Per la sua prima personale in Italia - negli spazi della galleria Furini Arte Contemporanea - Gabriel Hartley (Londra, 1981) propone un percorso che si svolge tra pittura e scultura, mettendo in relazione l’esperienza manuale di un pensiero spontaneo con un vocabolario pittorico che, tra astrazione e figurazione, riporta alla mente artisti come Boccioni, Fautrier, Kirchner o Paul Nash…
Crimping si riferisce all’atto del piegare e suggerisce l’idea di pensieri che si avvolgono su se stessi ma anche un’abilità, un modo di pensare che dialoga con la tradizione e la cultura. I dipinti, quindi, nascono da segni tracciati liberamente che si accorpano tra loro, fino a formare grumi di materia colorata disposti sulla superficie attorno a dei centri di tensione visiva, oppure alludono ad un’espansione oltre il perimetro della tela.
Sia scultura che pittura hanno origine da una concezione aniconica dell’arte. Le figure del mondo e gli oggetti si sono smarriti sottraendosi alla rappresentazione e lasciano nello spazio o sulla superficie pittorica tracce libere dell’indeterminato.
Biografia - Gabriel Hartley (Londra, 1981) si è diplomato al Chelsea College of Art and Design (2005) e alla Royal Academy Schools (2008) a Londra, dove vive e lavora. Mostre personali: Gabriel Hartley, Foxy Production, New York, 2010; Liste 15, Basilea, 2010; Gabriel Hartley, Swallow Street, Londra, 2009. Fra le mostre collettive: Newspeak, Saatchi Gallery, Londra, 2010; Abstract Abstract, Foxy production, New York, 2009; Jerwood Contemporary Painting Prize, Jerwood Space, Londra, 2009; Studio Voltaire Presents, Boltelang, Zurigo, 2009; Royal Academy Schools Summer Show, Royal Academy, Londra, 2008; Bloomberg New Contemporaries, Liverpool, Manchester, Walsall, Londra (2007-2008); Touch, Chelsea Future Space, Londra, 2007.
At the origin of sculpture lies a crumpled sheet of paper that moves towards something else, until it assumes another form in space. At the root of painting, on the other hand, there is a pigment moved by the skill of the hand, a tracing of signs, a multiplication of layers that make visible the complex route of action.
For his first solo exhibition in Italy – in the spaces of the Galleria Furini Arte Contemporanea – Gabriel Hartley (London, 1981) is proposing a journey that takes us between painting and sculpture, connecting the manual experience of a spontaneous thought with a pictorial vocabulary that, between abstraction and figuration, brings to mind artists like Boccioni, Fautrier, Kirchner or Paul Nash...
Crimping refers to the act of folding and suggests the idea of thoughts that wind around themselves, but also an ability, a way of thinking that holds a dialogue with tradition and culture. Thus the paintings are born from freely traced signs that amalgamate, forming clots of coloured material arranged on the surface around centres of visual tension, or alluding to an expansion beyond the edge of the canvas.
Both sculpture and painting arise from a conception of art where the figures of the world and its objects are lost, evading representation, and leave free traces of the indeterminate in space or on the painted surface.
Biography - Gabriel Hartley (London, 1981) lives and works in London. He holds a BA (Hons) in Fine Art from Chelsea College of Art and Design, London (2005), and a Post Graduate Diploma in Fine Art from the Royal Academy Schools, London (2008). Solo exhibition: Gabriel Hartley, Foxy Production, New York, 2010; Liste 15, Basel, 2010; Gabriel Hartley, Swallow Street, London, 2009. Selected group exhibitions: Newspeak, Saatchi Gallery, London, 2010; Abstract Abstract, Foxy production, New York, 2009; Jerwood Contemporary Painting Prize, Jerwood Space, London, 2009; Studio Voltaire Presents, Boltelang, Zurich, 2009; Royal Academy Schools Summer Show, Royal Academy, London, 2008; Bloomberg New Contemporaries, Liverpool, Manchester, Walsall, London (2007-2008); Touch, Chelsea Future Space, London, 2007.
Gabriel Hartley | Crimping
12 febbraio - 23 aprile 2011
opening: 12 febbraio, dalle 12.00 alle 19.00
Furini Arte Contemporanea, Via Giulia 8, Roma
orari: da mercoledì a venerdì, ore: 13.00 - 19.00;
sabato, ore: 15.00 - 19.00
info: +39 06 68307443, info@furiniartecontemporanea.it
website: www.furiniartecontemporanea.it
4 dic 2010
MARCELO CIDADE/pensieri preparatori per Roads Not Taken
Il primo aspetto di Roads not taken riguarda una dicotomia. Un contrasto che nasce dall’impatto creato in me da una città storica come Roma. Una capitale che vive del proprio passato per mantenere la storia come attrazione turistica (la città museo), connivendo con lo sviluppo urbano di ogni giorno e le sue trasformazioni.
Questa caratteristica di Roma si manifesta in un modo assolutamente distintivo e unico rispetto a San Paolo. Mentre la capitale italiana sembra aver bisogno di rimanere quasi congelata nel tempo, con tutti i suoi continui bisogni di ristruttutazione e i suoi apparati, San Paolo è in costante cambiamento. Secondo me le due città sono rovine del contrasto.
Per questo motivo, acquista un senso continuare a chiedersi dove risieda il moderno e dove il Modernismo in qualità di situazioni temporali e spaziali distinte. Dimensioni che caratterizzano entrambe le due diverse capitali. Il movimento modernista brasiliano si è manifestato più tardi rispetto all’omologo europeo e, senza dubbio, in maniera assolutamente differente rispetto a quello italiano.
Così ho concluso e concentrato il mio progetto basandolo sulla vulnerabilità urbana che ho sentito e registrato a Roma. Mettendo così in relazione i siti in costruzione di San Paolo. Da questo avvicinamento è sorta una domanda spontanea: l’architettura di Roma sono rovine della storia, sedimenti moderni o edifici in uno stato di entropia?
Il mio progetto, concepito appositamente per la galleria Furini, è un tentativo di decostruire la sicurezza, la perfezione e l’agio del cubo bianco (degli spazi espositivi) per mostrare l’instabilità urbana che ho visto camminando per le vie di Roma.
Per la prima sala della galleria ho pensato di costruire due colonne posticce fatte di legno e poi dipinte di bianco. I due elementi architettonici, installati parallelamente, comportano l’idea che uno sia elemento portante mentre l’altro abbia come base una carriola utilizzata per trasportare il cemento. Questa installazione è direttamente connessa a due altri lavori che ho fatto recentemente: l’uno dal titolo “Abuso de Poder” (trappola per topi fatta con marmo bianco di Carrara) e “Modelo de Superfície” (una fotografia in bianco e nero attualmente non esposta in galleria a Roma).
Il quarto lavoro che sto presentando è “Dominio Público”. Il progetto mette simbolicamente in scena l’area urbana di Roma in un solo disegno, composto sul muro come se fosse un tirassegno, molto comune nei bar attorno alla galleria. Tre freccette sono state fissate al muro come se il momento e il gesto del gioco fosse già avvenuto.
Concettualmente, la combinazione di questi lavori rinforza l’idea di Lina Bo Bardi. Infatti, in sintonia con l’architetto romano, vissuta a San Paolo negli anni Cinquanta, il gesto urbano può essere riconosciuto come pieno di invenzioni umane che, con il tempo, diventano traccia di altri luoghi: un ponte, un passaggio e infine una casa. Questo processo di appropriazione è costituito dalle idee. Modi di pensare che, introdotti nel mondo, fanno emergere nozioni, concetti d’ordine.
Il mio intervento si situa nel riconoscimento di un sito in costruzione come luogo di cambiamento costante, di sperimentazione e libertà. Uno spazio che è in continua trasformazione e che subisce i mutamenti, mettendo a confronto tanto gli aspetti della società romana, preservatrice delle proprie rovine, quanto gli stilemi di San Paolo, città che non salvaguarda nulla se non il proprio continuo cambiamento.
Marcelo Cidade
19 nov 2010
MARCELO CIDADE | ROADS NOT TAKEN dal 4 dicembre 2010 al 5 febbraio 2011 @ Furini Arte Contemporanea a cura di Atto Belloli Ardessi e Ginevra Bria
Marcelo Cidade, con la progettazione di Roads not taken, decide di sorvegliare Roma, descrivendone il suo statuto di diversità. Con questa personale, l'artista evita ogni perdita d'esperienza e tocca l'esterno del mondo, passando attraverso il suo primo ambito di intervento: la città. Ne consegue un deciso confronto con la negazione, l'intuizione, e la diversione tra disponibilità e giuste distanze. Negli spazi di Nicola Furini Cidade si riappropria allegoricamente di volumi architettonici e di archeologie a cielo aperto, definendo sui supporti utilizzati un percorso al contrario, una sorta di lettura percettiva che ammette solo l'emergere di un limite non consentito. Il suo senso scultoreo per lo spazio arriva così a grattareinsistentemente l'origine strutturale di qualsiasi fondamenta, trasformando la non partecipazione della natura in un'opportunità per circoscrivere nuovo spazio.
L'artista Brasiliano, alla sua prima personale italiana, da quasi un decennio registra e affina lo stato dell'arte di confine, insistendo sull'utilizzo di pratiche eversive e informali che regnano nei domini e sui confini del regno urbano.
Cidade celebra l'intervento artistico spontaneo contribuendo, al tempo stesso, al continuo e immersivo cambiamento della città; universo che, secondo lui, attiva e contagia ogni forma d'arte contemporanea. L'abbondanza di pratiche anti-autoritarie e l'utilizzo di elementi rilevatori di un mondo esterno, rendono installazioni, interventi e operazioni artistiche delle perfettestrade non prese. Percorribili roads not taken che non si allontanano mai eccessivamente da una certa aura di illegalità e da un'estetica del vandalismo di origini strutturali; percorsi entrambi profondamente ancorati ad un'identità di matrice concretista dalla quale Cidade attinge con autorevolezza.
Cidade, a Roma, lavora su applicazioni, geometrie, codici e dissimulazioni della capitale, lasciando emergere tracce di un cambiamento d'approccio nelle pratiche dell'arte contemporanea. I suoi lavori riflettono decise impressioni poetiche, marchiate nella storia e nella conformazione della città. Nulla all'interno della sua prassi costruttiva è mera decorazione: Cidade è un dissimulatore ribelle, per elezione. Egli sperimenta la sensazione di territori estranei utilizzandoli, per reazione, come un foglio bianco, come una superficie sottesa. Un sotto-testo che descrive una complessa reteconcettuale fatta di effetti, azioni e riproduzioni pronti, all'occorrenza, ad invadere la culla del traffico. I sistemi di sorveglianza, i meccanismi di difesa, le tattiche di controllo e gli ostacoli dei confini, nei lavori di Cidade riportano l'occhio di chi guarda, su quella strada non presa che spesso è traccia critica di una natura aliena dell'arte. Segnalazione liminare di conquista.
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Marcelo Cidade exhibiting Roads not taken means to watch over Rome, describing its urban diversity statute.
Through this solo show, the artist avoids every loss of experience because he rather directly touch the external world, im-mediatly crossing his first intervention field: the city. It follows that becomes necessary a comparison with denial, intuition and digression between the availability of things and the perfect distance from products. Thanks to this project Cidade allegorically takes possession of architectures and open-air volumes, settling a path in reverse, a sort of perceptive reading which only allows a forbidden limit to emerge. His sculptural sense for space comes up to insistently scrape structural origins of every theoretical foundation, transforming the non-presence of Nature in an opportunity to circunscribe new portions of space.
The Brazilian artist, at his first solo show in Italy, has been recording and honing, for almost a decade, the state of the street art, using informal and subversive practices between the realms of Modernism and urban domain.
Cidade celebrates the artistic spontaneous intervention, while contributing, at the same time, to the continuous and immersive transformation of the city - a universe that, according to Cidade's visions, activates and contaminates every contemporary art form. The abundance of anti-authoritarian rituals and the application of signals, properly created to define an exterior world, make installations, interventions and artistic operations dedicated and realistic roads not taken. Not-chosen, but not forsaken, ways where never drifting away from their specific illegal aura and a structural aesthetic of vandalism. Both of this dimensions are deeply anchored to a Modernist sense for space and to its identità, a legacy which Cidade draws upon powerfully.
In Rome, Cidade will work on geometries, codes and dissimulations within the Italian capital, letting changing tracks emerge as a new approach for the actual contemporary art scenarios. His artworks will reflect poetic impressions, marked into city's history and nature. Nothing inside his constructive performance practice is just representation or simple decoration: Cidade is a foremost rebel dissimulator. He measures the sensation of foreign territories just using them, as a kind of reaction, as a white sheet, as a surface subjected to the whole physical reality. A subtext which describes a complex conceptual network composed by effects, actions and reproductions, all ready -at the first need- to overrun the cradle of traffic. Surveillance devices, control mechanisms, defensive tactics and border obstacles, distributed into the Cidade's artwork, bring the gaze upon a peculiar road not taken which often is a critic trace of a distant nature, abroad from the theater of art.
14 nov 2010
Arte Fiera Bologna 2011
Furini Arte Contemporanea
presents
Robert Barta, Marcelo Cidade, William Cobbing, Marlon de Azambuja
13 ott 2010
ROBERT BARTA|Why ants can't dance|October 8 – November 27, 2010
8 Ottobre – 27 Novembre 2010
“My stories are drawn thoughts of mine that get expanded and finally blow up like a star, when accepted by the spectator.” (Robert Barta)
Furini Arte Contemporanea inaugura la nuova stagione 2010-2011 con il solo-show di Robert Barta (Praga -1975, vive e lavora a Berlino), un progetto in cui la riflessione sulla forma dirige verso l’analisi di argomenti complessi, attraverso una dimensione narrativa basata principalmente sull’idea e l’invenzione.
Si tratta di un lavoro concettuale in cui la sinergia fra le parti produce risultati diversi da quelli prodotti dalle parti singole. Per Robert Barta l’idea è più importante dell’oggetto in sé, perché questa si insinua e prende forma nella sua mente, fino a produrre effetti in chi la recepisce una volta realizzata.
In mostra da Furini Arte Contemporanea un cactus fa inaspettatamente l’hula hoop con grande naturalezza e una candela sta accesa per ore e giorni, ma il tempo sembra non passare perché questa non si consuma mai, lasciando lo spettatore incredulo e confuso. L’obiettivo è di coinvolgere e sollecitare lo spettatore a farsi domande su ciò che conosciamo e diamo per scontato, sottolineando la differenza fra l’aspettativa e la percezione reale delle cose. Per questo ciò che è apparentemente ovvio e facilmente percettibile si trasforma in qualcosa di irritante, inaspettato e assurdo, producendo dell’osservatore un senso di disorientamento tale da mettere in discussione la certezza einsinuare il dubbio.
Tutta la produzione di Robert Barta ha origine nel disegno. La fase progettuale è un punto di partenza per la realizzazione pratica degli oggetti che, immaginati e perfezionati sono infine resi concreti, talvolta in notevoli dimensioni e facendo uso di meccanismi. Barta stesso si sente architetto delle idee e le sue opere sono frutto di costruzioni mentali, calcoli, prove empiriche, forzature estreme ai limiti del realizzabile, dove il possibile e l’ovvio decadono d’improvviso per lasciare spazio all’assurdo e allo stupefacente.
Robert Barta, Why ants can’t dance
opening 8 ottobre 2010 ore 18,30
8 ottobre – 27 novembre 2010
Furini Arte Contemporanea, Roma - Via Giulia 8
orari: da mercoledì a venerdi 13-19, sabato 15-19
Bio Robert Barta,1975 Praga (CZ), vive e lavora a Berlino. Formazione: 1998 - 2005 Academy of fine arts Munich, 2002 - 2003 MFA San Francisco Art Institute, (USA)
Principali mostre personali: 2010 Robert Barta - Why Ants can‘t dance,Furini Arte Contemporanea, ROME (I), Reality looks back on me. (curated by Marion Thielebein) Museum Pfalzgalerie KAISERSLAUTERN,2007 Deutsche Bundesbank, German Federal Bank, FRANKFURT – catalogue
Principali mostre collettive: 2010 CECI N‘EST PAS UN CASINO II (curated by Kevin Muhlen and Jo Kox) Museum Villa Merkel, ESSLINGEN, CECI N‘EST PAS UN CASINO (curated by Kevin Muhlen and Jo Kox) Casino LUXEMBOURG, 2009 Rohkunstbau XVI, (curated by Mark Gisbourne), Schloss Marquardt, BERLIN-Marquardt, Romantische Maschinen, (curated by Marc Wellmann) Georg-Kolbe Museum, BERLIN, 2008 Phoenix vs Babel, (curated by Patrice Joly, Colette Barbier) Fondation Ricard, PARIS (F), 2007 Gross domestic product, (curated by Kristof Kintera) City Gallery GHMP, PRAGUE (CZ), Art for fun, (curated by Javier Arlandis) Casal Solleric Center for contemporary art, PALMA de MALLORCA (E) - catalogue, 2006 Galerie Rüdiger Schöttle (with R.Chisholm, J.J.Ziolkowski, D.Ozbolt, M. Lukosaitis,) MUNICH
GB VERSION
"My stories are drawn thoughts of mine that get expanded and finally blow up like a star, when accepted by the spectator.” (Robert Barta)
Furini Arte Contemporanea opens the new art season 2010-2011 with the Robert Barta (Prague 1975, lives and works in Berlin) solo-show, a project where the reflection over the form runs to the analysis of complex arguments, through a narrative dimension based principally on the idea and the invention.
It deals with conceptual work , where the synergy of the parts produces different results from those produced by the single parts. According with Robert Barta the idea is more important than the object, because it creeps into his mind, up to produce effects in those who perceive it once realized.
At Furini Arte Contemporanea’s gallery a cactus plays hula-hoop with much naturalness and a candle stays on hours and days, but time seems to not pass because it never consumes, leaving the overviewer incredulous and confused. The aim is to involve and to incite the observer to wonder about things we feel obvious, underlining the difference between the expectation and the real perception of them. Because that what is apparently obvious and easily perceptible goes to be something irritating, unexpected and absurd, producing in the viewer a sense of disorientation so to question the certainty and to insinuate the doubt.
All the Robert Barta’s production has the origin in the drawing. The planning stage is a point of departure for the practical realization of the objects that, imagined and perfected, are at last made concrete, sometime in very big size and using mechanisms. Barta feels his works the fruit of mental constructions, calculations, empirical tests, extreme forcing on the edge of the realizable, where the possible and the obvious suddenly decay to leave the space to the absurd and stupefying.
Robert Barta
Why Ants Can’t Dance
opening October 8, 6.30 pm
Furini Arte Contemporanea, Roma - Via Giulia 8
Wednesday-Friday 1-7pm, Saturday 3-7pm
info: +39 06 68307443, info@furiniartecontemporanea.it
website: www.furiniartecontemporanea.it
18 ago 2010
Notes
"My stories are drawn thoughts of mine that get expanded and finally blow up like a star, when accepted by the spectator", Robert Barta
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